Piano

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Disposición material

El piano es un instrumento construido con diferentes tipos de madera, en el amazón generalmente es de roble, haya, nogal o abeto, los martillos suelen ser de peral, cormal, carpino o arce cubierto con lana prensada, el teclado es de madera de tilo, para cubrir las teclas negras se emplea ébano y marfil para las blancas, por último, para el chapado exterior se emplean maderas exóticas dependiendo del modelo. El esqueleto del piano está construido con acero de una sola pieza, y sus bordes de hierro forjado o acero. Las cuerdas son de alambre de acero entorchado en un alambre de cobre enroscado para los bordones. Los pianos de cola y la caja de resonancia se encuentras de manera horizontal y su tapa superior se puede abrir para que el sonido producido por las cuerdas sin ningún tipo de obstaculo. Los tamaños pueden variar dependiendo del tipo de piano y la del fabricante, generalmente oscilan las siguientes longitudes: piano de cola mignon: hasta 130 cm de longitud; piano de un cuarto de cola: de 131 hasta 189 cm de longitud; piano de media cola: de 190 hasta 225 cm de longitud; piano de tres cuartos de cola: de 226 hasta 255 cm de longitud; piano de gran cola: superiores a 256 cm de longitud. Con excepcion del órgano, el piano tiene el registro más amplio de toda la orquesta, desde el La0 hasta el Do8.

Partes necesarias

Teclas:

La tecla es el mecanismo principal del mecanismo de percusión. Los pianos de concierto tienen 88 teclas, y están pintadas de color blancas (tonos) y negras (semitonos). La función de las teclas es que el ejecutante ejerza presión, y la tecla pivota sobre el balancín, lo que hace que se ponga en funcionamiento el mecanismo a travès del pilotín situado en la parte posterior de la misma.

Pedales:

El piano consta de tres pedales, el primero que se encuentra a la derecha, se usa con mas frecuencia es el de resonacia, cuando se presiona libera los apagadores y las cuerdas vibran incluso despues de soltar las teclas. El segundo pedal es la sordina, que se encuentra a la izquierda, la función que cumple es atenuar el sonido de las notas, una vez que el pedal se pisa, hace que los martillos se muevan hacia la derecha de manera que golpeen una o dos de las cuerdas de las notas. El pedal central, llamado pedal tonal o sostenuto, se usa con menos frecuencia, la función es mantiene solo las notas que han sido pulsadas al mismo tiempo que se activa el pedal.

Cuerdas:

Un piano de 88 teclas tiene alrededor de 243 cuerdas, dependiendiendo de la marca y modelo del piano. El registro mas grave tiene una solo cuerda que mide dos metros de largo. El registro medio y agudo, cada tecla dispone de tres cuerdas, la nota mas aguda, la longitud de la cuerda es de cinco centimetros, esto quiere decir que la longitud de la cuerda decrece cuando se avanza hacia las notas mas agudas. El grosor tambien cambia, siendo cada vez mas finas cuanto mas agudo es el sonido. Las cuerdas del registro grave, están recubiertas por un bobinado de cobre, llamado entorchado, mientras que el registro medio y agudo, el nucleo de acero queda descubierto sin entorchado.

Martillos:

Es el elemento mas importante al momento de generar sonido. Su función es golpear la cuerda. Los martillos están fabricados con lana prensada sobre un núcleo de madera, de esta manera el ejecutando puede variar las intensidades y hasta el timbre. Al tener un martillo blando, permanece mas tiempo en contacto con las cuerda, en cambio, un martillo duro, rebota y el sonido se extingue rapidamente.

Caja de resonancia: La caja de resonancia es el elemento radiante principal en el instrumento, transformando parte de la energía mecánica de la cuerda y los puentes en energía acústica. Tiene la finalidad de amplificar o modular el sonido, y es factor decisivo en el timbre del instrumento, siendo importante la calidad de la madera.

Tabla armónica: La tabla armonica es una superficie de madera que cambia su espesor, varia entre los 12 a 15 milimetros dependiendo de la medida del piano y los criterios del fabricante. Se encuentra por debajo y detràs de las cuerdas. La función es amplificar la producción del sonido de las cuerdas.

Partes variables

En 1900, Bösendorfer construye el modelo Imperial Grand (Modelo 290) que tiene 97 teclas, esto quiere decir que tiene 8 octavas completas (el registro se completa en el sector mas grave). El registro se extiende de Do0 hasta el Do8. Para diferenciar las nueve teclas nuevas de las 88 restantes, las pintó de color negro.

En los piano verticales, cambia la posicion y los nombre de los pedales.

El pedal izquierdo, de aproximación o celeste, al presionarlo, los martillos se acercan a las cuerdas y reduce la distancia para percutir, y la fuerza al pulsar la tecla es menor. La intensidad sonora es menor.

El pedal derecho es el de resonancia, cumple la misma función que los pianos de cola, los apagadores se mueven y las cuerdas continuan vibrando, incluso cuando se suela la tecla

El pedal central es la sordina, al presionar el pedal, se interpone una franja de fieltro entre los martillos y las cuerdas, por lo que hay una reducción de la intensidad.

A finales de siglo XIX, Julian Carrillo experimentó con 16avos de tono aumentando a 96 sonidos por octava, por lo que hasta la actualidad no ha tenido el éxito del temperamento de 12 tonos. Construyó 16 pianos, arpas, flautas, guitarras y cellos capaces de generar cuartos, octavos y hasta dieciseisavos de tono. Grabó en París obras en cuartos y octavos de tono, ofreció conciertos en Nueva York, Filadelfia, Paris y México además de desarrollar la Teoría del Sonido 13. [1]

https://www.youtube.com/watch?v=W3v1D_5_XOo

A mediados del siglo XX, comenzó la revolución tecnologica, por la que comenzaron a aparecer los primeros pianos sin cuerdas, los pianos electronicos y los sintetizadores, por lo cual imitaban con circuitos electronicos el timbre de un piano común. Hasta de la fecha hay diversos tipos de pianos, que se pueden encontrar de manera gratuita como aplicación para celulares.

Modo de mediación

Al momento de ejecutar el piano, hay que tener una postura adecuada, porque sino cuando pasan los años puede haber problemas en los hombros y en la espalda. Algunos tips son:

-Al momento de sentarse en el taburete profesional, hay que regular la altura adecuada, nunca hay que sentarse a la mitad del taburete, porque automaticamente se apoya toda la pierna, y eso genera una inclinación forzada de la espalda. Siempre hay que sentarse lo mas cercano a la orilla, y esto genera que una persona se siente sobre los huesos Isquiones (los huesos de las nalgas), y asi tener un balanceo adecuado para tocar las teclas graves como agudas.

- La cabeza debe estar inclinada levemente hacia el piano;

- La espalda debe estar recta pero sin exigirla demasiado;

-Los codos deben estar un poco más adelante que el tronco;

- Las manos no deben apoyarse en el piano, los dedos únicamente hacen contacto con el teclado;

- La altura del piso debe permitirnos que el antebrazo esté a la misma altura que la de las teclas del piano;

- Los pies apoyados firmes en el suelo, el derecho puede estar un poco más adelante para utilizar el pedal cuando sea necesario. Si los pies no se encuentran firmes en el piso, se pueden deslizar y esto puede generar golpes contra el instrumento. [2] [3]

Agenciamiento

Tradicionalmente el piano se toca colocando el taburete en el centro del teclado, donde se encuentran ubicadas las notas medias del piano (DO4/ DO central). Las mano izquierda se utiliza las notas mas graves y la mano derecha las agudas. Otra manera de ejecución se aplica a las tecnicas extendidas, que son no convencionales, ni tradicionales ni ortodoxas. Fué John Cage quien nombró este cambio de técnica, por el que el ejecutante (dependiendo lo que diga la partitura) se levanta del taburete y pulsa las cuerdas con los dedos y con algún objeto.

https://vimeo.com/240863023

En 1940, Cage compuso su primera obra para piano preparado que fué Bacchanale. Cage tenía pensado escribir la pieza para percusión, pero el espacio de interpretación era demasiado limitado para acomodar una batería de instrumentos de percusión. En el lugar solamente había un piano de cola para trabajar, y a partir de ese momento comenzó a experimentar con el piano colocando objetos (piezas de goma, tornillos, pernos, burletes) entre las cuerdas para alterar el sonido original. [4]

https://www.youtube.com/watch?v=pNM9DLrxOZA

Interfaz

Los instrumentos de teclado (en este caso el piano) poseen una interfaz. Las teclas tienen la combinación de colores blancas y negras, las teclas blancas son los tonos y las negras son los semitonos. La funcion de esta interface es que el ejecutante pueda tener mayor virtuosismo. Cada una de las teclas tienen diferente peso, el fabricante de pianos debe regularlas, añadiendo pequeños cilindros de plomo en lugares convencionales. En los pianos de cola, los cilindros se colocan en la parte frontal para la correccion. En cambio en los pianos verticales, los cilindros se colocan en la parte trasera de la tecla para aumentar el peso.[5]

Los tres pedales también son parte de la interfaz del piano. Estos pedales generan diferentes tipos de efectos, en el piano de cola:

El pedal derecho que es de resonancia o sustain, que libera los apagadores y las cuerdas vibran incluso despues de soltar las teclas.

El segundo pedal es la unicordo, una corda o celeste, que se encuentra a la izquierda, hace que los martillos se muevan hacia la derecha de manera que golpeen una o dos de las cuerdas de las notas.

El pedal central, llamado pedal tonal o sostenuto, se usa con menos frecuencia, la función es mantiene solo las notas que han sido pulsadas al mismo tiempo que se activa el pedal.

En los piano verticales:

El pedal izquierdo, de aproximación o celeste, al presionarlo, los martillos se acercan a las cuerdas y reduce la distancia para percutir, y la fuerza al pulsar la tecla es menor. La intensidad sonora es menor.

El pedal derecho es el de resonancia, cumple la misma función que los pianos de cola, los apagadores se mueven y las cuerdas continuan vibrando, incluso cuando se suela la tecla.

El pedal central es la sordina, al presionar el pedal, se interpone una franja de fieltro entre los martillos y las cuerdas, por lo que hay una reducción de la intensidad.

Mapa de mediación

En 1695, Bartolomeo Cristofori que fué un fabricantes de instrumentos musicales, principalmente de clavicémbalos, por lo cuál se pudo familiarizar con las técnicas de fabricación de cuerdas con teclado. Organologicamente el piano es similiar al clavicordio, y en términos esteticos-músicales al clavecín. A diferencia de estos tres instrumentos, las teclas del piano son percutidas por los martillos, y golpean las cuerdas dejandolas vibrar libremente. En un clavicordio, las cuerdas son percutidas por púas metalicas, y el clavecín, las cuerdas son pulsadas por plectros.

Entre los años 1720 y 1730, Gottfried Silbermann modificó los pianos de Cristofori, por lo que le agregó el pedal de resonancia modermo, que eleva los apagadores de todas las cuerdas.

En el año 1808, Sebastian Erard (discipulo de Silbermann), inventó y patentó el mecanismo de simple repetición, que permitia a las cuerdas permanecer en su lugar exacto después de ser percutidas, y años mas tarde, 1810, creó el mecanismo de pedales, que hasta la actualidad no sufrieron mas modificaciones.

Y en 1822, inventa el mecanismo de doble repetición, que permitia grandes velocidades al momento de pulsar las teclas. Durante el siglo XIX, el piano fué el instrumento fundamental del romanticismo, no solamente por los musical, sino en cuestiones técnicas, ya que durante la Revolución Industrial el mecanismo se fue modificando. El instrumento al poder generar diferentes intensidades y cambiar facilmente de tonalidad, fue clave por la expresividad, porque era similar a la voz humana.

Al tener una expresividad especial, durante el Romanticismo surgieron grandes pianistas virtuosos, como Franz Liszt, Frédéric Chopin, Schumann, Félix Mendelssohn, Ludwig van Beethoven, entre otros.

En cuanto a la partitura también tiene sus modificaciones, la partitura para piano es la transcripción de una obra escrita para multiples interpretes (como las obras orquestales, y corales). Estos arreglos suelen modificarse para un solo pianista o también para duo (uno o dos pianos, a cuatro manos).

Los ballets obtienen el mayor beneficio práctico de las partituras de piano, puesto que con uno o dos pianistas permiten ensayar sin limitaciones antes de una orquesta sea absolutamente necesaria. [6]

Ejemplos de uso tradicional

https://www.youtube.com/watch?v=Pskcs79MljE Concierto para piano y orquesta Nº 1 de Chopin, 2º movimiento

https://www.youtube.com/watch?v=vhiK7ldzP7s Igor Stravinsky - Danse russe

https://www.youtube.com/watch?v=e4d0LOuP4Uw Beethoven - Für Elise - Piano & Orchestra

Teleología

El piano se utiliza normalmente de las siguientes formas:

1- como instrumento solista, ejemplo en los conciertos para piano;

2-como ejecutante de una parte obbligato, como en el Concierto Grosso nº 1 de Blonch o en Petrushka de Stravinsky;

3-como instrumento puramente orquestal, como en Printemp de Debussy, la Sinfonìa nº4 de Frank Martin, la Sinfonìa nº5 de Prokofiev. En este caso, el piano se utiliza para duplicar un pasaje o enfatizar una nota o acorde secco, utilizando los registros extremos. En otros casos, se emplea en lugar del arpa, tocando arpegios en pasajes fortissimo;

4- como instrumento de percusion, reemplazando al xilofon, vibrafono o marimba, o en algunas casos contrastando con ellos. Las notas mas graves pueden tambien reforzar a los timbales o al bombo;

5- como instrumento de relleno, se usa para sustituir al oboe, fagots o viola, normalmente esto sucede en las orquestas no profesionales y escolares

Referencias

El estudio de la orquestación. Samuel Adler. Año:2006.

The physics of musical instruments. Neville Fletcher y Thomas Rossing. Año: 1998

Orquestación. Walter Piston. Año: 1984.

https://es.wikipedia.org/wiki/Piano

https://en.wikipedia.org/wiki/Piano

http://pianoacoeur.com/es/altura-del-asiento-adecuada

https://es.wikipedia.org/wiki/T%C3%A9cnicas_extendidas

https://es.wikipedia.org/wiki/Frecuencias_de_afinaci%C3%B3n_del_piano

https://www.youtube.com/watch?v=JWW9Ank2m30

http://johncage.org/pp/John-Cage-Work-Detail.cfm?work_ID=32

https://es.wikipedia.org/wiki/Microtonalismo

https://es.wikipedia.org/wiki/Piano_electr%C3%B3nico

Modo de mediación

El piano es la abreviación del italiano "Pianoforte", en alemán tiene el nombre de Klavier. Es un instrumento de teclado con cuerdas percutidas. Los origenes del piano tiene alrededor de cinco mil años (3000 a.C). El antecesor mas antiguo del piano es la cítara, un instrumento originario de África y del sudeste de Asia. El instrumento similar a piano es el Dulce Melos, según escritos fué inventado en 1440 aproximadamente por Henricus Arnaut de Zwolle, y según algunos especialistas es el primer piano. Éste instrumento tenía la posibilidad de generar sonido suaves y fuertes, inspirado en el Dulcimer. En 1695, Bartolomeo Cristofori, fué un constructor que trabajaba para Ferdinando María de Medici (Italia), inventa el primer piano que podía generar intensidades suaves y fuertes y también cambios de tonos. En la actualidad, solamente se conservan tres pianos que se encuentran en el Metropolitan Museum, en Nueva York (Estados Unidos), en el Museo Nazionale degli Strumnti Musicali, en Roma (Italia) y en el Musikinstrumenten-Museum de la Universidad de Leipzing (Alemania) Durante el Romanticismo y la Revolución Industrial, el piano comenzo a tener mucha importancia, y comenzaron a haber cambios sociales por la manera de expresión del instrumento. En la música occidental, se utiliza para música de camara, de acompañamiento armónico, y para la interpretación solista.

Agenciamiento

Interfaz

Mapa de mediación

Teleología

==Referencias==

Pifano

Sección orquestal	maderas
Modo de mediación	responsivo, visible
Materiales

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EI pífano, más propiamente, es un subgrupo instrumental dentro de la familia de las flautas. Como en todo grupo instrumental, existieron diversos tamaños del mismo, y aun en la actualidad existen diversas variantes, dependiendo de su localización geográfica, ya que al ser un instrumento que por sus circunstancias ha escapado al encorsetamiento academicista, se ha quedado en una esfera ya ni siquiera militar, sino popular o folk, propiciando una evolución divergente.

Disposición material

El pífano es un instrumento de viento consistente en una pequeña flauta con rango muy agudo. Es un tubo cilíndrico cerrado por uno de los extremos, con siete agujeros más aquel en que se sopla. Esta es una versión nueva del pífano con boquilla, pero originalmente son sin boquilla.

Ejemplo

Banda de pífanos acompañado por caja: https://www.youtube.com/watch?v=A0QcajNQahE

Modo de mediación

El pífano es un instrumento sin lengüeta y como en el caso de muchos otros instrumentos sin lengüeta, el intérprete debe de tratar que el borde del orificio presione ligeramente el labio inferior para que el soplo incida oblicuamente sobre la columna de aire del tubo. Este se coloca transversalmente al cuerpo del ejecutante y se sujeta con las dos manos.

Mapa de mediación

En algunos tratados instrumentales y compendios organológicos de los siglos XVI y XVII encontramos una cierta polémica, o al menos confusión, respecto a si el pífano tiene una categoría musical similar a la de las flautas alemanas (flûtes d’allemand), como se denomina en la época al traverso. Marin Mersenne y Pierre Trichet en la segunda mitad del siglo XVII coinciden en que el pífano es prácticamente igual a la flauta, pero no lo consideran apto para la música concertante, debido a que suena muy fuerte y agudo. Consideran que para tocar la voz superior en un grupo de flautas ya existe un miembro en la familla de ésta, de menor tamaño. Nos están hablando obviamente de un flautín. Sin embargo otros tratados instrumentales, como el de Furetière o Brossard, hablan del pífano como una especie de pequeña flauta travesera, sin mayores distinciones morfológicas o musicales. Si queda claro por un lado que la clasificación instrumental del pífano y del flautín es distinta y que el flautín tiene una trayectoria ligada a la flûte d’allemand, el objeto de este articulo es determinar la importancia en el desarrollo y adaptación del flautín de las características de la música para el pífano. Como ya he dicho, parece que la mayoría de textos hablan de la música para pífano en un sentido únicamente militar. Según estos, nunca habría habido una adaptación en otros ámbitos. Sin embargo, en algunos casos podemos encontrar indicios de que esto no es exactamente cierto. EI propio Mersenne, pese a enumerar las limitaciones del pífano respecto a las flûtes d’allemand, dice que no todas las voces se pueden tocar con él (a modo de un grupo de flautas de pico), lo que por exclusión nos indica que alguna voz sí que se podría tocar, y esto implicaría su utilización en determinados "consorts". Hace además una precisión muy curiosa, pues señala la aptitud e idoneidad del pífano para acompañar al órgano en sus registros "ordinarios" (llamados así por que se les pueden añadir refuerzos de otros instrumentos), aportándole la sutileza de una articulación que este no posee. La propia cita de Pedrell ya mencionada en el epígrafe anterior, nos puede hacer dudar que unos instrumentos de una factura tan lujosa no tuviesen más que un uso militar o popular. En la tabla de Urs Graf del s.XVI. En ella vemos un grupo de soldados tocando pífanos de diversos tamaños. Se puede apreciar como el soldado de la derecha toca con el instrumento hacia su izquierda. En diversas tablas de los siglos XV y XVI se observan muy curiosos ejemplos de estas primeras músicas militares. En algunas de ellas incluso, se ven diversos pifanistas con el instrumento a la derecha o a la izquierda indistintamente (y recuerdo en este momento una cuestión que Antonio Arias dejaba en el aire respecto al momento en el que se uniformizó la costumbre de tocar la flauta hacia la derecha). También se ven instrumentos de diversos tamaños que, tocados por soldados en pleno campo de batalla estarían presuntamente interpretando música polifónica. En un momento histórico en el que no existían unos límites tan estables como los actuales entre los diversos ámbitos musicales (lo popular, lo culto, lo militar, lo religioso), hay un tránsito de ideas, de instrumentos, de formas musicales, de temas, que provoca que los teóricos traten de delimitar las diversas categorías. Este juego de tensiones ha marcado notablemente toda la historia de la música, y podemos encontrar múltiples ejemplos, como la inclusión de música profana en las iglesias, lo que fue un motivo de disputa constante durante siglos. También la introducción de motivos e instrumentos militares en la música de cámara y el tránsito de instrumentos típicos de un ámbito a otro fue incesante durante siglos. La trompa, sin ir mas lejos, es un buen ejemplo de este trasiego. Los grupos instrumentales renacentistas y altobarrocos contaban con una plantilla instrumental muy diversa y poco definida, de una riqueza tímbrica exuberante, comparada con las muy delimitadas formaciones instrumentales que se fueron estableciendo a partir del Barroco tardío. Hoy en día la orquesta cuenta con unas famillas instrumentales específicas, y la instrumentación es absolutamente precisa, pero en una época en la que no existía una tradición musical clara y en la que la comunicación entre los músicos (prácticos o teóricos) era muy difícil, estas situaciones eran inevitables.

Teleología

Los pífanos tuvieron un origen común con las flautas, pero se adaptaron a un ámbito musical distinto al de éstas. Los primeros compendios musicales nos presentan al pífano como un instrumento exclusivamente militar. El origen de este uso específico parece concretarse en las guardias suizas del siglo XV (y más específicamente en Basilea), que revolucionaron las tácticas de combate de la época por su organización durante las batallas, organización que dependía muy estrechamente de los ritmos y melodías que marcaban los tambores y pífanos que les acompañaban.

Referencias

• https://www.flickr.com/photos/renacimiento_3b/5117942219
• http://musicaysonido.es/2019/04/02/pifano/
• http://www.tamborileros.com/tradiberia/aerfono3.htm
• http://arubiomarco.blogspot.com/2011/09/el-pifano-un-antecedente-musical-del.html

  Platillos de entrechoque

El platillo de entrechoque (Címbalo en Húngaro) es un instrumento de percusión de sonido indeterminado. Pertenece a la familia de los idiófonos, el sonido se produce chocando uno contra otro o percutiéndolos con baquetas. Se trata de dos discos cóncavos de metal, que normalmente están hechos de una aleación de bronce.

Disposición material

Fundamentalmente metal (bronce). en algunas orquestas están hechos de cobre, plata y estaño.

Partes necesarias

Se necesitan dos discos cóncavos de dicha aleación. un soporte de cuero para ser sostenidos, o un soporte en el caso que se encuentre suspendido, se utilizan palillos actualmente.

Partes variables

En el centro se genera un agujero ( entrechocado) para pasar una correa de cuero o piel que sirve de abrazadera; en el caso de platos suspendidos, Su tamaño influye directamente en la sonoridad, a mayor tamaño o grosor mayor potencia sonora.

Modo de mediación

Este instrumento, puede tocarse parado o en una banca. En el caso de que el ejecutante se encuentre parado, debe colocar los pies en una linea paralela imaginaria, los brazos, por otra parte deberán formar un angulo de 45ª con respecto al tórax; en el caso de que el toque se realice sentado, la ralacion entre brazo y tórax sera la misma. También puede utilizarse baquetas o palillos para su ejecución. En ambos casos el sonido se logra chocando ambos platos entre si, con menor o mayor intensidad

Agenciamiento

Es un instrumento sin un tono definido, pero puede variar su sonoridad según el tamaño, se utiliza en orquestas sinfónicas y en bandas militares, en ambos casos chocandolos entre si o con baquetas, se utiliza para acentuar el ritmo y en algunos fraseos

Interfaz

No posee interfaz

Mapa de mediación

Los platillos de entrechoque descienden de los crótalos, con origen en la Edad Antigua. Desde Oriente Medio, los crótalos llegaron al Imperio otomano, donde los turcos aumentaron su tamaño, hasta convertirse en el instrumento actual. La popularidad de los platillos llegó con el Romanticismo, periodo en el que se introdujeron en la orquesta sinfónica los exóticos instrumentos propios del folclore turco. Además de los platillos, llegaron los triángulos, las panderetas y otros instrumentos. https://youtu.be/Or94x9JCI4M

Teleología

Se utiliza para acentuar los compases el fraseo, y para algunos ritmos, comúnmente en las bandas militares

Referencias

http://sabian.com/en/pages/anatomy-of-a-cymbal

Saxo soprano

Sección orquestal	metales
Modo de mediación	autónomo, modulante, visible
Materiales

El saxofón es uno de los instrumentos musicales más fascinantes. Se trata de una pieza de latón de forma cónica, con una boquilla sujeta con una abrazadera de metal, y que incorpora una caña cuya vibración por el paso del aire es la que crea el sonido.

Disposición material

Pese a que está elaborado en latón, el saxofón no se incluye dentro de los instrumentos de metal sino en los de madera, debido a que la música se forma por la caña oscilante y no por los labios del saxofonista contra la boquilla.

Partes necesarias

-Lengueta -Llave de octava: Se usa para llegar a las notas mas altas - Almohadillas

Partes variables

La boquilla es parte fundamental y depende del tipo de saxofón, así que es importante escoger adecuadamente la que incorporaremos a nuestro saxo, al igual que la caña. Hay boquillas de pasta, metal y cristal. Las de metal son elaboradas por lo general en latón, y ofrecen un sonido más robusto y brillante. Son preferidas para la música popular, moderna.

Modo de mediación

La embocadura es la manera en que la boca se debe poner en la boquilla del instrumento. Cuando se va a tocar el saxofón soprano, hay menos cañita libre para poner en la boca. Si bien este es el caso, en este caso la formación de la embocadura y la colocación de la cañita en tu boca debe ser exactamente la misma que en otro saxofón: el labio inferior debe estar levemente metido y arroscado cerca de los dientes inferiores. La lengua debe estar levemente arqueada y lejos de los labios. Para utilizar la lengua en el saxofón soprano, vas a ver que el mecanismo es considerablemente más corto y veloz que con los otros saxofones debido al pequeño tamaño de la caña. Emplea un movimiento mas bien suave y veloz para atacar la cañita con tu lengua para articular

Agenciamiento

El agenciamiento tradicional del saxofón soprano es la emisión de un sonido tenido mediante la emisión de aire por la boquilla, provocando que vibre la caña y que, en consecuencia, el sonido resuene a través del tubo modulando la frecuencia del sonido que sale mediante el uso de las llaves.

Interfaz

Mapa de mediación

Teleología

Referencias

http://www.elsaxofon.org/2015/07/sonido-del-instrumento.html https://es.wikipedia.org/wiki/Saxof%C3%B3n_soprano

https://losinstrumentosdeviento.com/saxofon/

Saxofon soprano

Sección orquestal	metales
Modo de mediación	pasivo, autónomo, modulante
Materiales

El saxofón es uno de los instrumentos musicales más fascinantes. Se trata de una pieza de latón de forma cónica, con una boquilla sujeta con una abrazadera de metal, y que incorpora una caña cuya vibración por el paso del aire es la que crea el sonido.

Disposición material

Pese a que está elaborado en latón, el saxofón no se incluye dentro de los instrumentos de metal sino en los de madera, debido a que la música se forma por la caña oscilante y no por los labios del saxofonista contra la boquilla.

Partes necesarias

-Lengüeta -Llave de octavas -Almohadillas -LIgaduras -Anillo de suspension -Soporte del pulgar

Partes variables

Modo de mediación

La embocadura es la manera en que la boca se debe poner en la boquilla del instrumento. Cuando se va a tocar el saxofón soprano, hay menos cañita libre para poner en la boca. Si bien este es el caso, en este caso la formación de la embocadura y la colocación de la cañita en tu boca debe ser exactamente la misma que en otro saxofón: el labio inferior debe estar levemente metido y arroscado cerca de los dientes inferiores. La lengua debe estar levemente arqueada y lejos de los labios. Para utilizar la lengua en el saxofón soprano, vas a ver que el mecanismo es considerablemente más corto y veloz que con los otros saxofones debido al pequeño tamaño de la caña. Emplea un movimiento mas bien suave y veloz para atacar la cañita con tu lengua para articular.

Agenciamiento

Interfaz

Mapa de mediación

Teleología

Referencias

http://mundosaxofon.com/saxofon-soprano/ http://elsaxofondebego.blogspot.com/2013/06/saxofon-soprano.html

http://www.elsaxofon.org/2015/07/sonido-del-instrumento.html

Saxofon tenor

El saxofón tenor (creado por Adolphe Sax en París -1840-) es un instrumento musical de viento y de lengüeta simple, y, pertenece a la sección madera (aunque esté hecho de metal y tenga el tubo cónico). Su afinación está en si bemol, aunque los saxofones tenores mas modernos pueden alcanzar el Sol sostenido, siendo un sonido muy arriesgado de reproducir, incluso por los más experimentados. Su nombre en Alemán es reconocido como saxophon, en Inglés saxophone y en Catalán simplemente saxo (abreviatura del nombre que se suele usar en Argentina)

Disposición material

De arriba hacia abajo del instrumento, partes fundamentales: Boquilla: abrazadera y caña. Cuerpo: llaves, zapatillas, torres y campana. Es un instrumento de metal, pero esta dentro de la familia de las maderas porque su sonido es emitido a través de la madera.
Su tamaño es mayor que el del saxo alto, siendo sin embargo más pequeño que el saxo barítono, utiliza una boquilla en la que se coloca una lengüeta de caña sostenida por una abrazadera de metal. Consta de 23 llaves y se suele fabricar en latón, aunque también es común encontrarlos fabricados en plástico.

Partes necesarias

El saxofón aunque es un instrumento de viento-madera, es de metal y se divide en tres: la boquilla, el tudel y el cuerpo. Boquilla elemento mediante el cual se genera sonido. Es una pieza cónica y hueca a la que se fija una caña de madera. La caña o lengüeta, es una tira fina de madera (también hay de materiales sintéticos) en forma rectangular, cuya punta es curva para adaptarse a la forma de la boquilla. El tudel es un pequeño disco, tubo cilíndrico o pieza metálica, que termina en un revestimiento de corcho (usado a manera de sello entre la boquilla y el instrumento). Las lengüetas o cañas se fijan al tudel mediante hilo de nailon, o las boquillas por presión simple. El tudel exterior es la parte de la boquilla que encaja con el receptor del instrumento, que recibe el nombre de tudel. El tudel exterior es importante dado que de su correcta forma cónica y dimensiones depende el ajuste perfecto con el instrumento, ya que en caso contrario, la calidad se vería disminuida. El cuerpo del saxofón está compuesto por un tubo cónico y delgado, comúnmente de latón, que se ensancha en su extremo para formar una campana. A lo largo del tubo existen entre 20 y 23 agujeros de tono de tamaño variable, incluyendo dos agujeros muy pequeños de octava para ayudar a la interpretación del registro superior. Estos agujeros están cubiertos por almohadillas, que presionan los agujeros para producir un sello hermético. En reposo, algunos agujeros están abiertos y otros están cerrados por las almohadillas, que se controlan mediante varias llaves con los dedos de ambas manos, mientras que el pulgar derecho se sitúa debajo de un soporte que ayuda a mantener el saxofón equilibrado. Sin embargo, como los instrumentos con notas graves serían inaceptablemente largos si fueran totalmente rectos, por motivos ergonómicos los instrumentos más grandes, por lo general, incorporan un recodo en forma de U en el tercer agujero de tono más grave o ligeramente encima de él. Como esto causaría que la campana del instrumento señalara casi directamente hacia arriba, el final del instrumento es inclinado ligeramente hacia adelante.

Partes variables

Partes que pueden ser modificadas sin alterar la particularidad del instrumento (teniendo en cuenta que sin la boquilla, la caña y la abrazadera, no suena): La boquilla puede ser de metal o ebonita (cambia el sonido de brillante a opaco) La caña siendo un elemento esencial, varía en número y va cambiando la dureza y el sonido. El micrófono, si se utiliza alguno, también lo cambia y más aún si le agrega efectos sonoros al mismo. Tanto el arnés como el collar que lo sostiene, si está más arriba o abajo, varía el sonido.

Modo de mediación

Primero se engancha la correa en la parte de atrás del saxofón, y se coloca sobre el cuello; se puede tocar sentado o parado. La mano izquierda debe estar en el tope y la derecha en el fondo. Se debe colocar el pulgar derecho debajo apoyo para el pulgar que se encuentra en el fondo del instrumento. Los dedos índices, medio y anular deben ir en las teclas de la pieza de madreperla. Con el dedo meñique se mueven las otras teclas al fondo del saxofón. El pulgar izquierdo debe ir sobre la pieza redonda en el tope del instrumento. El dedo índice izquierdo debe ir en la segunda de estas teclas de arriba hacia abajo, y los dedos medio y anular izquierdos van en la cuarta y quinta, respectivamente. Para la embocadura: se debe voltear levemente el labio inferior sobre los dientes, y se descansan los dientes superiores en el tope de la boquilla. El instrumentista debe expandir su garganta y dejar caer la quijada levemente.

Agenciamiento

Modo de ejecución del sonido: a través de la expulsión del aire, manteniendo la columna del mismo con la presión realizada desde el diafragma. A nivel histórico no fue variando, siempre se usó el mismo método y no hubo variación técnica ni de construcción del instrumento (a la hora de sonarlo)

Interfaz

La interfaz serían las llaves, ya que provocan el poder variar las alturas de las notas para que salga el sonido (partiendo de la base fundamental previa a esto que sería la columna de aire que provoca el instrumentista)

Mapa de mediación

El saxofón fue inventado en el siglo XIX por el clarinetista y fabricante de instrumentos musicales de origen belga, Adolphe Sax. El nombre nace de su apellido mas el sufijo "fon/fono" (originario del griego phonos = sonido). Nace como una mejora del clarinete (1840). Se atribuye entre otras la invención del fliscornio y bombardino. El saxofón adquirió numerosas mejoras en su mecánica y llaves https://youtu.be/T3G6Emd9cAo

Teleología

El saxofón puede ir en muchos géneros y estilos musicales. En el jazz predomina mucho el tenor y el alto, pero el soprano es como un estilo mas pop.

Referencias

"El estudio de la orquestación" Samuel Adler "Wikihow"

"Culturizando"

Saxofontenor

Sección orquestal	maderas
Modo de mediación	responsivo, interactivo, modulante
Materiales

El saxofón tenor (creado por Adolphe Sax en París -1840-) es un instrumento musical de viento y de lengüeta simple, y, pertenece a la sección madera (aunque esté hecho de metal y tenga el tubo cónico). Su afinación está en si bemol y suena una octava y un tono más grave que lo escrito. Su nombre en Alemán es reconocido como saxophon, en Inglés saxophone y en Catalán simplemente saxo (abreviatura del nombre que se suele usar en Argentina). Los colores disponibles son baño dorado y baño plateado.

Instrumentos relacionados: Saxofón soprano, Saxofón barítono, Saxofón alto

Disposición material

Partes necesarias

El saxofón aunque es un instrumento de viento-madera, es de metal y se divide en tres: la boquilla, el tudel y el cuerpo. Boquilla elemento mediante el cual se genera sonido. Es una pieza cónica y hueca a la que se fija una caña de madera. La caña o lengüeta, es una tira fina de madera (también hay de materiales sintéticos) en forma rectangular, cuya punta es curva para adaptarse a la forma de la boquilla. El tudel es un pequeño disco, tubo cilíndrico o pieza metálica, que termina en un revestimiento de corcho (usado a manera de sello entre la boquilla y el instrumento). Las lengüetas o cañas se fijan al tudel mediante hilo de nailon, o las boquillas por presión simple. El tudel exterior es la parte de la boquilla que encaja con el receptor del instrumento, que recibe el nombre de tudel. El tudel exterior es importante dado que de su correcta forma cónica y dimensiones depende el ajuste perfecto con el instrumento, ya que en caso contrario, la calidad se vería disminuida. El cuerpo del saxofón está compuesto por un tubo cónico y delgado, comúnmente de latón, que se ensancha en su extremo para formar una campana. A lo largo del tubo existen entre 20 y 23 agujeros de tono de tamaño variable, incluyendo dos agujeros muy pequeños de octava para ayudar a la interpretación del registro superior. Estos agujeros están cubiertos por almohadillas, que presionan los agujeros para producir un sello hermético. En reposo, algunos agujeros están abiertos y otros están cerrados por las almohadillas, que se controlan mediante varias llaves con los dedos de ambas manos, mientras que el pulgar derecho se sitúa debajo de un soporte que ayuda a mantener el saxofón equilibrado. Sin embargo, como los instrumentos con notas graves serían inaceptablemente largos si fueran totalmente rectos, por motivos ergonómicos los instrumentos más grandes, por lo general, incorporan un recodo en forma de U en el tercer agujero de tono más grave o ligeramente encima de él. Como esto causaría que la campana del instrumento señalara casi directamente hacia arriba, el final del instrumento es inclinado ligeramente hacia adelante.

Partes variables

Partes que pueden ser modificadas sin alterar la particularidad del instrumento (teniendo en cuenta que sin la boquilla, la caña y la abrazadera, no suena): La boquilla puede ser de metal o ebonita (cambia el sonido de brillante a opaco) La caña siendo un elemento esencial, varía en número y va cambiando la dureza y el sonido. El micrófono, si se utiliza alguno, también lo cambia y más aún si le agrega efectos sonoros al mismo. Tanto el arnés como el collar que lo sostiene, si está más arriba o abajo, varía el sonido.

Modo de mediación

Agenciamiento

Interfaz

Mapa de mediación

Teleología

==Referencias==

Saxofón alto

El Saxofón Alto (en inglés, "Alto Saxophone") es un instrumento musical del tipo viento-madera, correspondiente a la familia de los saxofones. Si bien está hecho de metal, se lo considera del "tipo-madera" debido a que el sonido proviene de la caña. Su afinación está en Mi♭ y es el más popular en esta familia de instrumentos.

Disposición material

El Saxofón alto esta hecho normalmente de latón bañado en bronce o plata y tiene una única boquilla, generalmente de plástico en donde se encuentra la caña o lengüeta.

Partes necesarias

• Llaves El saxo alto consta de 25 llaves, ubicadas a lo largo del cuerpo
• Cuerpo del instrumento, donde se ubican las llaves.
• Tudel tubo cilíndrico y curvado que termina con un revestimiento de corcho, en donde va colocada la boquilla.
• Boquilla en ésta, se coloca la caña, que junto a la boquilla producen el sonido.
• Caña Pequeña y delgada pieza de madera.
• Abrazadera Sostiene la caña en la boquilla
• Campana. Se encuentra al final del cuerpo, se curva hacia arriba.

Partes variables

• Boquilla si bien es necesaria para el funcionamiento del instrumento, puede ser reemplazada por una boquilla de otro material.
• Caña Es una parte necesaria y variable a la vez, se va reemplazando a medida que ésta se va gastando o rompe.
• Abrazadera al igual que la de metal, también existen abrazaderas de cuero.
• Protectores para boquillas estas protegen a la caña de posibles marcas con los dientes.
• Arnés o correa sirve para sostener el instrumento, se cuelga por el cuello y facilita el agarre.

Modo de mediación

Sobre el cuello se coloca el arnés o correa y se engancha en el aro que se halla por detrás del cuerpo, con este se logra un buen equilibrio del instrumento. El saxofón alto se coloca inclinado ligeramente hacia la derecha, echando la parte baja hacia atrás.

En la boquilla se coloca la caña, previamente humectada con saliva, que vibra por medio de la lengua produciendo el sonido.

-Sobre la Embocadura: En la embocadura típica, la boquilla no se introduce más de la mitad en la boca del intérprete. El labio inferior envuelve de manera suave los dientes, haciendo que ésta descanse sobre el labio y no rompa la caña y es mantenida firme con una ligera presión de los dientes superiores que hacen una ligera presión en la boquilla (a veces se almohadilla con una fina cinta de caucho conocida como compensador, cojinete o "almohadilla para morder" para evitar que los dientes se resbalen sobre la boquilla). El labio superior se cierra circundando la boquilla para crear un cierre hermético y los filos de la boca se mantienen firmes y estáticos. Hay que tomar en cuenta que la presión sólo debe ser evitando el movimiento de la boquilla ya que, al aplicar mucha fuerza, el labio inferior se lacera con los dientes.

Es de gran importancia la situación de la garganta para obtener un sonido completo además de rapidez produciendo las notas. Debe permanecer abierta y relajada. Esta apertura y relajación debería continuar constante a lo largo de todo el registro del saxofón y en especial con el registro grave (desde re hasta Si♭, o hasta La, si estuviera disponible). El registro completo del instrumento debe tocarse sin cambiar la embocadura, aunque es normal su movimiento ya que es un movimiento natural y en algunos casos se necesita mover la lengua hacia atrás para hacer que el sonido baje un poco de tono (esto se hace a partir del ' 6 ya que al ensancharse el saxofón en la parte de abajo altera la afinación de esas notas subiéndolas casi un cuarto de tono).

-Sobre el Vibrato: El vibrato del saxofón es parecido al vibrato de los instrumentos de cuerda o el vibrato vocal, excepto que las vibraciones se hacen usando la mandíbula en lugar de los dedos y el diafragma, respectivamente. El movimiento de la mandíbula requerido para el vibrato puede ser simulado pronunciando las sílabas "ah-ah-ah-ah". El método más fácil y que proporciona un mejor vibrato depende del intérprete. Mientras hay quienes afirman que el vibrato no es vital para la interpretación del saxofón (debido a que su importancia es inferior a la calidad tonal apropiada), muchos lo defienden como una característica esencial distintiva del timbre del saxofón. El vibrato clásico puede ser suave y sutil, o amplio y abrasivo, dependiendo del intérprete. Muchos saxofonistas académicos toman como modelo a violinistas para obtener su sonido. Se ha sugerido que siguen el ejemplo de Marcel Mule del Conservatorio de París, uno de los primeros defensores de la interpretación clásica del saxofón. El vibrato del jazz varía aún más entre sus intérpretes. El vibrato rápido y amplio es usado por los intérpretes más viejos del estilo swing, mientras que algunos intérpretes modernos no usan casi ningún vibrato excepto en baladas lentas. Típicamente, se usa menos el vibrato en los ritmos más rápidos. Los saxofonistas que usan el vibrato comenzarán lentamente, por lo general, con movimientos exagerados de mandíbula. A medida que van progresando, el vibrato se hace más rápido hasta que alcanzan la velocidad deseada. Un vibrato puede ser producido también controlando el flujo del aire con la lengua o el diafragma.

Por otra parte, cuando introducimos el aire por la boquilla y se produce el sonido, es fundamental ir presionando las llaves para conseguir las diferentes notas que componen su registro tonal.

La posición del cuerpo también es importante a la hora de tocar el saxofón:

La cabeza siempre debe estar erguida, la espalda derecha, se debe mantener el cuerpo relajado y sin tensiones. Ambos pies deben estar apoyados en el piso cuando se esté tocando sentado, y si se toca de pies, debe distribuirse el peso equitativamente en ambos lados del cuerpo, y abrirlos un poco para que haya mayor estabilidad. La correa debe sostener la totalidad del peso del instrumento, evitando así, soportar el todo el peso en sus manos. Si se toca con atril, hay que asegurarse de que este quede a la misma altura de sus ojos sin inclinar la cabeza hacia adelante y haciendo posible leer la partitura con cualquier ojo claramente.

Los dedos de la mano izquierda ocupan la parte superior de las llaves y el pulgar por detrás. La mano derecha ocupa las llaves de la parte inferior del cuerpo del instrumento y el pulgar de esta mano también por detrás, en una especie de gancho para sostener bien el saxofón.

Agenciamiento

Su agenciamiento es, estando parado o sentado, soplar sobre la caña y boquilla del instrumento, para que se produzca el sonido e ir presionando la/las llaves que sean necesarias para lograr las notas deseadas.

Efectos del Saxofón alto

Growd

Este fue originalmente uno de los efectos más utilizado del saxofón en el mundo. Aparte del hecho de que es ahora una de las principales características distintivas del rock y del blues, se utiliza también en el jazz.
El Growd o gruñido se hace cantando o tarareando una nota al mismo tiempo. Esta nota no es necesariamente la misma nota que se ejecuta. La nota ideal para cantar puede variar, puede ser una nota de la armonía o la misma nota ligeramente fuera de tono. La mejor manera de practicar este juego es una nota, luego tararear alguna vieja nota en la parte posterior de su garganta. Alterar el tono hasta que la interferencia con el saxofón crea un buen gruñido, luego ir lentamente arriba y abajo de la escala cromática con la posibilidad de hacer lo mismo en cada nota.

1. Efecto Growd (gruñido) [[7]]

Interfaz

Su interfaz la componen las llaves, las cuales son necesarias para hacer variar en frecuencia el sonido del instrumento, alcanzando así las diferentes notas correspondientes a su registro.

Mapa de mediación

Historia del Saxofón.

El saxofón aparece a mediados del s. XIX su creador fue Adolphe Sax (1814-1894) De origen Belga, clarinetista y celebre fabricante de instrumentos. El nombre del instrumento, es la combinación del apellido de su inventor, mas el sufijo "fon" de fono. Fue Presentado por primera vez (El Saxofón bajo) en el Museo de la Industria de Bruselas en Agosto de 1841. La intención de Sax al crear este instrumento era hacer una mejora del clarinete, pretendía con este instrumento que octavizara como la flauta y el Oboe, para darle solución a la dificultad que encierra el clarinete. Dos años después de su presentación se dio a conocer en París, donde Adolphe Sax estableció su taller en donde creo toda la familia del saxofón. El saxofón alto tuvo un papel relevante en la historia del Jazz, a finales de los años 20, no habían demasiados saxofonistas y no era un instrumento que se destacara por este motivo se lo relaciono con el Jazz hasta que a mediados de los años 30 surgió la aparición del swing en el cual el saxo alto tomaría un papel primordial.

El Saxo Alto pertenece a la familia de los aerófonos, debido a que su sonido es producido por la vibración de una columna de aire. Ademas es un instrumento transpositor, lo que significa que cuando tocamos un "Do" en realidad estamos tocando un Mi♭. Este instrumento se puede usar para tocar variados estilos musicales, uno en el cual se conoce mas es el Jazz, el blues y el Swing.

Fue muy utilizado en las bandas militares, la mayoría de las bandas militares francesas y belgas incorporan un cuarteto de saxofones que consiste en un barítono en mi♭, un tenor en si♭ y un alto en mi♭

En una orquesta sinfónica no está incluido como parte de esta, pero su empleo es ocasional, mayormente con un papel solista.

En la actualidad, el saxofón alto es utilizado en una gran cantidad de géneros musicales debido a la riqueza y particularidad de su timbre. Ejemplos de ellos son: Blues, Rock, Jazz, Electrónica, Pop, Cumbia, etc.

El Saxo Alto en el Tango  

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El Saxo Alto en el Jazz   

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El Saxo Alto en el Rock   

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 El Saxo Alto en la Música Electrónica  

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Teleología

El saxofón alto es un instrumento melódico transpositor. Su función es tocar sonidos mas agudos. Se creó con el fin de hacer una especie de perfeccionamiento al clarinete, su creador buscaba un sonido parecido o mejor al del clarinete con un nuevo instrumento que parezca de la familia de los metales pero que en realidad pertenezca a la familia de las maderas.

Referencias

• Descripción - "Instrumentos de la banda - Blogspot - El Saxofón Alto: http://instrumentosdelabanda.blogspot.com/p/saxofon.html
• Historia del Saxofón - Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Saxof%C3%B3n_alto
• Artículo - Miguel Asensio - El saxofón en la orquesta https://www.adolphesax.com/index.php/es/actualidad/articulos/historia/historia-del-saxofon/218-articulo-miguel-asensio-el-saxofon-en-la-orquesta
• Disposicion material - Saxofón - Partes del Saxofón - http://www.ecured.cu/Saxofon
• Modo de mediación - H. Klosé, Metodo completo para todos los saxofones. (Edición arreglada y aumentada por R. Saraceno) Año: 1991- Editorial: Ricordi
• Modo de mediación - Técnica del Saxofón - https://es.wikipedia.org/wiki/T%C3%A9cnica_del_saxof%C3%B3n
• Posiciones para tocar Saxofón - https://www.elsaxofon.org/2015/07/posciones-para-tocar.html

  Saxofón bajo

Instrumento musical de forma cónica, de la familia viento-madera, generalmente hecho de latón, que consta de una boquilla con una caña simple, al igual que el clarinete. Saxofón bajo . Bass saxofhon

Disposición material

Metal - madera

Partes necesarias

Las partes necesarias del saxofón bajo son boquilla de metal, caña también llamada lengüeta, se trata de un recorte de madera de caña. El cuerpo del saxofón está conformado por un Tudel, codo,campana y llaves mecánicas que abren los agujeros para generar distintos frecuencia.

Partes variables

Las sordinas es una parte variable ya que el instrumento se puede tocar de la misma manera, lo que hace esta parte es reducir el sonido un cincuenta por ciento aproximadamente.

Modo de mediación

El saxofón bajo su forma de mediación consiste en la vibración de una caña generalmente de madera, a una determinada frecuencia. De modo que a través de la columna de aire que produce el intérprete dicha vibracion se desplaza a lo largo del tubo del instrumento. Ese tubo tiene taladros a distintas alturas, y accionando manualmente las llaves del instrumento van abriendo o cerrando eso agujeros se genera un sonido (frecuencia) particular.

[https://youtu.be/GeSIFQ6iz1g]

Agenciamiento

Sujetar el saxofón correctamente. Con tu mano dominante va en parte inferior con los dedos sobre los tres botones blancos. El dedo pulgar está apoyado contra el soporte para el pulgar más cercano a ti. Tu otra mano va en la parte superior del saxofón con el dedo pulgar en el soporte para el pulgar y los dedos sobre los tres botones grandes en la parte superior. Envuelve el labio inferior alrededor de los dientes y coloca tu boca en la mitad de la caña. Para obtener el mejor sonido, debes sellar tus labios contra la boquilla al soplar.

Interfaz

La interfaz del saxofón bajo son las llaves que abren y cierran los orificios del instrumento, ya que es una extensión de los dedos, es la mediación del ombre con el objeto.

Mapa de mediación

El saxofón fue inventado por el belga Adolphe Sax a principio de la década del año 1840. Pertenece a la familia de instrumentos viento-madera. El saxofón bajo en sib afinado una 16 Ava mayor más bajo que el soprano en do. Su talla peso y coste limitan su presencia en el seno de las formaciones , asegura siempre una base sólida en las bandas y en los ensambles diversos.

Tambien es un instrumento de orquesta.

Teleología

Adolphe Sax pensó su invención, el saxofón para bandas de música, especialmente para músicas militares, por ello, su idea era que tuviera un gran volumen sonoros y por eso lo hizo de metal. Quería llegar a construir un instrumento que por el carácter de su voz pueda aproximarse a los instrumentos de cuerda, pero que tenga más fuerza e intensidad. El saxofón es una modificación del clarinete bajo .

Referencias

partes del Saxofón, inventor.

partes del saxofón forma de ejecución

Saxofón barítono

El saxofón barítono es un instrumento musical de la familia de los instrumentos de viento. Este instrumento se afina en Mi bemol y es, entre los saxofones, uno de los más graves siendo solo más agudo que el saxofón bajo y contrabajo (teniendo en cuenta solo los saxofones más convencionales).

Este saxofón es de uso típico en las bandas de estilo militar o de marcha, así como también en orquestas sinfónicas y en bandas de jazz.

Respecto de su construcción, el saxofón se compone por un tubo cónico y delgado, el cual, en un extremo, se ensancha y forma una campana. Generalmente están hechos de latón, aunque es posible encontrar algunos de otros materiales como el bambú. Además del tubo que compone el cuerpo principal del instrumento, este también consta de una boquilla de caña simple normalmente hechas de madera, metal o hasta hueso y cuyas dimensiones varían generando distintos colores tímbricos. Otro elemento del saxofón es la caña que es la que, al oscilar, produce sonido que después resuena en el tubo y varía en frecuencia según como se dispongan las llaves. Las cañas varían en su rigidez siendo clasificadas del 1 al 5 (el 5 solo existe en los barítonos) y, al igual que con la boquilla se usan distintos tipos de cañas para lograr distintas cualidades sonoras. Es por esto que se considera al saxofón dentro de la sección de maderas ya que esta es la que le da el sonido.

Disposición material

Partes necesarias

Tubo, cuerpo principal del instrumento. Llaves, las llaves son pulsadas o liberadas por el instrumentista para lograr las notas deseadas.

Boquilla, se coloca en el extremo del tubo, es donde se ubica la caña y se sopla.

Caña o lengüeta, delgada pieza de madera que vibra al soplar y provoca el sonido.

Partes variables

Entre las partes variables del saxofón barítono se encuentran; la correa, usada para sostenes el instrumento a la hora de tocar parado y la posibilidad de tocar un La grave, mediante el agregado de una llave extra, con la que cuentan algunos saxofones barítonos.

Modo de mediación

El modo de mediación tradicional del saxofón barítono es la emisión de un sonido tenido mediante la emisión de aire por la boquilla, provocando que vibre la caña y que, en consecuencia, el sonido resuene a través del tubo modulando la frecuencia del sonido que sale mediante el uso de las llaves.

Algunas técnicas no tradicionales del saxofón barítono son; el Growling, que consiste en que el saxofonista gruña o grite mientras toca generando un sonido más seco y agresivo, la técnica de Bend, en la cual el instrumentista retira lentamente la el aire generando un efecto de caída en la nota. Por último esta el Slap Tongue, en la que el instrumentista genera un vacío entre la caña y la lengua, la cual después retira de forma repentina logrando un sonido percusivo.

Agenciamiento

El saxofón barítono, como el resto de los saxofones, puede ejecutarse tanto parado como sentado, en caso de se parado se hace uso de una correa que permite que el instrumento se sontenga sin que el ejecutante tenga que hacer fuerza u ocuparse de que ello suceda, echo que permite que quien este tocando tenga que concentrase solo en el acto de tocar. Además este suele ser tocado recostado hacia el lado derecho del ejecutante y, levemente, hacia atrás.

Mapa de mediación

El saxofón barítono es un aerófono de la sección de madera de la familia de los saxofones. Este ocupa entre el resto de los saxofones un lugar secundario, debido al protagonismo que adquirieron el saxofón alto y tenor en el jazz.

A principios de la década del 1920 el saxo barítono comenzó a ocupar un lugar como instrumento tradicional en las big bands de jazz, pero a raíz de su lugar de acompañante no hubo muchos músicos que ganen demasiado prestigio tocando este instrumento. A partir de la década de 1940 con la aparición del bop empezó a tener más protagonismo con Serge Chaloff como máximo exponente. Luego volvió a perder protagonismo con la llegada del free jazz y volvió a recuperarlo en la década de 1970 a partir del surgimiento del jazz fusión.

Teleología

Se cree que el objetivo de Adolphe Sax al momento de inventar el saxofón era crear un instrumento que replique un tono parecido al del clarinete pero con mayor sonoridad. Particularmente el objetivo con el saxofón barítono era lograr un instrumento que sonara de la misma manera que el saxofón que había creado originalmente pero que generara frecuencia más graves.

Referencias

Descripción - http://instrumentosdelabanda.blogspot.com/p/saxofon.html

Descripción/ Mapa de mediación/ Teleología - https://es.wikipedia.org/wiki/Saxof%C3%B3n#Historia

Mapa de mediación/ Teleología - https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Saxos_bar%C3%ADtonos

Modos de mediación - https://es.wikipedia.org/wiki/T%C3%A9cnica_del_saxof%C3%B3n

Saxofón soprano

El saxofón soprano es un instrumento de viento-madera perteneciente a la familia del saxofón.Por su dificultad no es recomendado para iniciarse en el estudio del saxofón, en realidad ninguno de la familia de los saxofones agudos es recomendado, comenzando desde el soprano, es decir: soprano, sopranino y soprillo.

Disposición material

Por poseer una caña (lengüeta, que es la porción de madera ubicada en la boquilla que le da el sonido al instrumento) más pequeña que muchos de los otros saxofones exige una mayor presión de aire para que vibre y por lo tanto para que suene, y exige también un mayor control de la embocadura ya que un pequeño cambio produce una variación de afinación y sonido.

Partes necesarias

-Lengüeta: Donde se emite el Sonido

-Llave de Octava: Se usa para llegar a las notas mas altas

- Abrazaderas

-Anillo de suspensión

-Soporte del pulgar

Partes variables

Modo de mediación

La embocadura es la forma en que la boca se coloca en la boquilla del instrumento. Cuando se toca el saxofón soprano, hay menos caña disponible para colocar en la boca. Aunque este es el caso, la formación de la embocadura y la colocación de la caña en tu boca tiene que ser la misma que en cualquier otro saxofón: el labio inferior tiene que estar ligeramente metido y enroscado alrededor de los dientes inferiores. La lengua tiene que estar ligeramente arqueada y lejos de los labios. Para usar la lengua en el saxofón soprano, verás que el mecanismo es mucho más corto y rápido que con los otros saxofones debido al tamaño de la caña. Usa un movimiento suave y rápido para atacar la caña con tu lengua para articular.

Agenciamiento

La embocadura es la disposición y colocación de los músculos y huesos que rodean la boca, dientes, mentón, labios y lengua; en función de la sujeción de la boquilla y caña. Sirviendo como una conexión hermética, que permite el paso del aire para la posterior emisión de sonido.

Mapa de mediación

El belga Adolphe Sax (1814–1894) realizó un aporte invaluable al mundo de la música, ya que inventó el instrumento que hoy todos conocemos con el nombre de saxofón. La denominación de este instrumento en francés (saxophone) une el apellido de su creador (Sax) con el concepto phone (“sonido”).

Uno de los primeros exponentes en popularizar el saxofón soprano fue el músico de jazz Sidney Bechet (1897-1959, contemporáneo de Louis Armstrong), pero en sus comienzos no fue uno de los ejemplares más cotizados por los instrumentistas

Teleología

Por lo general, el saxofón soprano se emplea para reproducir piezas de jazz o blues. También suele utilizarse en las bandas militares.

En palabras de Joachim E. Berendt, "el saxo soprano sigue donde el clarinete termina",​ lo que explica su "desproporcionada" historia dentro del jazz. Tradicionalmente, se ha achacado la escasa presencia del soprano en el jazz anterior a los años 1960 en su dificultad para "tocarlo limpio", pues tiende por naturaleza a sonar sucio, ligeramente desafinado, en los tonos agudos. Sin embargo, esta misma cualidad ha supuesto su masiva preferencia en el jazz moderno, por cuanto la principal consecuencia de ello es que "tiende a bemolizar prácxticamente todas las notas, convirtiéndolas en "blue notes". Toda la escala se vuelve "blue"".​

Referencias

http://www.elsaxofon.org/2015/07/embocadura.html http://elsaxofondebego.blogspot.com/2013/06/saxofon-soprano.html https://www.geniolandia.com/13173192/tecnicas-del-saxofon-soprano https://definicion.de/saxofon/

https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Saxos_sopranos

Saxofón tenor

Sección orquestal	maderas
Modo de mediación	responsivo, interactivo, modulante
Materiales

El saxofón tenor (creado por Adolphe Sax en París -1840-) es un instrumento musical de viento y de lengüeta simple, y, pertenece a la sección madera (aunque esté hecho de metal y tenga el tubo cónico). Su afinación está en si bemol y suena una octava y un tono más grave que lo escrito. Su nombre en Alemán es reconocido como saxophon, en Inglés saxophone y en Catalán simplemente saxo (abreviatura del nombre que se suele usar en Argentina). Los colores disponibles son baño dorado y baño plateado.

Instrumentos relacionados: Saxofón soprano, Saxofón barítono, Saxofón alto.

Disposición material

Keila Liz Espeche

Partes necesarias

Partes variables

Modo de mediación

Agenciamiento

Interfaz

Mapa de mediación

Teleología

==Referencias==

Serrucho

El Serrucho, la sierra musical u hoja sonora (Musical Saw en inglés) es una lámina de acero que, frotado con un arco, produce un sonido que puede ser modulado por la tensión y la curvatura de la sierra a partir de la presión de la mano. Es un instrumento de música idiófono.[8]

Disposición material

Partes necesarias

Lámina de metal

Partes variables

En los extremos puede poseer agarraderas.

Modo de mediación

El arco frota el borde del Serrucho haciendo vibrar su cuerpo.

Agenciamiento

Se debe introducir entre las piernas la parte inferior, con una mano sostener la agarradera superior y con la otra el arco.

Interfaz

Este instrumento no posee una interfaz extra.

Mapa de mediación

No es hasta alrededor de 1870, cuando el progreso de la metalurgia permite crear sierras de sonoridad aceptable para fabricar buenos instrumentos. Esta evolución se desarrolla paralelamente en el continente americano y europeo. Por esto muchos músicos industriales solicitan patentes en sus respectivos países.

Pero hace falta llegar hasta los años 1900 para que podamos encontrar por primera vez verdaderas "hojas sonoras", que no eran más que serruchos a los que se les habían quitado los dientes y modificado el mango o empuñadura. Algunos añadirán un mango de inflexión para aumentar la comodidad y la virtuosidad. Las sierras musicales americanas están más limitadas en tesitura sonora : de 1½ a 2½ octavas como máximo, mientras que ciertas sierras europeas pueden llegar a alcanzar las 3½ octavas o más. Para poder disfrutar de esta musicalidad hace falta tener una perfecta calidad de acero templado, buen grosor, correcta dureza, dimensiones correctas y laminado en la dirección correcta. En este sentido, los franceses, más aún que los británicos, los suecos y los alemanes, fueron los mejores.

Teleología

Marlene Dietrich tocaba este instrumento. Natalia Paruz, conocida con el pseudónimo de Saw Lady (la mujer sierra), tocaba este instrumentos en películas, anuncios publicitarios y orquestas en el mundo entero. En noviembre de 2007, hizo su debut en el Carnegie Hall, donde tocó un solo. En Francia, Emmanuel Brun compuso varias obras para sierra musical, que hizo que fuese reconocido por Yehudi Menuhin y Pascal Ayerbe. Al igual que en la película Otro Planeta donde uno de los protagonista lo toca en una escena. Podemos encontrar este instrumento en la película Delicatessen, dónde uno de los protagonistas es un gran aficionado a este instrumento. Jack Nitzsche compuso la banda sonora de "Alguien voló sobre el nido del cuco" cuya melodía está concebida para serrucho musical.

Hoy en día este instrumento se usa para hacer mùsica tonal principalmente màs allà de sus amplias posibilidades y su dificultad de hacer alturas específicas ya que requiere de un gran entrenamiento auditivo.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Sierra_musical

Shakuhachi

El Shakuhachi es una flauta japonesa de caña de bambú que se sujeta verticalmente, como una flauta dulce. Era utilizada por los monjes Komuso de la secta Fuke Zen, seguidores del budismo zen, en su práctica ritual del Suizen (meditación mediante el soplado). El nombre del instrumento deriva de su longitud original: un shaku (11,93 pulgadas [30,3 cm]) y ocho hachi (1.2 pulgadas [3 cm]), de modo que el Shakuhachi original mide entre 54 y 55 cm, siendo su fundamental un Re. Pero los hay de muchas longitudes, aunque todos se llaman Shakuhachi a pesar de sus diferentes medidas.

Breve reseña histórica:

El Shakuhachi fue introducido como instrumento desde China durante el periodo Nara (s. VIII). A comienzos del periodo Edo, durante el siglo XVI, los Komuso, un grupo de monjes itinerantes de la secta Fuke, budistas Zen, desarrollaron una práctica de meditación sonora basada en él. Los monjes compusieron gran cantidad de obras originales que contemplaban el aspecto respiratorio-meditacional como primordial, siendo su lado musical un producto del proceso espiritual. Estas obras se llaman Honkyoku, tanto individualmente como en su género. Los Honkyokus tradicionalmente no tenían ritmo per se, por lo cual la sensación rítmica y la construcción de frases eran causadas por los momentos de respiración. Ésta estructura permitía a los monjes enfocarse puramente en el tono, la respiración, y en consecuencia los silencios, asociados con el concepto de "Ma" o espacio negativo, eran tan importantes como las frases.

Ejemplo de Honkyoku. El modo de notación del Shakuhachi es del tipo tablatura, en el cual mediante símbolos se describen los orificios que deben ser tapados/liberados. Se lee de derecha a izquierda por columnas, es decir de arriba hacia abajo. De modo que al llegar a la parte baja de la primera columna derecha, se vuelve a subir al comienzo de la segunda columna.

Disposición Material:

El Shakuhachi está hecho íntegramente de caña de bambú y tiene tres partes principales. El extremo por donde se sopla, que se corta oblicuamente hacia afuera, y se le inserta un pequeño trozo de marfil o hueso en el borde para producir variedades tímbricas. La campana (extremo acampanado) que consiste en el tronco de la planta de bambú con sus extremos de raíz, y la sección media donde se encuentran los cinco orificios de digitacion. El cuerpo del Shakuhachi se dobla natural o artificialmente sobre la campana por razones estéticas. Tradicionalmente hay dos tipos de Shakuhachis, el Jinashi y el Jiari. El Jinashi es el mas natural, y por lo tanto el que primero fue creado. Es muy dificil de producir por el hecho de la casi inexistente manipulación de sus condiciones interiores y el trabajo con herramientas manuales tradicionales y es considerado por puristas como el Shakuhachi realmente conectado a la naturaleza. El Jiari por otro lado recurre a elementos como yeso o pegamento para dejar el interior del instrumento en las mejores condiciones para el flujo del aire. Muchas veces se cortan y se vuelven a pegar partes de diferentes cañas. Sus orificios suelen hacerse con un taladro, y se usa masilla o yeso para corregir la afinación final del instrumento, ya que a veces por la naturaleza de la caña, ésta se puede astillar, o tener grosores variados a lo largo de su estructura. Tanto al Jinashi como al Jiari se los lija y se les aplica una laca de manera externa, para darle color y protección.
Los 6 agujeros están afinados según una escala pentatónica, sin semitonos, aunque el intérprete puede modificar cada tono tanto como un tono o más utilizando técnicas llamadas meri y kari, para las cuales se modifica el ángulo de soplado, consiguiendo tonos más altos o más bajos y se tapan parcialmente ciertos orificios. El shakuhachi permite un rango de dos octavas completas (la más grave se llama Otsu y la más aguda Kan) y una tercera octava incompleta (Tai-Kan). Las distintas octavas se consiguen mediante sutiles variaciones en la respiración y en la embocadura. En el caso del Shakuhachi tradicional afinado en Re, obtenemos Re Fa Sol La Do Re solo manipulando orificios.

La siguiente imagen muestra los orificios a desatapar para lograr las diferentes alturas, comenzando de derecha a izquierda.

El Shakuhachi tambien utiliza las llamdas escalas o modos Miyako-bushi. Pero estos si bien parten de la Miyako-bushi de Re, no respetan los intervalos entre las diferentes notas, sino que varían para lograr el mejor tono posible y con un timbre mas bien dulce/apagado, ya que el Shakuhachi no suena igual en diferentes tonalidades.
En este ejemplo vemos las diferencias entre los modos Re Miyako-bushi, y La Miyako-mushi.

Modo de Mediación:

El Shakuhachi se toca soplando el aire como si fuera el extremo del cuello de una botella, pero al tener un borde afilado en la embocadura permite al intérprete un control sustancial sobre el tono. El aire llega directamente de los labios del ejecutante hacia el bisel. Abriendo o cerrando los orificios de la sección del cuerpo se cambia la longitud del aire vibrante dentro del tubo, definiendo así la altura del sonido. Esta flauta tiene solamente cinco orificios para la digitación, por lo que para producir muchos de los sonidos utilizados en la música de este instrumento, se requiere una combinación de coberturas parciales de orificios, cambios en la embocadura y en la emisión del aire. Por ejemplo, al bajar la cabeza, el interprete puede acercar sus labios al borde del bisel, bajando el tono. Los agujeros para los dedos también se pueden cubrir en varios grados para bajar el tono, lo que se llama "finger-shading". Estas dos técnicas a menudo se combinan. Además, la cabeza y los labios se pueden mover de varias maneras para crear vibrato tonal, y otros efectos de sonido. Tradicionalmente no se utiliza el vibrato respiratorio como en la flauta, sino que se usan pequeñas variaciones en la altura. En resumen, es la capacidad de manipular el sonido del Shakuhachi lo que lo convierte en un instrumento tan único y expresivo.

Agenciamiento:

El Shakuhachi históricamente se interpretó de manera solista, sin acompañamiento. Al ser un instrumento de meditación personal principalmente, y estar asociado al budismo zen, estuvo desligado de la música tradicional japonesa por siglos, hasta su secularización. En la que empezó a tomar un rol de "invitado" acompañante en piezas compuestas para ensambles instrumentales o vocales de la tradición del Japón. Actualmente se está re contextualizando, no solo usado de manera tradicional tanto en música japonesa como para fines espirituales, como en varios géneros modernos como Jazz, Rock y Pop, incluso tomando un rol de "Lead", como lo tendría por ejemplo un Saxo u otros vientos que funcionan como voces dentro de estos estilos.

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Mapa de Mediación:
El Shakuhachi es un instrumento perteneciente al tipo/familia de los vientos de madera, aunque su uso fue aislado, dedicado a la meditación zen. Se ha ido incorporando a la música tradicional japonesa durante la Era Meiji (1868–1912) en la que el gobierno adoptó una posición fuertemente anti budista, y los monjes tuvieron que secularizar el uso del Shakuhachi, dejando de lado su uso espiritual y de meditación (al menos legalmente), para incorporarse de a poco en la música tradicional japonesa (Koto-Shamisen y música vocal) en la que no había tenido lugar por cientos de años. A lo largo de los años la principal característica que fue cambiando es su longitud, para lograr instrumentos en diferentes tonalidades base. Hoy en día el Shakuhachi se encuentra presente en decenas de estilos musicales clásicos, modernos, populares, y ademas mantiene tanto su uso tradicional de meditación como la ejecución de los Honkyokus.

Teleología:
El fin del Shakuhachi fue mutando con las épocas, adaptándose a los regímenes que establecieron los gobiernos japoneses para que su expresión se mantuviera constante. Hoy en día y a pesar de su diversificación musical, y re-agenciamiento mantiene fuertes conexiones con su teleología natal de comunión, meditación y alcance de la iluminación. Una de las causas probables de su fuerte tradición es probablemente su modo de enseñanza semi-oral. Incluso en la actualidad, la relación maestro-discípulo tiene un gran peso, y las fuentes escritas se consideran de poco valor, sin experiencia de la tradición viva. La notación se usa a menudo simplemente como un dispositivo mnemónico y muchas de las inflexiones en el sonido se traspasan de generación en generación, no escribiéndose en papel. Por ejemplo, antes de tocar el Re mas grave, se hace una especie de melisma o mordiente llamado Korogashi, de Fa a Re, que es uno de los muchos "accidentes" que no tienen notación dentro de la tradición, pero cualquier ejecutante experimentado sabe que tiene que usarlos. Algo parecido se utiliza con ciertos vibratos, luego de que el ejecutante haya respirado.

Un lema muy común en el ambiente de enseñanza del Shakuhachi:

“Toma toda una vida aprender Shakuhachi. Cuanto antes se empiece, más tiempo llevará”.

Referencias bibliográficas:

• https://es.wikipedia.org/wiki/Shakuhachi
• http://flutedojo.com/shakuhachi-guides/komuso-shakuhachi-monks
• JOURNAL ARTICLE The Re-contextualisation of the Shakuhachi (Syakuhati) and its Music from Traditional/Classical into Modern/Popular - Toru Seyama
• Adam Neely Music Youtube Channel https://www.youtube.com/watch?v=CpJPnCaIy80
• https://www.shakuhachi.com/
• https://www.japanesestudies.org.uk/ejcjs/vol12/iss2/fabrique.html

  Sitar

Sección orquestal	cuerdas
Modo de mediación
Materiales

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El sitar es un instrumento de cuerda pulsada de la familia de los laúdes que es tradicional de la India, Pakistán y Bangladesh.

Disposición material

Este instrumento está fabricado con madera de teca.

Partes necesarias

El mástil lleva un diapasón hueco que permite que las cuerdas puedan sujetarse a las diferentes clavijas en el interior de este y, al mismo tiempo, actúa como caja de resonancia. Además, posee una caja de resonancia originariamente hecha a partir de una calabaza curada.

El sitar tiene de 18 a 26 cuerdas de acero, 4 cuerdas para la melodía, 3 que proporcionan el acompañamiento armónico y rítmico, y entre 11 y 19 cuerdas que vibran por simpatía y que añaden cuerpo y textura al sonido con su resonancia.

El mástil recto lleva un diapasón mucho más ancho que el de la guitarra con entre 16 y 20 trastes móviles de latón o plata, de curva suave, que son colocados por el instrumentista para temperar la escala que dichos trastes producen.

Partes variables

Algunos sitares cuentan con otra caja de resonancia más pequeña, también de calabaza, situada debajo del extremo superior del mástil.

Modo de mediación

La afinación varía dependiendo de la escuela o estilo de cada sitarista. Generalmente, la cuerda principal se afina en Do# o Re, y las cuerdas de los zánganos se afinan al equivalente de un acorde abierto mayor o menor en la teoría de la música occidental.

La afinación específica para cada raga está determinada por la tradición y las preferencias personales de cada artista. Las cuerdas simpáticas están afinadas a las notas de la ‘raga’ (modo melódico que se inspira en un tema poético) que se toca, aunque hay una ligera variación estilística en cuanto al orden de las mismas. El músico suele afinar el sitar para cada raga.

Agenciamiento

Todas las cuerdas del sitar se pueden afinar, ser pulsadas, percudidas y/o frotadas. Las cuerdas se pueden pulsar con una púa ("mizrab") que se sitúa en el dedo índice, aunque las cuerdas simpáticas también pueden ser pulsadas con el dedo meñique.

Mapa de mediación

Se cree que fue introducido a la India desde Persia durante el período mongol. Otros musicólogos atribuyen su invención a Amir Khusru, importante músico cortesano musulmán del siglo XIII, que lo convierte en un ícono para el desarrollo temprano del Sitar indostánico.

Teleología

En el mundo occidental el sitar es quizás el instrumento musical más conocido de la India. Su sonido característico evoca pensamientos y sentimientos del subcontinente. Se cree que evolucionó a su forma actual en los años 1700, durante el colapso del Imperio Moghul, como un matrimonio entre el Setar Persa y la Viña del Sur de la India, mientras que utiliza el característico puente resonante de la Tampura.

==Referencias==

Steel-drums

Tambor de acero Familia de instrumentos que producen sonido al golpearlos o al agitarlos. En todo el mundo existe una gran variedad de este tipo de instrumentos. Están considerados los más antiguos y han recobrado un papel muy importante en la orquesta del siglo XX.

Los tambores metálicos —conocidos en inglés como steelband, pan o steeldrums— son varios instrumentos musicales y un género de la música de Trinidad y Tobago, país localizado en el oriente de la cuenca del Mar Caribe. Cuando los trinitarios se refieren al conjunto que ejecuta música con los tambores metálicos, emplean el término steelband, que en español se traduce como banda de acero.

Cae en la familia de instrumentos de los ideophonos (Un idiófono es cualquier instrumento musical que crea sonido principalmente por el instrumento en su totalidad, vibrando, sin el uso de cuerdas o membranas . Es la primera de las cuatro divisiones principales en el esquema original de clasificación de instrumentos musicales de Hornbostel-Sach), y por tanto no es un tambor que a su vez es un membranophone (Un membranófono es cualquier instrumento musical que produce sonido principalmente a través de una membrana estirada vibrante)

Clasificación de Hornbostel – Sachs 111.241.12, 111.241.22

Disposición material

En la actualidad la isla sigue produciendo estos instrumentos, a partir de las tapas de los bidones de petróleo, que son percutidos hasta que adquieren la forma de bol o cacerola.

El tambor es atemperado a fuego, hasta que alcanza el rojo blanco. Una vez enfriado se afina con martillos y otros golpeadores que permiten que el steel pan ofrezca distintos tonos dependiendo del lugar en el que se le golpea

https://www.youtube.com/watch?v=MW02VFn22tU&feature=youtu.be/ Fabricación artesanal de un Steel Drums

Partes necesarias

Tambor metalico

Partes variables

Los percusionistas emplean diversos utensilios para tocar sus instrumentos.En los de percusión afinados utilizan baquetas, que son una especie de palos con una bola en la punta.Esta bola puede ser de distintos materiales ( metal, plástico, tela, lana,...) dependiendo del efecto sonoro que el músico quiera conseguir al golpear el instrumento.

Modo de mediación

Instrumento de altura afinada : Se llama así a los instrumentos de percusión que pueden realizar varias notas, es decir, que son melódicos ya que pueden tocar distintas melodías, también se les llama instrumentos de percusión de altura determinada.

Agenciamiento

https://www.youtube.com/watch?v=7N6e9cL7jVc/ Cover de la canción One Love de Bob Marley con Steel Drum (incluye partitura)

Interfaz

Stell Drums no posee interfaz

Mapa de mediación

.Las bandejas de acero son los únicos instrumentos hechos para tocar en el ciclo musical pitagórico de los cuartos y quintos.

Teleología

Dicen que las crisis, del tipo que sean, vienen bien por dos motivos: para hacer “borrón y cuenta nueva” y para agudizar la imaginación ante la falta de recursos. Les mostraremos un ejemplo amable que demuestra que en ocasiones las peores circunstancias nos llevan a sacar lo mejor de nosotros para superarnos.

En 1884 aconteció una gran crisis en el archipiélago de Trinidad y Tobago de la que acabó naciendo un instrumento llamado Steel Drum .Dicho instrumento se utiliza en géneros cómo el Calypso y su sonido es tan característico que al oírlo nos transporta a las playas del Caribe. Dicho año las autoridades coloniales británicas prohibieron a la población autóctona el uso de tambores. La prohibición se debió a que algunas bandas hacían uso de ellos para congregar a grupos violentos. Como su uso principal se daba en las celebraciones de los carnavales, al quedarse sin ellos empezaron a usar como sustitutivo tubos vacíos de bambú provenientes de las plantaciones de azúcar, que golpearon con palos. En 1930 a alguien se le ocurrió acompañar los ruidosos tubos con un recipiente metálico que hiciera las funciones de bajo. La moda se extendió y los músicos se afanaban por construir cazuelas metálicas con todo lo que disponían. El auge de las explotaciones petrolíferas en la isla dejó los vertederos llenos de barriles, y en 1946 un músico tomó un barril de 55 galeones al que “abolló” la superficie para poder tocar notas musicales en ella. Consiguió poder tocar un total de catorce notas. No tardaron en incorporarle baquetas (pequeños palos para golpear) y el instrumento empezó a tomar forma. Siguió evolucionando hasta que se acabaron construyendo de varios tamaños y diferentes tonalidades. Se desarrolló una técnica de construcción específica y bastante compleja. Había ciudadNacimiento un nuevo instrumento, fruto de la necesidad y el ingenio, que acabaría por convertirse en un símbolo de la cultura tradicional caribeña. Ya ha vencido fronteras y se contagió rápidamente a todas las islas de alrededor y hoy en día, en Trinidad y Tobago se celebran auténticos encuentros de steelpans, como el World Steelband Music Festival, en pie desde la década de los 60.

Referencias

Cibergrafia -->

https://www.pinterest.cl/

https://acoustics.org/press/155th/wessel.htm/

https://tonguedrum.com.es/

https://www.elblogalternativo.com/2009/01/03/el-steel-drum-un-instrumento-creado-en-tiempos-de-crisis/

http://salademusicacipo1.blogspot.com/p/los-instrumentos-musicales-y-sus.html/

https://serturista.com/trinidad-y-tobago/las-steel-bands-de-trinidad-y-tobago/

Taiko

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Sección orquestal	percusión
Modo de mediación
Materiales

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Disposición material

El taiko es un tambor japonés que traducido significa literalmente “gran tambor” que se toca con baquetas de madera, llamadas bachi. Hay muchos tipos de tambores taiko, y la gran diferencia está en los tipos de construcción. Se encuentran los denominados Byou-uchi daik ,que son de parches clavados en el cuerpo, y los Tsukushime-daiko, que son hechos de parches fijados en aros de metal y con cordones cosidos.

Partes necesarias

Los tambores *Byou-uchi* daiko son hechos de troncos ahuecados y no son afinables. Dentro de este grupo están los siguientes tambores:

Nagado-daiko: tambor con cuerpo abarrilado, con medidas de 16"x20" a 30"x36"

Hira-daiko: tambor plano colgante, 36"x14" a 60"x24"

Sumo-daiko: tambor pequeño abarrilado

Gangu-daiko: tambor pequeño para niños o regalos

Odaiko: es el tambor más grande de taiko. Algunos de estos tambores son tan grandes que no se pueden mover y tienen su residencia en un templo o santuario

Los tambores *tsukeshime-daiko* están disponibles en variedad de tipos y son afinables. Ese tipo de taiko es tensionado en sus cuerdas antes de cada ejecución. El cuerpo puede ser de una sola pieza de tronco o de estacas. Dentro de este grupo están los siguientes tambores:

Shime-daiko: con forma de un tambor redoblante, con varios tamaños de 14"x6" a 16"x9"

Hayashi-daiko: tambor brevemente más largo que el shime-daiko

Tsuzumi: pequeño tambor con cuerpo en forma de reloj de arena

Okedo-daiko: tambor con cuerpo de cilindro con tamaños de 24"x24" a 60"x96"

Katsugi-daiko: tambor con cuerpo de cilindro, más ligero que el 'okedo-daiko', de 14"x14" a 18"x16"

Partes variables

Modo de mediación

El Taiko, como otros tambores, es golpeando con dos (o aveces una) baqueta de madera. Y el ejecutante es quien determinada la intensidad con la cuál es percutido el parche. Generalmente se toca en ensamble con varios tipos de Taiko.

Agenciamiento

Debido a su gran peso los japoneses suelen dejarlo fijo en un sitio (pasa lo mismo con el piano), para no tener que llevarlo con gran esfuerzo a otro lugar. Su peso oscila entre los 295 y 310 kilogramos. Ambos extremos están cubiertos por membranas, pero solo se percute de un lado con un grueso par de mazos de madera. El instrumento se ejecuta parado

Interfaz

Mapa de mediación

Taiko (太鼓) significa gran tambor. Si bien en Japón la palabra hace referencia a cualquier tipo de tambor, fuera de Japón es utilizada para referirse al tambor japonés y al arte de la percusión japonesa o wadaiko (和太鼓). Es un instrumento que existe en Japón desde la antigüedad y que sus usos a lo largo de la historia han sido variados. El taiko actual fue establecido en 1951 por Daihachi Oguchi, quien es acreditado con formar el primer ensamble de taiko moderno referido como kumi-daiko y de empezar la popularidad moderna de los conciertos de taiko. Daihachi Oguchi fue primero conocido por sus interpretaciones de batería en el jazz. Para su idea de reunir un conjunto de tambores japoneses, se inspiró en la batería de jazz, juntando tambores de varios tamaños, formas y tonalidades.

Teleología

Históricamente ha sido un instrumento importante a la hora de transmitir comandos a las tropas o para intimidar al enemigo. Además de ser importante en las ceremonias religiosas y en las artes escénicas clásicas japonesas. Si bien los tambores japoneses han estado en Japón por muchos siglos, por lo que podemos decir que el instrumento es milenario, la manera en que se interpreta el instrumento y el repertorio existente es completamente moderno, y por lo tanto se encuentra en pleno proceso de desarrollo y expansión dentro y fuera de Japón. Hoy en día es más artístico

Referencias

https://www.shinzuidaiko.com/que-es-el-taiko/ https://es.wikipedia.org/wiki/Taiko https://jardinjapones.org.ar/taiko https://masdecultura.com/musica/que-es-el-taiko-el-tambor-que-suena-desde-japon/

Modo de mediación

Agenciamiento

Interfaz

Mapa de mediación

Teleología

==Referencias==

Tambor

El tambor es un instrumento de altura indeterminada que pertenece a la familia de los membranófonos. El mismo esta conformado por una caja de resonancia, generalmente de forma cilíndrica, donde se tensa una membrana en la parte superior o bien en la parte superior e inferior, en el caso del tambor el mismo tiene una membrana superior y una inferior. El golpe producido en la membrana superior genera vibraciones dentro de la caja de resonancia que rebotan en la membrana inferior. Nombres en otros idiomas: drum (ingles), trommel (alemán), tambour (frances), tamburo (italiano).

Disposición material

El tambor produce el sonido mediante la vibración de una piel o membrana tensada. El mismo contiene dos membranas, una superior y una inferior. La membrana superior se golpea y las vibraciones rebotan en la membrana inferior y viceversa.

Partes necesarias

• CASCO

El tambor está compuesto por un cilindro recto llamado casco (shell, en inglés). Puede ser de madera, metal, etc. Cada madera proporciona un timbre distinto a la caja, siendo las maderas de arce y abedul las más utilizadas. Respecto al metal, los más empleados son el latón, el bronce y el acero. Las bases del casco son dos membranas llamadas parches. Estos están sujetos a unos aros interiores a los bordes y se tensan mediante otros aros exteriores y unos tensores. Los aros son generalmente metálicos, aunque también existen variedades en madera. La tensión en las membranas se consigue mediante varillas metálicas con tornillos que actúan independientemente en cada parche. Para apretar estos tornillos se utiliza una llave especial. En las cajas usadas para orquesta o batería las medidas más usuales del casco son 14" de diámetro y 6" de profundidad. ​También pueden utilizarse cajas auxiliares de otros diámetros o altura, destacando por ejemplo las denominadas piccolo, con un diámetro convencional (14", 13") pero poca profundidad (3", 3,5"). Asimismo, las cajas soprano constan de profundidad convencional (5", 7") pero diámetro pequeño (10", 12").​ Por otra parte, es usual que en las cajas usadas para la marcha se utilicen alturas mayores,​ para así poder conseguir un sonido más profundo y potente, necesario para el uso exterior.

• PARCHES

Antiguamente, los parches se fabricaban con pieles de animales. Este tipo de material produce que los parches varíen sensiblemente con la presión, humedad y temperatura, y que tengan que ser reafinados o cambiados con cierta asiduidad. Desde la introducción de los parches de plástico a finales de la década de 1950, estos problemas se vieron minimizados, además de que se pudo reducir el coste de cada parche. Sin embargo, hay quien defiende que el sonido más suave de los fabricados en piel es preferible para tocar matices muy pianos. Actualmente, los parches están compuestos por una o varias capas de plástico o poliéster.

• BORDONES

En contacto con el parche inferior se encuentra el bordonero, también denominado bordonera o entorchado, que no es más que el conjunto de hilos (bordones) que recorren de lado a lado el casco. Estos vibran conjuntamente con el parche inferior al batir el superior, lo cual le confiere al instrumento su timbre y sonido distintivos, con una especie de zumbido. Para la fabricación de los bordones pueden utilizarse diversos materiales, aunque usualmente se fabrican en alambre rizado, cable metálico, tripa o nailon.

Partes variables

Los tambores pueden variar en tamaño y en materiales. En la actualidad se usan dos materiales generalmente para la construcción de las cajas de resonancia, tanto la madera como el metal. Los tambores puede o no contener bordones (tiras muy finas de alambre o nailon colocadas a través de la membrana inferior), generalmente los tambores de orquesta llevan estos bordones en su membrana inferior. Algunos intérpretes colocan un trapo encima de la membrana superior para amortiguar el instrumento. Esto se le indica al intérprete con la forma "parche cubierto. Para hacer sonar el tambor se golpea generalmente con unas baquetas o palillos. Las baquetas usadas para tambor comúnmente están fabricadas en madera, aunque también existen modelos en fibra de carbono y plástico. Centrándonos en la madera, las más usadas son roble, nogal y arce.

Modo de mediación

La forma de producir sonido con los tambores es golpeando la membrana o parche superior. El sonido varía dependiendo de con que se golpee el parche. La persona encargada de tocar este instrumento se lo denomina percusionista. La forma antigua en que se coloca el tambor es enganchado a la cintura del intérprete mediante una correa (portacajas) y los golpes se realizan parado, hoy en día existen soportes para colocar el tambor y que quede a la altura de la cintura del intérprete. El tambor se ejecuta con la persona parada.

Agenciamiento

El tambor se coloca detrás de toda la orquesta junto con los demás instrumentos de percusión. El mismo va colocado sobre un soporte y se ejecuta parado. Los golpes se realizan con baquetas de madera.

Mapa de mediación

Los tambores más antiguos proceden de yacimientos arqueológicos, tienen algo más de seis mil años y son de tierra cocida. No se trata de instrumentos propios de una civilización determinada; el tambor surge por doquier como patrimonio del hombre. Así, tambores de forma similar y antigüedad parecida han sido encontrados desde Checoslovaquia al Alto Nilo. Los tambores primitivos europeos tenían forma de reloj de arena, con orejas en sus extremos para facilitar su asimiento.

Algunos historiadores de la música han visto en estos tambores hallados en la vieja Bohemia el antecedente del bombo y del tambor bajo. También hubo tambores en la América precolombina, de tronco de árbol o cerámica cuyo parche está hecho de piel humana. Tanto unos como otros se percutían bien con las manos o utilizando un palillo. Hacia el 3500 a.C. se menciona el tambor en una leyenda china; allí y entonces ya se fabricaba este instrumento de percusión parecido a como se hace hoy: pieles tensadas sobre un armazón de madera, y a menudo también aprovechando vasijas o tinajones.

Su implantación en todas las culturas fue un hecho temprano. Se sabe que las tribus africanas lo utilizaban para comunicarse entre sí los poblados: los tantanes de la selva fueron antaño, como hasta no hace demasiado tiempo, un medio de divulgación de noticias y sucesos. Los hebreos, y otros pueblos del entorno, usaban tambores pequeños llamados toph, de los que derivó el adufe o pandero. Y los griegos se acompañaban en sus cantos con el tympanon: una piel estirada sobre cuenco de madera de boca ancha equivalente a un timbal chico.

Los griegos celebraban a ritmo de tambores las fiestas para honrar a Dionisos, dios del vino. Los romanos emplearon este instrumento para las marchas militares y para marcar el paso. A Europa llegaron traídos por los cruzados y se usaron aquí con el concurso de trompas y trompetas en las fanfarrias y ceremonias y en los hechos de armas. En el siglo XV no hubo ejército que no contara con un cuerpo de tambores y timbales; y en el XVII se incorporaron estos instrumentos a las orquestas barrocas.

Teleología

Con la intención de dotar de ritmo y sonoridad a las composiciones se ha intentado introducir en la orquesta tambores de todo tipo. En su uso orquestal, la caja es comúnmente apoyada de forma horizontal en un trípode, también llamado pie.

Referencias

• Mapa de mediacion: https://curiosfera.com/historia-del-tambor-evolucion/
• Partes variables, disposicion material y teleologia: https://es.wikipedia.org/wiki/Caja_(instrumento_musical)
• Referencia en hz para golpe del tambor: https://www.hispasonic.com/foros/pequena-tabla-frecuencias/354696

  Timbal

¨Un timbal o tímpano es un instrumento musical membranófono de sonoridad grave, que puede producir golpes secos o resonantes. Se utiliza golpeando los parches con un palillo o baqueta especial llamada "baqueta de timbal". Está formado principalmente por un caldero de cobre, cubierto por una membrana.¨

La palabra 'Timbal' deriva de un cruce entre raíces latinas y árabes: Por un lado, "Tímpano"2​ que proviene del latín "tympanum", ciudadesDondeTrabaja en la raíz griega τύπω ("tumpo", golpear3​) que produce τύμπανον (túmpanum). En ingles se lo conoce como "drum" y en italiano como "timpano".

Disposición material

El timbal básico consiste en un parche estirado sobre la abertura superior de una caja de resonancia construida por lo general de cobre, o -en modelos más económicos- de fibra de vidrio o aluminio.

La membrana se fija a un aro, que rodea a la caja de boca circular sujetado por otro aro que a su vez se fija mediante una serie de tornillos o llaves llamados "varillas de tensión" , ubicados regularmente en el perímetro de la circunferencia. La tensión del parche varía al ajustar o desajustar estas llaves. La mayoría de los timbales tienen de seis a ocho llaves de tensión.

La forma de la caja de resonancia -como un tazón o caldero- contribuye a la calidad del sonido. Los timbales de caja semiesférica producen sonidos más brillantes, mientras que los de forma parabólica dan sonidos más oscuros. Otro factor que afecta al timbre es la calidad de la superficie del tazón. Los construidos en cobre pueden tener una superficie muy lisa, pulida a máquina, o bien presentar un gofrado muy pequeño.

Los timbales se construyen en una variedad de tamaños, desde 84 cm de diámetro, hasta el "timbal píccolo" de 30 cm o menos. Un timbal de 84 cm puede afinar al Do inferior de la clave de Fa, y los píccolos tienen el rango de escritura soprano.

En el ballet "La creación del mundo" (1923) de Darius Milhaud deben afinar al Fa# grave de la clave de Fa.

Cada timbal tiene un rango de afinación de hasta una octava.

Partes necesarias

Parche

Aro de ajuste

Tirante

Varilla de Tensión

Pie

Corona

Caja

Armazón

Pedal

Partes variables

Baquetas

Ruedas

Manómetro de acorde

Modo de mediación

Para un toque normal, el intérprete golpeará el parche aproximadamente a 10 cm del borde, produciendo el sonido resonante y redondo asociado comúnmente al timbal.

Un redoble se logra golpeando rápidamente el parche en forma alternativa con la baqueta izquierda y derecha. En general esta técnica es muy habitual.

La calidad tonal del timbal puede alterarse cambiando de baqueta o ajustando la afinación. Por ejemplo, golpeando más o menos cerca de los bordes, el sonido se hace más o menos "brillante". Un sonido stacatto se logra golpeando el parche con un movimiento rápido. En un redoble, se suele intentar mantener las baquetas lo más cercanas posible entre ellas para lograr un sonido estable y uniforme.

Existen muchas variantes en la técnica que los intérpretes pueden aplicar para crear diferencias de timbre.

Ocasionalmente lo compositores especifican la forma en que los timbalistas deben golpear al instrumento. Béla Bartók escribió un pasaje "a ser tocado en el borde del parche" en su Concierto para violín.

Agenciamiento

El timbal se toca con las manos o con baquetas golpeando sobre la superficie del parche. Dependiendo en que parte de la superficie se toque, emitirá un sonido u otro.

Interfaz

El timbal no posee interfaz.

Mapa de mediación

Distintos modelos de tambores y tamboriles se usaron desde las civilizaciones antiguas, en especial para propósitos ceremoniales y militares.

Durante los siglos siguientes, se hicieron varias mejoras técnicas en los timbales. Originariamente el parche era tensado directamente sobre la caja de resonancia, pero en el siglo XV, comenzó a utilizarse un aro sobre el que se tensaba el cuero y que se encajaba luego en el cuerpo del instrumento. A principios del siglo XVI la fijación comenzó a realizarse con tornillos, que permitían variar la tensión del parche, convirtiendo al timbal en un instrumento con posibilidades de afinación.

La utilización del timbal como "arma emocional" en batallas y desfiles se mantuvo hasta bien avanzado el siglo XIX. Napoleón Bonaparte organizó sus bandas a la manera otomana, y se dice que el sonido majestuoso de címbalos y timbales de las fanfarrias francesas tuvo no poca influencia en la victoria de Austerlitz.

El timbal es un instrumento de percusión membranófono y se ha usado tanto en la orquesta como en la musica académica y la música "latina".

Teleología

Sus primeras apariciones en las orquestas se remiten a Lullí en su ópera Therese, pero tan solo como efectos especiales. La primera aparición escrita se debe a Henry Purcell, e incluso le dio un solo en una de sus óperas (el cuarto acto de La reina hada).

Johann Sebastian Bach se limitó a usar los timbales con las trompetas o trompas y como instrumento transpositor, escribiéndolos siempre como C y G, aunque anotando al principio de la partitura cual debía ser el sonido real de los instrumentos.

Aunque el redoble no existía como tal y mucho menos se escribía, si que en las partes propicias, y por motu propio del interprete, se adornaban con este efecto las partes que eran susceptibles de interpretación, en una de sus cantatas Bach utilizó 1794 una señal de trino para que fuera sostenida una nota con el efecto de redoble, y no volvió a utilizar este efecto hasta 21 años después. Jamás lo utilizó, como se hace hoy en día en notas largas de final, o en fermatas.

Georg Friedrich Haendel tenía en su poder dos timbales capturados en guerra 1709 casi 15 cm de radio más grande que los normales (35/39"), que usó en la música par los reales fuegos artificiales, donde usó tres juegos de timbales y tres timbaleros, todos afinados en D y A. Los utilizó con las trompetas y trombones con la intención de dar un aire festivo a su música, siendo el primer compositor en indicar un cambio de afinación en la misma pieza (sólo dos veces y accidentalmente). Igualmente requirió tres timbales para su música acuática.

Franz Joseph Haydn después de dejar la corte de los Esterhazy escribió muy a menudo para timbal, tocando con el mismo ritmo que la melodía o bien con un ritmo propio acompañando a esta, siendo habitualmente en los tonos pedales y ritmos frescos y rápidos, utilizando exclusivamente diferencias de cuartas y quintas.

Wolfgang Amadeus Mozart, aunque en dos de sus divertimentos usó cuatro timbales, y quizás por la falta física de instrumental no volvió a utilizarlos nunca, escribiendo sólo para un par de ellos. La característica principal que aporta Mozart al timbal es el uso, ya normal, del redoble y los ataques fortepiano que hasta entonces no se habían escrito. Aunque su uso habitual era rítmico y grandioso él requirió del timbalero partes de sonido blando y amplio, comenzando así el uso de la baqueta embozada.

Ludwig van Beethoven fue el primer compositor en usar el extensivamente el redoble y en colocar en uno de los timbales la tercera de la armonía. En la sexta y séptima sinfonía afinó los timbales en LA y en FA, utilizando el tercer timbal para RE, con lo cual consigue el acorde completo que acompañará a la orquesta. Usa unísonos y en la novena sinfonía tiene el descaro de afinar el par de timbales en octava (con el tiempo se ha considerado una de las mejores escrituras de timbales de la historia y un avance inusual para la época).

Aunque ya con Beethoven el timbalero de clase debería de ser un gran músico fue con Berlioz (el gran innovador del uso del timbal) cuando se desarrolló casi por completo el uso del redoble, de los cuatro timbales de los juegos doblados de timbales, desarrollos rítmicos, armónicos, e incluso desarrollo solista del timbal. Se renueva todo el uso de las baquetas apareciendo de todo tipo, de madera, de fieltro, de caña, de lana, y los timbaleros experimentaban con cualquier tipo de material que sacara del timbal un sonido o un ataque distinto al conocido.

Hector Berlioz requirió hasta ocho intérpretes para 16 timbales en su Sinfonía fantástica, aunque no lo volvió a repetir posiblemente debido a la falta de instrumental y el gasto que suponía ya que los timbaleros eran músicos profesionales muy bien pagados. Este avance que Berlioz aportó al timbal se debe también en parte al avance técnico en la construcción del mismo. Las calderas de latón se comenzaron a hacer de cobre, las llaves de afinación del instrumento se construyeron con un soporte en espiral para poder acelerar el cambio de tono, y los parches, pasaron de ser rudimentarios a construirse específicamente para esa labor. Apareciendo en 1821 el primer timbal giratorio, en 1830 el primer timbal de pedal, que aunque muy rudimentario aporta la novedad de poder afinar mientras se toca.

Debido a estos avances compositores como Richard Wagner, Piotr Ilich Chaikovsky, Bela Bártok, Gustav Mahler, ya se plantearon usar los timbales de pedales, como por ejemplo en Día de verano en la montaña, de Vincént D'Indí, donde se especifican timbales cromáticos, pero sin duda fue Aleksandr Cherepnín en su sonatina para timbal y piano el primero que comprendió el verdadero potencial del timbal moderno.

Ígor Stravinski con su solo en la consagración de la primavera y un sin fin de compositores que ya especificaron timbal cromático, entendieron que este instrumento sería el habitual en las orquestas sinfónicas modernas.

Actualmente además de ser un instrumento usado en las orquestas el timbal se ha convertido en un instrumento solista que requiere un cuidado técnico muy especifico, debido a esto las obras que compositores modernos han propuesto al timbal requieren del interprete una capacidad física, coreográfica y musical muy separada de las cualidades que debe tener un timbalero de orquesta. Golpes de todo tipo, baquetas de todo tipo, y todo tipo de ritmos son los que se usan hoy en día en el timbal para las obras sin acompañamiento (8 piezas para timbal de Carter), con lo cual la evolución del timbal, si que ha alcanzado las más altas cotas del virtuosismo.

Referencias

• https://es.wikipedia.org/wiki/Timbal_(m%C3%BAsica_acad%C3%A9mica)
• https://www.ecured.cu/Timbal_(instrumento_musical_acad%C3%A9mico)

  Triángulo

Sección orquestal	percusión
Modo de mediación
Materiales

{{#related:Campanas}}
{{#related:Castañuelas}}
{{#related:xilófonos}}

Disposición material

El triangulo esta formado por una delgada barra de acero cilíndrica, doblada en forma de triangulo equilatero o isósceles, abierto en uno de sus vértices. Se suspende por medio de un cordón, generalmente de tripa.
La barra de metal también puede estar hecha de otros metales, como el cobre de berilio.
Los triángulos miden aproximadamente entre 16 y 20 cm, aunque existen triángulos de diferentes tamaños y grosor.
Los primeros triángulos eran de hierro macizo.

Partes necesarias

Lo mayormente necesario para tocarlo es la estructura hecha de la barra de acero, la apertura de uno de sus vértices, el cordón por el cual se sostiene y las varas o baquetas que pueden ser metálicas o mismo baquetas de tambor.
La apertura de uno de sus vértices permite que el instrumento no tenga un tono especifico y le permite generar tonos etéreos y centelleantes.

Modo de mediación

El músico no sostiene directamente el instrumento haciéndolo por uno de sus lados sino mediante un cordel que, atado al vértice superior, sirve para suspenderlo.
El triangulo es un instrumento percutido con baquetas. Se toca por medio de dichas baquetas que pueden ser metálicas para ciertos efectos, y en algunos casos se puede llegar a tocar con una baqueta de tambor. El manejo del sonido se basa en la forma en que el músico sostiene el instrumento y la forma en que lo percute.
El músico puede hacer que el sonido del triangulo sea abierto o cerrado según como lo sostenga.
Sin embargo, el triangulo se puede tocar de muchas maneras según las necesidades del músico o de la pieza musical.

Agenciamiento

El percusionista frecuentemente dispone de varios triángulos de diferentes tamaños y grosores, así como diferentes varillas de calidades diversas, ya que la intensidad, calidad y color de sonido depende de estos factores. Por eso es frecuente, sobre todo en música contemporánea, observar como se utiliza un juego de varios triángulos suspendidos sobre un soporte.
El percusionista, a la hora de interpretar, debe elegir el o los triángulos que considere mas apropiados para el estilo de la pieza (de distintos tonos que se definen con su disposición material).
El músico, para poder tocar el triangulo, debe desarrollar bien los músculos de la mano y los dedos para ganar velocidad y agilidad en los movimientos, ya que estos son algunos de los parámetros que permiten cambios en la sonoridad.
La varilla debe ser sostenida por la mano dominante, mientras que el triangulo se sostiene a través del cordel de la parte superior con la otra.
Con el triangulo se puede reproducir la técnica del Tremolo.

Mapa de mediación

El triangulo en su forma antigua tenia anillos de tintineo a lo largo de la parte inferior y no poseían la abertura en uno de sus vértices.. El primer triangulo sin anillos fue encontrado en un manuscrito del siglo X, y se encuentra representado en la biblia del Rey Wenceslao IV (en finales del siglo XIV).
Su antepasado es el Sistrum. El triangulo solía usarse en ceremonias religiosas, especialmente en iglesias medievales.
Este instrumento suele aparecer frecuentemente representado en pinturas de las procesiones báquicas y ocasiones similares, donde, en dichos cuadros, se suele ver ángeles cantando y tocando el triangulo al mismo tiempo.
Con el desarrollo del genero opera, el triangulo instrumental ha sido ampliamente utilizado en dichas obras.
En la musica clasica, se usa en la orquesta desde mediados del siglo XVIII. La primera pieza en hacer al triangulo prominente fue el "Concierto para piano Nº1" de Liszt, donde es utilizado como instrumento solista en el tercer movimiento. Se puede apreciar tambien en el tercer movimiento de la Sinfonia Nº4 de Brahms, y en la "Marcha Nupcial" de la opera " Lohengrin" de Wagner.
Actualmente, el triangulo se utiliza a menudo en la música de estilo cajun. En la música de estilo brasileño, el triangulo se combina a menudo con otros instrumentos como el zabumba y el acordeón para crear la sección rítmica de la banda.
El triangulo es conocido de varias formas en diferentes idiomas. Der Triangel (Alemán), Il Triangolo (italiano), Le Triangle (francés) son algunos ejemplos.

Teleología

El triangulo es considerado como una herramienta para pulir la melodía con un sonido potente pero claro.
El sonido del triangulo es agudo y de altura indefinida, pero esto no significa que no genere notas determinadas. El triangulo posee gran sonoridad, lo que permite que pueda ser oído por encima de la orquesta.
Teóricamente es un instrumento de afinación indefinida. Su afinación fundamental esta oscurecida por sus sobretonos no armónicos.
El triangulo se utiliza tanto en momentos de las piezas alegres como dramáticos e incluso tétricos, ya que puede emitir sonidos desde un piano casi imperceptible hasta el fuerte. En este ultimo matiz nombrado se deja oír por encima de toda la orquesta incluso si esta esta tocando fuerte.
El tono del triangulo se basa en la disposición material el mismo.

Referencias

www.ecured.cu
www.melomanos.com

www.musiclave.com

Trombón bajo

Sección orquestal	metales
Modo de mediación
Materiales

{{#related:Trompeta}}
{{#related:Trombon tenor}}
{{#related:Trombón contrabajo}}

Disposición material

Este instrumento esta fabricado casi en su totalidad en metal: la parte de la campana esta hecha con tubos de bronce amarillo, provenientes de una mezcla de cobre y zinc, mientras que el resto esta fabricado con tubos de latón. Actualmente muchos fabricantes optan por hacerlos en cobre o con baños de plata.

Partes necesarias

La forma que contiene el trombón bajo es un poco mayor a la de un trombon alto o tenor. Sus partes son diversas: la boquilla que suele tener un aro de mayor circunferencia con relación al trombón tenor.Contiene ademas dos transpositores, aunque el transpositor varia de nota para lograr mayores registros (transpositores en fa, mi ,re) y la utilización de ambos le da mas agilidad para tocar notas y tambien llegar a notas mas graves que son inaccesibles para un trombón tenor. Las otras partes necesarias son la bomba de afinación y la campana, esta ultima también de un diámetro mayor.

Partes variables

Las partes que pueden ser modificadas sin alterar la particularidad del instrumento pueden ser: la sordina, que se utiliza para bajar el volumen del sonido del instrumento, los transpositores podrían ser uno o dos dependiendo de en que registros se quiera tocar. El contrapeso tambien es un agregado de el trombon bajo, consiste en un pequeño disco en forma de disco de hockey que se encuentra en la abrazadera atras del trombonista. Es discutida su utilización ya que algunos músicos no la consideran del todo necesaria y tene que ver mas con la capacidad del musico, su edad, calidad del instrumento, etc.

Modo de mediación

La posicion calsica es de pie con el cuerpo derecho, tambien puede tocarse sentado pero se recomiendo hacerlo lo mas atrás posible y con el la espalda en el respaldo de la silla ya que sentarse al borde restringe el el paso de aire a los pulmones. Se sopla a través de la boquilla poniendo los labios apretados pero dejando el centro de los labios relajados. Por otra parte, se utilizan el brazo derecho para tomar los transpositores y extenderlos para lograr el numero de posiciones dependiendo de que transpositor se este tocando y con el brazo izquierdo se sostiene el instrumento desde atras sobre la base que esta cerca de la boquilla.

Agenciamiento

Su agenciamiento convencional es soplando a traves de una boquilla y varia distintas notas al estirar o encoger la vara o tubo movil movido por el brazo derecho.

Interfaz

Mapa de mediación

Hecho en el siglo VX por unos fabricantes de instrumentos flamencos en Borgoña, os origenes del trombon bajo pueden remontarse a las primeras trompetas importadas de egipto, siendo esta su familia. Tuvo grades transformaciones y luego de la "buccina" es donde se obtiene el nombre en alemán del trombón: "pousane". A partir del siglo XVI es donde va a saberse mas sobre la familias de trombones, la cual incluiría el trombón bajo. El "sacabuche" fue el instrumento que dio forma a lo que hoy se considera trombón: un instrumento con una varilla móvil capaz de realizar armónicos en 7 posiciones. El trombón soprano fue quien cayo en desuso y se acento la familia en trombón alto, tenor y bajo. En epocas antiguas, el trombon bajo podia difrefenciarse de los actuales por sus detalles artesanales. Tiene una relacion estrecha ligada a eventos sociales y religiosos: se utilizaban en una gran variedad de situaciones incluyendo las cortes aristocraticas, iglesias y bandas militares. Se consideraba un instrumento divino por su capacidad de producir armonias impresionates durante los conciertos tanto es asi que no setocaba en otro ambito que no fuera religioso. Solo mas adelante, Bethoven seria quien comenzaria a usar en el ambito de la musica clasica. Ejemplo de uso tradicional: https://www.youtube.com/watch?v=oEZ7e22Houw

Teleología

Ademas de una orquesta sinfónica, el trombón bajo puede utilizarse mucho en bandas de jazz o rock. Como así también ritmos latinos como la salsa o en subgéneros del rock como el reggae y ska.

Referencias

-"El trombón bajo, por Stephan Loyer"://www.melomanodigital.com/el-trombon-bajo-por-stephan-loyer/ -Wikipedia : https://es.wikipedia.org/wiki/Tromb%C3%B3n#Tipos - Fundamentos organologicos, historicos y acusticos del instrumento: https://miguelmorateorganologia.wordpress.com/trombon/ - Trombon : https://www.euston96.com/trombon/ -https://musiclave.com/instrumentos-musicales/trombon/#los_primeros_trombones - El atril: https://www.el-atril.com/orquesta/Instrumentos/Trombon.htm

Modo de mediación

El trombón bajo es un instrumento musical aerofono que pertenece a la familia de los vientos. Esta construido generalmente de metal aunque puede tener sus accesorios de latón. A diferencia de otros trombones como el trombón tenor, el trombón bajo tiene una longitud de 116 cm contra 114 cm de un trombón tenor.Su campana es la mas grande de los trombones comunes pudiendo tener hasta 11 pulgadas de diámetro, lo cual hace que tenga un sonido mas grave y fuerte pero no mas que un trombón bajo. Su diámetro interior también es del mayor de la familia de trombones comunes. En otros idiomas es llamado: Trombone Basso (italiano), Trombone Base ( frances), Bass Posaune (aleman), Bass trombone (ingles).

Agenciamiento

Interfaz

Mapa de mediación

Teleología

==Referencias==

Trombón contrabajo

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Trombón contrabajo Instrumento de viento metal Instrumentos relacionados Trompeta, trompeta de varas, trompeta baja, bombardino, sacabuche, tuba, trompa, fliscorno El trombón contrabajo es un instrumento de viento metal. Su sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire). Las diferentes notas se obtienen por el movimiento de un tubo móvil, denominado vara, alargando la distancia que el aire en vibración debe recorrer, produciendo de este modo sonidos que también se pueden controlar con una mayor o menor presión del aire soplado por el intérprete en la vara. Se diferencian siete posiciones distintas a lo largo de la vara. Cuanto más se alarga la columna de aire con cada posición, el sonido producido es más grave que en la anterior. Sin embargo, también existen trombones con válvulas. Al igual que casi todos los instrumentos de esta familia de viento metal, el trombón contrabajo de varas es de latón (aunque actualmente muchas fábricas optan también por el cobre y los baños de plata), y consiste en un tubo cilíndrico y abierto enrollado sobre sí mismo

Disposición material

Es un instrumento, en general, de latón o níquel, que puede ser bañado en plata.

Esta conformado por un tubo cilíndrico (de hasta 2,7 m de longitud), abierto y enrollado sobre si mismo, con un ensanchamiento al final del mismo (pabellón o campana) y una boquilla que se adapta al tubo.

Partes necesarias

1. Brazo de la bomba de afinación. 2. Boquilla o embocadura. 3. Pabellón o campana. 4. Llave de desagüe. 5. Vara principal. 6. Puente de soporte. 7. Puente de soporte. 8. Rosca de encaje de la vara. El instrumento se compone de las siguientes partes:

Boquilla o embocadura: pieza pequeña y hueca que se adapta al tubo del trombón para que el intérprete sople, de modo que los labios se apoyen en los bordes, vibren y produzcan el sonido primario. El trombón tiene una boquilla que determina su timbre. Pabellón o campana: ensanchamiento final del tubo. Vara: tiene forma de U y se mueve en siete diferentes posiciones con distinta longitud del tubo. La vara del trombón no permite grandes velocidades cuando se toca, pero es perfecto para interpretar glissandos (escala rápida entre dos notas).

Partes variables

Sordina: Accesorio de aluminio, metal, cobre, yeso, cartón, plástico, goma o madera que, o bien se acopla a la campana (pabellón, difusor) del instrumento, o se colocan delante con la mano izquierda. Utilizarlas provoca que varíe el volúmen y el timbre del instrumento.

Existen muchos tipos de sordina, las más conocidas son las Straight (Rectas), Wah Wah, Cup (Copa), Plunger, Bucket, y de practica (sileciadoras).

Estuche: Funda o caja que envuelve el instrumento para facilitar el transporte del instrumento sin que el mismo sufra daños. Existen estuches de madera, plástico, tela, entre otros.

Pie: Base que sirve para reposar el instrumento. Existen dos tipos de pie para trombón: los que lo sostienen de la campana y los que encajan en el puente de soporte.

Modo de mediación

El principio de funcionamiento del instrumento se genera mediante la vibración de los labios del músico en la boquilla a partir del flujo de aire (o columna de aire). Las diferentes notas se producen por el movimiento de la vara, por la intensidad y rapidez de la columna de aire y por la posición de los labios del ejecutante. Las siguientes características definen la sonoridad del instrumento:

- Cuanto más extendida esté la vara, más grave es el sonido producido (el instrumento tiene mayor longitud).

- Cuanto más rápida es la velocidad de la columna de aire, más agudo es el sonido.

- Cuanto más aire se emita, más forte es la sonoridad.

- Cuanto más relajados se encuentren los labios del ejecutante, más grave es el sonido producido.

A su vez, la vara tiene siete posiciones no definidas: el intérprete debe buscar la longitud específica de la misma en función a la altura de la nota requerida.

La primera posición es con la vara totalmente retraída, y la séptima es con la vara extendida en su totalidad. Éstas posiciones recorren todo el registro posible cromaticamente: La nota más grave es en la séptima posición (mi2) y la más aguda es en la primera posición (se considera fa5, pero no hay un limite de registro agudo, sino que depende de cada músico).

Agenciamiento

El agenciamiento es de tipo interactivo, ya que se entrega una determinada energía al producir las vibraciones, y la misma se transforma en sonido, el cual cambia dinámicamente en base a la cantidad de energia entregada (dinámico y recíproco).

Interfaz

La interfaz es transparente, ya que el sonido del trombón contrabajo (por su estructura) es amplificado por la campana; es visible, ya que se percibe al ejecutante soplando e interactuando con la vara; y es recíproca, debido a que la energía entregada mediante la vibración de los labios y la columna de aire emitida, devuelve un sonido dinámico que cambia en función a la entrega realizada.

Mapa de mediación

Si bien el funcionamiento del trombón contrabajo poco se ha modificado desde su invención, la utilización del mismo y su importancia fue variando según la época:

En el siglo XV fue utilizado principalmente por los músicos de las ciudades para anunciar arribos.

En el siglo XVI fue ampliamente utilizado en música polifónica1.

En el siglo XVII fue utilizado en, principalmente, música religiosa y en pequeños ensambles.

En el siglo XVIII se incorporó en las orquestas de teatro, ubicado en la última línea de intérpretes (junto con la tuba y las percusiones), o alineado con el resto de los metales (en el centro de la fila, junto a la tuba y las trompetas). Se incorporó también en la música de cámara y, hacia fines del siglo, en las orquestas sinfónicas.

En el siglo XIX tuvo su auge en las orquestas, estableciéndose como un instrumento permanente dentro de este tipo de agrupación (usualmente 2 trombones tenores).

En el siglo XX toma un rol especial en las orquestas de Jazz, en donde además de ser un instrumento clave en el ensamble, interpreta pasajes solistas. A su vez, es muy utilizado en orquestas de Swing, y en las conocidas "Big Band":

"Con la consolidación del estilo swing, las big bands pasaron a constituirse en el eje del desarrollo del jazz. Fueron precisamente estas grandes bandas las que facilitaron la enorme popularización del estilo, al convertirse en sinónimo de música de baile"2.

Desde fines del siglo XIX hasta la actualidad forma parte de bandas de rock, reggae, ska, salsa, cumbia, entre otros estilos.

Teleología

El trombón contrabajo siempre fue el más utilizado dentro de la familia de trombones y, a diferencia del resto, nunca fue desplazado en importancia. Ésto se debe a su mayor calidad sonora y mejor afinación, comparado con los demás instrumentos de su familia. Además, su utilización fue y es esencial ya que es el único que permite cromatismos dentro de la familia de los metales, como son los glissandos al deslizar la vara.

Por su registro grave, fue muy utilizado representando voces de registros bajo, barítono o tenor; a su vez, fue la base de conjuntos de instrumentos de vientos (utilizado para notas pedales o sucesiones de acordes, por ejemplo), y es utilizado para realizar líneas melódicas o como instrumento principal (por ejemplo, en los solos de jazz).

En cuanto a su timbre, el trombón contrabajo se caracteriza por realizar sonidos potentes de un gran poder de expresividad.

"Su timbre puede pasar de heroico a oscuro y amenazante, vinculándolo a expresiones de grandeza, majestuosidad y solemnidad"3.

En el jazz adquiere un aire grotesco y se destaca por su vibrato y sus glissandos, junto con el uso de sordinas que modifican su expresividad.

Referencias

1 Música polifónica - http://www.abc.com.py/edicion-impresa/suplementos/escolar/la-musica-polifónica-574807.html

2 Big Band - https://es.wikipedia.org/wiki/Big_Band#Época_swing

3 Hagase la música: Trombón contrabajo - http://www.hagaselamusica.com/ficha-instrumentos/viento-metal/ trombon contrabajo/

4 Vibrato - https://es.wikipedia.org/wiki/Vibrato

5 Glissando - https://es.wikipedia.org/wiki/Glissando

Trombón tenor

El trombón tenor es un instrumento de la familia de los metales. Se desarolla a partir de las grandes trompas o las también conocidas trompeta de vara. Es inmediatamente posterior al sacabuche, el cual surge en el siglo XV y toma la denominación y se confecciona con la forma actual del trombón tenor alrededor del siglo XVI.

El trombón tenor se caracteriza por ser el primer instrumento cromático de la familia de instrumentos de viento-metal.

Durante los períodos Barroco y Clásico era utilizado en la música religiosa principalmente, luego en orquestas de teatro y desde el siglo XIX cobró relevancia en las orquestas sinfónicas. Desde principios del siglo XX se utiliza en el jazz, en las big-band y posteriormente, se empezó a utilizar en agrupaciones de rock, ska, reggae, salsa, entre otros estilos musicales.

En la familia del trombón tenor existen, además, variantes con distintas tesituras y tamaños: contrabajo, bajo, alto, soprano y piccolo.

Disposición material

Es un instrumento, en general, de latón o níquel, que puede ser bañado en plata. En la actualidad, también se realizan trombones de plástico.

Esta conformado por un tubo cilindrico (de hasta 2,7 m de longitud), abierto y enrollado sobre si mismo, con un ensanchamiento al final del mismo (pabellón o campana) y una boquilla que se adapta al tubo.

Partes necesarias

Boquilla o embocadura: Pieza pequeña, hueca, en forma de copa, que se adapta al tubo del trombón para que el intérprete sople, de modo que los labios se apoyen en los bordes, vibren y produzcan el sonido. El tamaño de la boquilla incide directamente sobre el color y la potencia del sonido producido (a mayor dimension se obtiene un color más oscuro, se logra mayor potencia sonora y se alcanza con facilidad el registro grave y pedal).

Pabellón o campana: Ensanchamiento final del tubo que proyecta todos los sonidos generados en el mismo.

Vara: Parte del tubo del trombón con forma de U que permite el cambio manual en siete posiciones diferentes, que extendienden la longitud del tubo produciendo cambios en las alturas del sonido. Una longitud más extensa produce notas más graves que la longitud del instrumento en su primera posición (con la vara completamente retraída).

LLave de desagüe: Es una pequeña palanca de metal que, generalmente, se encuentra en la vara del trombón y se presiona para abrir un pequeño orificio que permite que salga la humedad producida al tocar el instrumento.

Puente de soporte: Se encarga de dar firmeza a las tuberías del trombón y también ayuda al agarre del trombonista para poder tener mayor comodidad a la hora de tocar.

Bomba de afinación: Parte anterior a la campana que permite subir o bajar la afinación del instrumento y, a su vez, posee una pesa que ayuda al equilibrio del mismo.

Rosca de encaje de la vara: Permite encajar y enroscar las tuberías para tener mejor control sobre la vara, incluido su bloqueo en la primera posición cuando no se está tocando el instrumento. Esto previene que se deslice sola, evitando golpes.

Partes variables

Sordina: Accesorio de aluminio, metal, cobre, yeso, cartón, plástico, goma o madera que, o bien se acopla a la campana (pabellón, difusor) del instrumento, o se colocan delante con la mano izquierda. Utilizarlas provoca que varíe el volúmen y el timbre del instrumento.

Existen muchos tipos de sordina, las más conocidas son las Straight (Rectas), Wah Wah, Cup (Copa), Plunger, Bucket, y de practica (sileciadoras).

Modo de mediación

El principio de funcionamiento del instrumento se genera mediante la vibración de los labios del músico en la boquilla a partir del flujo de aire (o columna de aire). Las diferentes notas se producen por el movimiento de la vara, por la intensidad y rapidez de la columna de aire y por la posición de los labios del ejecutante. Las siguientes características definen la sonoridad del instrumento:

- Cuanto más extendida esté la vara, más grave es el sonido producido (el instrumento tiene mayor longitud).

- Cuanto más rápida es la velocidad de la columna de aire, más agudo es el sonido.

- Cuanto más aire se emita, más forte es la sonoridad.

- Cuanto más relajados se encuentren los labios del ejecutante, más grave es el sonido producido.

A su vez, la vara tiene siete posiciones no definidas: el intérprete debe buscar la longitud específica de la misma en función a la altura de la nota requerida.

La primera posición es con la vara totalmente retraída, y la séptima es con la vara extendida en su totalidad. Éstas posiciones recorren todo el regristro posible cromaticamente: La nota más grave es en la séptima posición (mi₂) y la más aguda es en la primera posición (se considera fa₅, pero no hay un limite de registro agudo, sino que depende de cada músico).

El instrumento puede tocarse de pie, marchando o sentado. En todos los casos es importante mantener una postura firme pero relajada, para que la columna de aire no se vea afectada (mantener la cabeza paralela al piso, el tronco relajado pero con la columna recta, entre otros).

Agenciamiento

El agenciamiento es de tipo interactivo, ya que se entrega una determinada energia al producir las vibraciones, y la misma se transforma en sonido, el cual cambia dinámicamente en base a la cantidad de energia entregada (dinámico y recíproco).

Interfaz

El trombón no posee interfaz, ya que es el músico el que produce el sonido del instrumento directamente con sus labios.

Mapa de mediación

Si bien el funcionamiento del trombón de vara poco se ha modificado desde su invención, la utilización del mismo y su importancia fue variando según la época:

En el siglo XV fue utilizado principalmente por los músicos de las ciudades para anunciar arribos.

En el siglo XVI fue ampliamente utilizado en música polifónica¹.

En el siglo XVII fue utilizado en, principalmente, música religiosa y en pequeños ensambles.

En el siglo XVIII se incorporó en las orquestas de teatro, ubicado en la última línea de intérpretes (junto con la tuba y las percusiones), o alineado con el resto de los metales (en el centro de la fila, junto a la tuba y las trompetas). Se incorporó también en la música de cámara y, hacia fines del siglo, en las orquestas sinfónicas.

En el siglo XIX tuvo su auge en las orquestas, estableciéndose como un instrumento permanente dentro de este tipo de agrupación (usualmente 2 trombones tenores).

En el siglo XX toma un rol especial en las orquestas de Jazz, en donde además de ser un instrumento clave en el ensamble, interpreta pasajes solistas. A su vez, es muy utilizado en orquestas de Swing, y en las conocidas "Big Band":

"Con la consolidación del estilo swing, las big bands pasaron a constituirse en el eje del desarrollo del jazz. Fueron precisamente estas grandes bandas las que facilitaron la enorme popularización del estilo, al convertirse en sinónimo de música de baile"².

Desde fines del siglo XIX hasta la actualidad forma parte de bandas de rock, reggae, ska, salsa, cumbia, entre otros estilos.

Teleología

El trombón tenor siempre fue el más utilizado dentro de la familia de trombones y, a diferencia del resto, nunca fue desplazado en importancia. Ésto se debe a su mayor calidad sonora y mejor afinación, comparado con los demás instrumentos de su familia. Además, su utilización fue y es esencial ya que es el único que permite cromatismos dentro de la familia de los metales, como son los glissandos al deslizar la vara.

Por su registro grave, fue muy utilizado representando voces de registros bajo, barítono o tenor; a su vez, fue la base de conjuntos de intrumentos de vientos (utilizado para notas pedales o sucesiones de acordes, por ejemplo), y es utilizado para realizar líneas melódicas o como instrumento principal (por ejemplo, en los solos de jazz).

En cuanto a su timbre, el trombón se caracteriza por realizar sonidos potentes de un gran poder de expresividad.

"Su timbre puede pasar de heroico a oscuro y amenazante, vinculándolo a expresiones de grandeza, majestuosidad y solemnidad"³.

En el jazz adquiere un aire grotesco y se destaca por su vibrato⁴ y sus glissandos⁵, junto con el uso de sordinas que modifican su expresividad.

Referencias

¹ Música polifónica - http://www.abc.com.py/edicion-impresa/suplementos/escolar/la-musica-polifonica-574807.html

² Big Band - https://es.wikipedia.org/wiki/Big_Band#Época_swing

³ Hagase la música: Trombón - http://www.hagaselamusica.com/ficha-instrumentos/viento-metal/trombon/

⁴ Vibrato - https://es.wikipedia.org/wiki/Vibrato

⁵ Glissando - https://es.wikipedia.org/wiki/Glissando

Bibliografia

Guía de Iniciacion al trombón de varas tenor - Republica de Colombia, Ministerio de cultura, Primera edicion, 2003

Enciclopedia ilustrada de los instrumentos musicales - Bozhidar Abrashev y Vladimir Gadjev, edicion Ulmann, 2009.

Introduccion a la organologia - Apunte Instrumento I (Organologia y acustica).

Hyperphysics: Trombón - http://hyperphysics.phy-astr.gsu.edu/hbasees/Music/trombone.html#c1

Los instrumentos musicales: El Trombón - https://www.losinstrumentosmusicales.net/trombon/

Los instrumentos de viento: El Trombón - https://losinstrumentosdeviento.com/trombon/

Brass, Brass, Brass: El trombón - http://brassbrassbrass.com/el-trombon

Conoce el trombón - http://conoceltrombon.blogspot.com/2016/10/postura-para-tocar.html

Trombone - Wikipedia - https://en.wikipedia.org/wiki/Trombone

Trompeta

La trompeta (trumpet - trompette - tromba) es un instrumento de viento de la familia de los metales. El sonido es producido a través de oscilaciones causadas por los labios del interprete sobre la boquilla de la trompeta y la combinación de la pulsación de los 3 pistones que forman parte de ella. Normalmente las trompetas están afinadas en Do, también las hay afinadas en Fa, La, Sib y Mib. Las mismas han llegado ha ser de gran importancia en las Orquestas y en el Jazz, los músicos que la tocan son llamados trompetistas. [9]

Disposición material

Las trompetas son generalmente hechas por aleación de metales, depende la calidad del instrumento. Sus partes son: boquilla, tubería, pistones y pabellón. La boquilla o embocadura posee un orificio, el cual conecta la copa con la tubería cilíndrica del instrumento, con los tres pistones pulsados la tubería del instrumento mide 110 cm de largo hasta llegar al pabellón, el cual es bastante pronunciado y mide unos 30 cm de largo aproximadamente.^[1]

Partes necesarias

1) Boquilla o embocadura: Es la pieza en la que se apoyan los labios y es el lugar primario generador de las oscilaciones.

2)Tubería: Pieza cilíndrica que encierra la columna de aire que ha de vibrar.

3)Tres Pistones: Poseen la funcionalidad de alargar el circuito de la tubería.

4)Pabellón: Es el extremo abierto del instrumento, realiza la transición de la columna de aire hacia el mundo exterior.

[10]

Partes variables

En la trompeta se puede variar de boquilla según los modos de vibración en los cuales se quiera tener mayor resonancia, también puede variar el largo de la tubería depende la tonalidad natural de la trompeta y por ultimo se puede agregar un pistón para obtener cambios de semitono. También se usa un elemento llamado sordina que se incorpora en el pabellón(campana) para disminuir el sonido, también se usa para reproducir sonidos resistentes y ásperos con una presión al momento de soplar. [11]

Modo de mediación

En la trompeta, las oscilaciones de las columnas de aire son inducidas por aire que bajo presión deja escapar el músico de entre sus labios apoyados en la embocadura (boquilla). A su vez las oscilaciones de la columna de aire inducen oscilaciones de presión en el interior de la embocadura, las que afectan el movimiento de los labios. Los labios terminan oscilando con la frecuencia de las oscilaciones de la columna de aire. Por otro lado el músico, cambiando la tensión de sus labios, tiene la posibilidad de seleccionar en forma mucho mas controlada un modo de oscilación de entre los numerosos modos de la columna de aire. El sonido inyectado por el músico en la boquilla se propagara a lo largo de la columna de aire encerrada por el cuerpo de la trompeta hacia el pabellón. Ademas con la utilización de sus tres pistones, los cuales disminuyen la frecuencia del sonido en: 1 semitono o 1/2 tono, 1 tono y 1 1/2 tono respectivamente por cada válvula, se logra llegar al intervalo de 5ta justa, lo cual lograría una escala cromática en el instrumento. [12]

Agenciamiento

Su agenciamiento convencional consta de sujetar el instrumento con la mano izquierda firmemente con el fin de soportar todo su peso, dejando así a la mano derecha solamente para controlar las válvulas. Por otro lado el dedo pulgar de la mano derecha debe ponerse sobre la primer válvula en forma recta, sin doblar y los demás dedos levantados logrando apoyar las yemas de los mismos sobre los pistones para pulsarlos de manera correcta.

[13]

La trompeta también posee gran facilidad para tocarse ya que se puede hacer de pie o sentado, dado que es un instrumento ligero, que se puede transportar fácilmente de un lugar hacía otro.

Mapa de mediación

Las trompetas antiguamente eran rectas, emitiendo notas musicales reducidas y en el año de 1770 añaden los tubos de recambio que le permitieron producir casi todos los tonos musicales.

Por el año 1815 se incorporan los pistones, pero el perfeccionamiento continua mejorando un siglo después por el gran trabajo de Merry Franquin, que fue profesor del conservatorio de París, que permitía modificar a voluntad los sonidos del instrumento.

La trompeta tuvo gran importancia en el conjunto de los instrumentos antiguos, esto fue consecuencia directa para que la trompeta evolucionara modificando el tubo, la boquilla y el pabellón con unos sonidos más agudos, sonidos más brillantes y resonantes. Así es como conocemos a la Trompeta el día de hoy. [14]

Hoy, la trompeta se usa en casi todas las formas de música, incluida la clásica, jazz, rock, blues, pop, ska, funk, mambo, guaracha, merengue, cumbia, salsa y polca.

Ejemplos:

Teleología

La finalidad de este instrumento en la antigüedad era la de anunciar, tanto la llegada de un rey como el inicio de una guerra, entre otras cosas. Luego paso a utilizarse musicalmente haciendo referencia a lo divino y mas actualmente se puede oír en cualquier tipo de genero musical.

Referencias

-"Instrumentos musicales, artesanía y ciencia" Herbert Massmann; Rodrigo Ferrer. Dolmen ediciones. -https://es.wikipedia.org/wiki/Trompeta -https://www.purtle.com/es/jeff-correct-hand-position -https://losinstrumentosmusicales.net/trompeta/ -https://www.trumpetland.com/p/evolucion

Trompeta Baja

Es un instrumento transpositor. Fue construida por primera vez en Alemania durante la década de 1820. Suena una octava más grave que la trompeta normal y su tubo es más largo. Las versiones con campana ancha afinadas en si bemol todavía se usan hoy en Austria y Baviera con el nombre de Baßtrompete y versiones con campana estrecha y afinadas en si♭ se utilizan en Italia bajo el nombre de tromba bassa.

Disposición material

El modelo que se usa normalmente hoy está afinado en do (existen tambien afinadas en si♭ re y mi♭) y tiene cuatro válvulas rotativas. Mayormente es interpretado por un trombonista, esto se debe al tamaño de la boquilla. En cambio, las trompetas bajas afinadas en mi♭ suelen ser tocadas por trompetistas, ya que la boquilla tiene un tamaño parecido a la usada para una trompeta afinada en si♭

Partes necesarias

Principalmente el tubo del instrumento, que es el que le da la forma al mismo, en el cual se encuentra la campana o tambien llamado pabellón que es el ensanchamiento al final del tubo, suelen cambiar de tamanos y generalmente estos mismos funcionan como una amplificacion del sonido emitido a traves de la boquilla.

La trompeta baja tiene cuatro válvulas que dirigen el sonido por diferentes partes de la tubería que forma el instrumento y de esta manera alarga o acorta el recorrido del sonido y, por tanto, consigue su afinación cromática. Mediante la combinación de estas cuatro válvulas se consigue casi toda la afinación cromática dado que se obtienen hasta ocho longitudes diferentes en el tubo. El sonido se emite hacia el exterior por la campana.

Boquilla: Las boquillas de los instrumentos de la familia de viento-metal (como la trompeta, el trombón, la trompa, la tuba etc.) se apoyan contra los labios del instrumentista, en este caso lo que vibra son los labios del intérprete. Es una copa de metal, pero también existen de otros materiales como el vidrio, la boquilla también proporciona dirección y concentración a la columna del aire. Ésta misma tiene las siguientes partes:

Anillo o Aro: El anillo se divide en tres partes diámetro interior, grosor del borde y punto culminante.

1) Diámetro interior: El diámetro interior es la medida del interior de la circunferencia del anillo. Es la cavidad en la que tiene lugar la vibración del labio del intérprete. Cuanto más ancho sea el diámetro interior de la boquilla, mejor se podrán ejecutar las notas graves del registro del instrumento y viceversa.

2) Grosor del borde: Es la parte de la boquilla sobre la que reposa el labio del intérprete, por lo tanto influye en la comodidad a la hora de tocar el instrumento. Si el grosor del borde es ancho, permite al intérprete tocar más cómodamente durante un intervalo mayor de tiempo dado que la superficie sobre la que el labio reposa es más amplia.

3) Punto culminante: El punto culminante o contorno del borde es el lugar del borde de la boquilla donde se concentra la presión del labio contra la misma.

4) Borde exterior: Es el borde del diametro interior de la boquilla.

5) Copa: La profundidad y la forma de la copa de la boquilla son los responsables de la sonoridad.

6) Granillo o cuello: El granillo o cuello de la boquilla es el regulador de la presión y la cantidad de aire introducido en el instrumento.

7) Cono interior: El cono interior es la parte interna de la boquilla que va desde el granillo a la salida de ésta.

8) Tudel exterior: El tudel exterior es la parte de la boquilla que encaja con el receptor del instrumento.

Partes variables

Las partes que pueden cambiar son en un principio, como se explico anteriormente, la boquilla que puede variar su tamaño depende de la afinacion que se la da al instrumento, y la campana del instrumento existiendo versiones con campanas ancha y campanas mas extrechas. Luego la sordina que es un mecanismo de reducción del volumen o modificación de las cualidades tímbricas del sonido. Existen varios tipos:

A) El desatascador ha dado al jazz los sonidos más vigorosos y vocalizados.

B) La sordina straight produce los sonidos más suaves.

C) La sordina cupes cónica, con forma de copa en el extremo más ancho, a veces recubierto de fieltro. Reduce el volumen y el tono incisivo.

D) La sordina Wah-Wah, inventada en 1965, es un tubo de metal que se ajusta al pabellón y va sellado con un cuello de metal. Su timbrevaría, dependiendo de cuánto se la introduzca en la sordina.

E) La sordina Harmon equivale a la sordina Wah-Wah, pero sin el cuello metálico instalado en su parte final.

F) La sordina electrónica como las de la serie Yamaha Silent Brass que permite que el sonido casi en su totalidad sea silenciado y canalizado electrónicamente a una salida de audio que puede ser usada con auriculares.

Modo de mediación

La trompeta baja se toca sujetando la trompeta con una mano y la otra apoya un dedo en cada piston que presenta el instrumento (en este caso 4), mientras que el pulgar queda libre. Prosigue generar un solpido formando la letra "M" con los labios sobre la boquilla del instrumento.

Agenciamiento

Lo que hace sonar a estos instrumentos es la vibración de los labios en la boquilla de dicho instrumento generando un flujo de aire que es manipulado no solo por el aire del intérprete simulando una letra "M" sino tambien por los pistones del instrumento que cortan el flujo de aire permitiendo generar diferentes tipos de notas que quieran ejecutarse.

En la antigüedad (Hasta mitades del siglo XIX) las Trompetas no presentaban válvulas o pistones que les permitieran tocar con gran variedad de notas. En su lugar, el instrumentista ejecutaba con fuerza las notas en estos instrumentos naturales, para producir los parciales superiores de la serie armónica de esa nota. Cada instrumento natural de metal consistía en un tubo hueco gobernado por una sola nota fundamental; cuanto más largo era el tubo, más grave era la nota fundamental del instrumento.

Interfaz

No presenta alguna interfaz.

Mapa de mediación

La primera mención de la trompeta baja es en el Allgemeine Musikalische Zeitung de 1821, en el que se describen la Chromatische Tenor-trompetenbaß de Heinrich Stölzel y la Chromatische Trompetenbaß de Griesling y Schlott. Otras variantes se produjeron a través de la década de 1820 y se emplearon en bandas militares. Las versiones con campana ancha afinadas en si bemol todavía se usan hoy en Austria y Baviera con el nombre de Baßtrompete y versiones con campana estrecha y afinadas en si♭ se utilizan en Italia bajo el nombre de tromba bassa. No realizan la función melódica sino que se utilizan únicamente para rellenar las armonías. El compositor que más ha explotado el uso de este instrumento ha sido Richard Wagner. En su tetralogía ‘El Anillo del Nibelungo‘ (Der Ring des Nibelungen), utiliza la trompeta baja como relleno armónico acompañando a trompetas y trombones, pero también con partes solistas en todos los registros. Otros autores importantes de los siglos XIX y XX como Richard Strauss (en el poema sinfónico Macbeth y la ópera Elektra), Arnold Schoenberg (en la cantata Gurrelieder), Igor Stravinsky (en el ballet La consagración de la primavera - cuarta trompeta doblando a una trompeta baja en mi♭), Leoš Janáček (en la Sinfonietta - dos trompetas bajas en si♭). Sin embargo, al igual que con la tuba Wagner y el trombón contrabajo, otras adiciones de Wagner a la orquesta en la ópera El anillo del nibelungo, la trompeta baja no se ha convertido en un miembro de la orquesta de metales y raramente se puede encontrar en una orquesta.

Teleología

La trompeta baja es muy rara verla en orquestas hoy en dia, su mayor uso se lo dio Richard Wagner en El anillo del nibelungo, realizando solos en cada registro, así como interpretando en octavas, unísonos o armonías con trompetas, trombones y tubas Wagner. Su timbre es muy distintivo y fácilmente identificable y Wagner utilizó este nuevo y singular tono ampliamente. Hoy en dia es muy raro verla en orquesta casi no se implementa pero cumple una función de relleno armónico sin embargo puede utilizarse tambien para solos.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Trompeta_baja http://mundotrompeta.blogspot.com/2008/04/la-trompeta-baja.html http://www.miguelgaldon.com/la-trompeta-baja-caracteristicas/ https://es.wikipedia.org/wiki/Trompeta https://es.wikipedia.org/wiki/Boquilla_(viento-metal) Adler, Samuel (2006) El Estudio de la Orquestación

Trompeta piccolo

La trompeta piccolo (tromba en italiano; trompette en francés: trompete en alemán; trumpet en inglés) cumple la función de soprano en la familia de los vientos metales, siendo el más ágil de todos. La más comunes se afinan en Si bemol, pero en el caso de la Piccolo se afina una octava más arriba. Se usa para ejecutar pasajes muy agudos, fuertes y suaves que en la Trompeta es difícil de ejecutar, siendo más específico para el caso de este instrumento. La mayoría de compositores lo usan para crear un aura de anticipación o agitación.

Disposición material

La trompeta piccolo está construida a base de un metal llamado latón con forma cilíndrica, que generalmente es doblado en forma de espiral de aproximadamente 90 cm de largo. A su vez también funciona con distintos mecanismos como las válvulas y pistones, junto con la terminación del instrumento que recibe el nombre de Pabellón. Esta en particular cuenta con una cuarta válvula que cumple la función de transpositor y baja 5 semitonos la afinación de la trompeta. La forma particular que se le da a la trompeta con sus entreveradas vueltas es crucial para la entonación perfecta del mismo, en la parte de la boquilla (por donde entra el aire) que es más pequeña hasta la parte en forma de campana (por donde sale el aire).

Partes necesarias

La boquilla es una de las piezas más importantes por la función que cumple en el instrumento, construida también a base de latón. A través de la vibración que se produce con los labios, la trompeta es capaz de producir sonido. Los principales efectos se deben a la forma de la copa, la forma del grano y el diámetro interior de la copa. Cuenta con 5 partes diferenciables:

A) Anillo: se divide en tres partes, diámetro interior o tasa, grano o grosor del borde.

1) Diámetro interior: es la cavidad en donde el interprete apoya los labios. Cuanto más ancha sea la boquilla, mejor se pueden reproducir las notas graves. Depende del interprete y la forma de sus bocas, el diámetro que se elija para la cavidad.

2) Grano: esta parte es la responsable de la producción de la sonoridad que le va a dar al instrumento y la que proyecte más facilidad para las notas graves y agudas.

3) Grosor del borde: tiene la misma responsabilidad que la del diámetro que tenga la boquilla en cuestión. Es donde reposa la carne del labio del interprete. Cuanto menor grosor tenga es mejor para la reproducción de las notas.

E) Punto culminante: el grosor recae en la comodidad del interprete y de las notas a producir.

F) Cono: la forma del cono permite un flujo de aire progresivo y constante.

G) Cuerpo: la forma del cuerpo depende de que instrumento de viento metal sea, cuanto más grande el instrumento, más grande el cuerpo de la boquilla.

H) Tudel: esta parte es de las más importante ya que es la que encaja directo con el instrumento y una correcta conexión va a influir directamente con el sonido final que se consiga.

Como un instrumento de viento en general, se considera siempre lo más importante la boquilla, ya que sin ella sería casi imposible sacar algún sonido alguno.

Partes variables

La sordina es un tapón en forma de cono que se inserta en el pabellón del instrumento. Tiene unos pequeños bloques de corcho a los lados para impedir que se ajuste demasiado al pabellón y para facilitar su inserción y retirada. Es un accesorio muy utilizado para los instrumentos de viento metal. Tiene varios tipos y modelos:

Sordina Straight: está hecha con fibra o metal. Sirve para tocar tanto suave como fuerte con ella.

Sordina de Copa: se asocia con las bandas de jazz. La copa se ajusta según el estilo de la pieza interpretada. Puede proporcionar un sonido oscuro, amortiguado, sin color, fantasmales o nasales.

Sordina Harmon o Wah-Wah: está fabricada con metal y consta de dos partes, la sordina propiamente dicha y el apéndice. Este apéndice se puede ajustar para producir distintos sonidos o cambiar el timbre. El sonido que genera en la trompeta es penetrante y brillante.

Sordina Whispa: es la más suave de todas las sordinas y hace que el instrumento suene como si se tocase fuera del escenario. Está fabricada como la Harmon y opera con el mismo principio.

Sordina Solotone: esta sordina también funciona como la sordina Harmon, pasando todo el aire por su interior sin que escape nada por los laterales. El sonido que se consigue es amortiguado y reforzado.

Sordina Bucket: llamada a veces como la sordina del sonido aterciopelado, se construye de manera tal que la salida del sonido se bloquee casi completamente. Produce un sonido suave y dulce.

Modo de mediación

La trompeta piccolo generalmente se toca parado, pero también sentado dependiendo de como se organizan los músico/s intérpretes. Se agarra al instrumento por los orificios que están a los costados de los pistones y el meñique delante de las cuatro pistones. Luego se juntan los labios para hacerlos vibrar sobre el diámetro de la boquilla para así poder producir sonido.

Agenciamiento

Estos instrumentos se tocan con la vibración de los labios a través de la boquilla necesaria, también con la ayuda de los pistones que cierran o abren el flujo de aire para bajar o subir tonos y semitonos la nota que se esté ejecutando.

En el siglo XVIII, época de Joseph Haydn, se inventó un mecanismo que permitía a las trompetas y trompas tocar notas ajenas a la serie armónica simple. Se sabe que la nota fundamental depende de la longitud del tubo: se descubrió que, al alargar el tubo, un intérprete podía producir distintas series armónicas en el mismo instrumento. El tubo añadido, llamado bomba de entonación, tenía forma de U y se insertaba en determinados puntos a lo largo de la longitud del tubo original.

Hasta la mitad del siglo XIX, las trompetas y trompas no estuvieron equipadas con válvulas o pistones que les permitieran tocar con gran variedad de notas, tal y como sucede en la actualidad. En su lugar, el instrumentista ejecutaba las notas en estos instrumentos "naturales" soplando con fuerza la nota fundamental del mismo, para producir los parciales superiores de la serie armónica de dicha nota. Cada instrumento natural de metal consistía en un tubo hueco gobernado por una sola nota fundamental; cuanto más largo era el tubo, más grave era la nota fundamenta del instrumento dado.

Interfaz

Este instrumento no posee interfaz.

Mapa de mediación

Pertenece a la familia de los vientos metal de la orquesta tradicional, aunque puede aparecer en otras formas musicales. No es un instrumento muy común pero no se usa como instrumento accesorio, si aparece en alguna obra que la "necesite".

Las trompetas metálicas eran ya conocidas en la más lejana Antigüedad, siendo la mayor parte de ellas de bronce, fabricadas por el método de cera perdida. Todas ellas tuvieron un uso militar o religioso, y excepcionalmente de carácter civil: eran instrumentos para transmitir señales, especialmente para comunicar informaciones. Los sonidos producidos llegaban a inspirar terror y su timbre, según lo evocan autores de la Antigüedad, parece haber sido especialmente desagradable.

El origen del instrumento se puede comprender en la época de los egipcios donde lo consideraban un instrumento de los dioses, más concretamente al dios Osiris, donde también la usaban como accesorio militar y cultural. Se descubrieron dos trompetas en la tumba del faraón Tutankhamon, que vivió hacia el 1350 a. de C.: miden respectivamente 50,5 cm y 58 cm de largo, presentando un ancho pabellón, pero sin una embocadura propiamente dicha; la primera es de bronce, la segunda de plata. Desde ese momento tuvo un gran avance musical. Fue evolucionando con cada época siguiente.

La orquesta sinfónica moderna consta, usualmente, de cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones y una tuba. Algunos compositores engrosan este núcleo básico con cornetas, bombardinos y tubas wagnerianas.

Se dividen en dos grupos: 1, las trompas. 2, trompetas, trombones y tubas.

Ejemplo: Maurice Andre Telemann, Trumpet Concerto in D

Teleología

La trompeta piccolo se usa para ejecutar pasajes agudos que en el instrumento normal se hace muy dificultoso. Al estar afinado una octava más arriba de la afinación normal de Si bemol es mucho más fácil para el interprete producirlo. A demás, en la orquestación, la sección de metal se usa para y por su capacidad singular de armonizar y reforzar el sonido de la sección de maderas. La trompeta piccolo se usa como voz solista (soprano).

Referencias

1. https://ria.asturias.es/RIA/bitstream/123456789/2641/1/Archivo.pdf
2. https://archivos.csif.es/archivos/andalucia/ensenanza/revistas/csicsif/revista/pdf/Numero_17/SANTOS_CAMARA_SANTAMARIA_1.pdf
3. Adler, Samuel (2006) El Estudio de la Orquestación
4. https://es.wikipedia.org/wiki/Trompeta_piccolo
5. https://es.wikipedia.org/wiki/Trompeta

   Tuba

Sección orquestal	metales
Modo de mediación	responsivo, visible
Materiales

{{#related:tuba tenor}}
{{#related:trombón bajo}}
{{#related:oficleido}}
{{#related:serpentón}}

La tuba es un instrumento de viento-metal hecho generalmente de latón.El mas grande y de registro mas grave de esta familia.Los mas utilizados son los afinados en Fa y Si bemol. Dependiendo de las capacidades del ejecutante puede registrar un campo de hasta 4 octavas.

Disposición material

La tuba consta de un tubo doblado de aproximadamente 7 metros esta hecho de latón,por lo general no se utilizan otros materiales para hacerlo aunque algunos fabricantes utilizan un material Ambronze que se compone de 85% de cobre, 13% de zinc y 2% de estaño para hacer la campana. Puede que las válvulas estén cubiertas de cromo para reducir la fricción y para reducir la posibilidad de daños, las válvulas están forradas con fieltro.

Partes necesarias

• Boquilla: Es una copa de metal hecha de latón y funciona como punto de contacto entre el interprete y el instrumento, es allí donde el músico apoya sus labios para producir el sonido.
• Campana: Es la parte mas grande del instrumento,se asemeja a un cono, es por donde sale el sonido al exterior.
• Pistones: Se abren o cierran para alargar o acortar la longitud de la columna de aire y así producir diferente notas.
• Tudel:Tubo que conecta la boquilla con el pistón.
• Válvula de desagüe: se utiliza para evacuar el liquido acumulado.
• Bomba de afinación general
• Tubería principal: Son todas las partes onduladas.

Partes variables

• La cantidad de válvulas puede diferir con respecto a quien lo toca por lo general para los estudiantes se utilizan las de 2 válvulas aunque los mas utilizados tienen 4 válvulas .
• Como otros instrumentos de viento-metal mediante la adición de una sordina que se coloca en la campana se puede conseguir un timbre diferente.

Modo de mediación

El modo de mediación es responsivo ya que es el ejecutante quien produce el sonido,variando la intensidad del flujo del aire se pueden producir notas mas graves o mas agudas.

Agenciamiento

El sonido se produce cuando los labios del ejecutante producen una vibración mediante un flujo de aire en la boquilla.Activando con los dedos las válvulas o los pistones se producen diferentes notas o dependiendo de la intensidad del soplido.Como es un instrumento de gran tamaño por lo general se utiliza con el ejecutante sentado y apoyado en su regazo con la campana hacia arriba para que la columna de aire se dirija en esa dirección.

Interfaz

Mapa de mediación

La tuba se podría decir que es una evolución de los antiguos instrumentos creados a partir de caracolas marinas y cuernos de los animales.Durante el siglo XIX surgieron una gran cantidad de familias de instrumentos de metal tales como los Bugles, figles, saxhorns, tubas.En la década de 1820, varios fabricantes de instrumentos produjeron el ophicleide, un precursor de la tuba.Para modificar la longitud del tubo y conseguir así completar la escala cromática en estos instrumentos se utilizaron sistemas de llaves, que acortaban su longitud, o válvulas que añadían tramos extra de tubería. El primer instrumento con nombre de Tuba data de año 1835, patentada por Wieprecht y Moritz. La primera vez que se utilizó la tuba moderna en una orquesta sinfónica fue en El anillo de los nibelungos de Richard Wagner. Existen diferentes tipos de tubas entre los que se pueden nombrar el eufonio,Tuba Warneriana un híbrido de la trompa y la tuba. tuba en Fa,tuba en doble C,Tuba en doble Bb. Pertenece a la familia de instrumentos de tipo aerófonos ya que el sonido se produce por la vibración de los labios a la boquilla y el impulso del aire. En cuanto a su posición en la orquesta debido a su sonoridad y su tamaño se suele ubicar en la ultima fila juntos con los otros metales. Actualmente debido a su gran versatilidad se utiliza en bandas de diferentes tipos y como un instrumento solista.

Teleología

Dependiendo de los contextos musicales a los que se adentre puede cumplir la función de acompañamiento en una agrupación o ser la melodía principal. Actualmente este instrumento no solo se mueve en el campo de la música orquestal sino que también debido a su gran versatilidad se utiliza en diferentes tipos de música como el jazz,el blues o el rock ya sea en conjunto con otras tubas o otros instrumentos de la familia viento-metal y/o también como un instrumento solista.

Referencias

• https://es.wikipedia.org/wiki/Instrumento_de_viento_metal
• https://definicion.de/tuba/
• https://instrumentosmusicaless.com/instrumentos-viento/tuba/
• http://inbbflat.blogspot.com/2010/06/la-tuba-conozcamosla-mejor.html
• https://losinstrumentosmusicales.net/tuba/
• https://miguelmorateorganologia.wordpress.com/tuba-2/

  Viola

La viola, nacida en el S. XIV, es un instrumento de cuerda frotada. Su aparición se atribuye a la evolución de tocar la viella medieval con un arco a hacerlo con una cuerda pulida y frotada con colofonia. La creación de este instrumento, fue un importante paso para los instrumentos de arcos.

Las violas actuales que se utilizan en orquestas, nacieron en entre los S. XVI y XVII bajo el nombre de viola da braccio. Su tesitura, es de unos 70 cm de largo total y tiene 4 cuerdas las que se afinan en do, sol, re y la (en intervalos de quinta), siendo así poco más grande que el violín y con un timbre más opaco; dejando así posicionada a la viola como la "contralto" de la familia de los violines, y ubicada entre el violín y violoncello . Dentro de su extensión cuenta con más de 3 octavas , que pueden utilizar armónicos naturales, y cuenta con un registro que abarca desde do 3 al la 6. Normalmente, su lectura se hace en clave de do y en los más agudos en clave de sol.

Disposición material

Es muy común, que la viola y el violín compartan características para su construcción; pero bien, los materiales empleados para la viola varían. Para su construcción, en tamaño entero, se necesita una caja de entre 38 a 46 cm con un largo promedio de 41 cm (con variable para niños de un largo que parten desde 30 cm., lo que equivale al tamaño 1 1/2 violín); pero bien, la viola no cuenta con medidas estandarizadas para su construcción.

Al pertenecer a la familia de cordófonos (es decir, a los instrumentos musicales que producen sonidos por medio de las vibraciones de una o más cuerdas, usualmente amplificadas por medio de una caja de resonancia), la viola cuenta con 4 cuerdas de entre 3 a 5 cm de espesor, que son tensionadas entre dos puntos del instrumento que logran una longitud de cuerda aproximada a los 38 cm en promedio (variable al tamaño del instrumento)

Cabe aclarar también, que la viola pertenece a la familia de instrumento frotado, lo cual necesita un arco para su funcionamiento. Tradicionalmente, el arco esta compuesto por una vara de madera de pernambuco que puede (o no) ser recubierto por metal o plástico, una nuez o tornillo que junto a la punta, son elementos que permiten tener en tensión a las cerdas; las crines o cerdas, compuestas de pelo de caballo y humectadas con resina para que se pueda frotar con más facilidad y no se corten las mismas.

Partes necesarias

Para que la viola cumpla su fin, cuenta con las siguientes partes necesarias: Las cuerdas, la caja, el mastil, la voluta, el cordal, las clavijas, el puente el arco

Partes variables

La única parte variable que posee la viola, es el arco. Puede no utilizarse y lograr distintos timbres gracias a las técnicas como el pizzicato.

Modo de mediación

Para que la viola provoque su sonido característico, es necesario utilizar el arco para frotar las cuerdas. Hay distintas técnicas de modulación en el brazo, que producen diferentes timbres y tonos en la viola. Además, es con la técnica de pizzicatos; que se logra pulsando o tirando de la cuerda (como pasaría en una guitarra)

Agenciamiento

Para tocar el instrumento en su sonido "original" se necesita apoyar el instrumento por debajo del mentón, y mover el arco de forma vertical con respecto a las cuerdas, para que estas suenen por la fricción producida por el movimiento del arqueo. La presión sobre las cuerdas provoca diferentes intensidades del timbre característico del instrumento.

La viola, funciona y suena como viola gracias al mediador que se emplea para ello: el arco.

El arco permite sonar a la viola como tal, y gracias a el se puede catergorizar a este instrumento dentro de la familia de cuerdas frotadas. Previamente, -en la sección de partes variables- se detallo los materiales que componen al arco en su creación.

Las crines o cerdas que se encuentran en el arco, tienen pequeños "dientes" que rasgan la cuerda de la viola. Esta acción provoca nodos en la cuerda, creando una vibración en el largo total de ella. La vibración y el frote provoca el sonido que caracteriza a la viola.

Ahora bien, para tener diferentes notas musicales, hay que acortar la vibración o bien aumentar la densidad de material de la cuerda. La viola tradicional contiene 4 cuerdas cuya densidad de calibre va aumentando según la nota que suene en cada cuerda, a mayor cantidad de masa se provoca una vibración más prolongada y logra una nota grave. Otra forma de variar la tonicidad del instrumento, se logra creando nuevos nodos en el longitud total de la cuerda, es decir, pulsando la cuerda en diferentes puntos para provocar una nota más grave o más aguda; los nodos pulsados, provocan que la cuerda vibre menos o más y el ciclo provoca una nota más grave o más aguda, comparte de esta forma similitud con la densidad del calibre ya que hay menos cuerda y por ende más masa a la cual hacer vibrar con la misma fuerza.

Entonces, podemos decir que el sonido de la viola es gracias a la densidad de las cuerdas y a su mediación, el arco.

Interfaz

No existe una interfaz notable entre el humano y la viola; pero podría adjudicarse al arco con sus cerdas, ya que actúa como interfaz entre el humano y el sonido que provoca la fricción de las cuerdas contra el arco y provoca así el sonido natural de una viola. Pero bien, hay diferentes modos de tocar el instrumento no únicamente con un arco.

La viola, con su caja de madera, también sirve como caja de resonancia al golpearla y provocar un nuevo sonido fuera de su naturalidad. Otro método también, es hace pizzicatos a las cuerdas (pulsar una cuerda y soltarla como en una guitarra).

Mapa de mediación

La viola, nacio en el siglo XIV, siendo la heredera directa de la viella, y marco un avance importante en la historia de los instrumentos de arco, dentro de la familia de cuerdas. Tomo protagonismo a partir del siglo XV donde Silvestro Ganassi dal Fontego publicó el primer método de uso, bajo el nombre de Regola rubertina.

En el siglo XVII el papel de la viola se limitaba a reforzar la línea del bajo o completar la armonía. En el siglo XVIII la viola tiene un papel más expuesto (por ejemplo en el Sexto concierto de Brandemburgo, de Bach).

El papel de la viola es fundamental en la orquesta ya que da profundidad y apoyo a la armonía, la hace rica y aterciopelada. No debemos olvidar tampoco la gran variedad de obras compuestas para la viola solista o las sonatas para viola acompañada.

La viola tiene una reputación menor dentro de la cuerda pero se trata de un prejuicio arrastrado desde los orígenes de la orquesta moderna (siglo XIX), cuando era asumida por violinistas en decadencia.

Teleología

Tiene un papel más que importante en las orquestas actuales, colabora con los instrumentos graves y apoya a los agudos, pero sin destacar su sonido. Se utiliza para crear balance entre ellos.

Referencias

https://www.el-atril.com/orquesta/Instrumentos/viola.htm

https://musicalfuste.com/blog/diferencias-y-similitudes-entre-el-violin-y-la-viola-b161.html

http://amayahistoriadelamusica.blogspot.com/2013/11/las-fidulas-medievales.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Viola_de_arco

https://es.wikipedia.org/wiki/Viola

https://palomavaleva.com/es/la-viola/

https://www.monografias.com/trabajos100/todo-viola/todo-viola.shtml

https://www.deviolines.com/forum/accesorios-1/de-que-estan-hechas-las-cuerdas/

Violoncello

El violonchelo (violoncello en italiano e inglés, violoncelle en francés), usualmente abreviado cello o chelo, es un instrumento de cuerdas perteneciente a la familia del violín. Se toca frotando las cuerdas con un arco, lo que lo hace un instrumento de cuerdas frotadas, aunque tambien puede tocarse con los dedos(pizzicato).

Disposición material

El violonchelo está construido en su totalidad, excepto por los tensores y la pica, de madera. Para la caja de resonancia usualmente se utiliza madera de abeto, para la tapa, y madera de arce para el resto. El puente se fabrica con madera de arce, al igual que el mástil y la cabeza. Para las clavijas, así como el diapasón y el cordal, está fabricado con madera de ébano, aunque actualmente también son fabricados con algún tipo de madera tintada o plástico. Para los tensores o afinadores que se encuentran en el cordal, al igual que la pica, se utiliza el acero. La pica también suele fabricarse en fibra de carbono e incluso en algunos chelos aún se fabrican en madera. Para el arco se utiliza madera de pernambuco, para la vara, aunque también se utiliza fibra de carbono o fibra de vidrio, y madera de ébano para la nuez. La punta tiene adornos de hueso o plástico.

Partes necesarias

Al igual que el resto de instrumentos pertenecientes a la familia del violín, las partes que componen al violonchelo son: una caja de resonancia o cuerpo formada por dos tapas, una superior y una inferior, unidas por una sección de madera, la faja, creando de esta manera una caja hueca. En su interior se encuentran, por un lado, la barra armónica, situada del lado de las cuerdas graves, que funciona como un refuerzo estructural para la caja, a su vez controla y distribuye la vibración trasmitiendo el sonido a la tapa, y por otro lado, el alma, situada del lado de las cuerdas agudas, cuya función es la de unir las tapas además de equilibrar y modificar la respuesta de las cuatro cuerdas. En la tapa superior de la caja de resonancia (a los lados respecto de las cuerdas) se encuentran las efes u oídos por los cuales sale el sonido. El cuerpo del violonchelo cuenta con dos escotaduras, dos concavidades, las cuales permiten sujetar el instrumento de una mejor manera utilizando las rodillas, de esta manera se le otorga una mayor libertad de movimiento al arco, esto evita que choque con el cuerpo cuando se tocan las cuerdas más laterales (do y la respectivamente). Unido al cuerpo se encuentra el mástil o cuello, en cuya parte superior se sitúa la cabeza. En la cabeza se encuentra la voluta, o ´´caracol ´´, y el clavijero. Sobre el mástil se sitúa el diapasón, el cual se prolonga hasta casi llegar al puente y que a diferencia de la guitarra no posee trastes. El puente se encuentra un poco por debajo de la mitad de la tapa superior de la caja de resonancia y por debajo de este el cordal, donde se sujetan las cuerdas y donde se encuentras los tensores o microafinadores. Debajo del cordal se encuentra el botón, del cual sale la pica. Estas partes que componen al chelo, sumado a las cuerdas y el arco, son necesarias para el funcionamiento del instrumento, así como también permite identificarlo como un instrumento de la familia del violín y de cuerdas frotadas.

Partes variables

Tanto las cuerdas como el arco y la caja de resonancia, así como son partes esenciales, también pueden ser variables. En el caso del arco, puede variar la cantidad de cerdas que este posea, lo normal son 250 pero esto puede variar, esto influye en el agarre que tiene sobre las cuerdas, sumado a que de por sí mismas las cerdas, al ser muy lisas, no efectúan un agarre sobre las cuerdas. Las cuerdas varían según el material del cual están fabricadas (tripa, sintético, acero), y dependiendo el material se obtendrá un sonido particular. La caja de resonancia solo varía entre el chelo acústico y chelo eléctrico, ya que este último muchas veces no posee una caja de resonancia y su manera de producir el sonido es mediante un sistema electrónico de ampliación, que se asemeja al de una guitarra eléctrica.

La sordina es otra parte variable del chelo ya que se utiliza para reducir la sonoridad del instrumento, su uso más destacado en una obra es en la introducción de Romeo y Julieta de Prokofiev, la sordina no solo es utilizada en él chelo sino que todas las cuerdas la utilizan lo que hace que él sonido sea mas lírico y suave.

Junto con estas partes variables también aparecen técnicas que se alejan de lo ordinario, técnicas extendidas, tales cómo scordatura, cambio en la afinación natural de las cuerdas, utilizada por Johann Sebastian Bach en la Suite n.°5 para violonchelo solo, así cómo el trémolo, técnica de rápida sucesión de repeticiones de una misma nota, y otras cómo col legno, que consiste en frotar las cuerdas con la vara del arco, el Sul tasto y Sul ponticello, que consisten en tocar sobre el diapasón y sobre el puente respectivamente.

Modo de mediación

El violonchelo, al igual que el resto de la familia del violín, se toca utilizando un arco, aunque también puede pulsarse sus cuerdas con los dedos, estas formas de articular el sonido en el chelo son las que nos permiten realizar las distintas técnicas tales como el staccato, pizzicato entre otras.

Agenciamiento

La forma convencional de articular sonidos en el violonchelo es frotando sus cuerdas con un arco. Puede utilizarse tanto la parte de las cerdas, como la vara (lo que le da un timbre diferente al sonido). También se utilizan los dedos articulando el sonido de manera pulsada (pizzicato). Desde su aparición hasta la actualidad las técnicas para tocar este instrumento han evolucionado. En el siglo XVIII, el chelo se apoyaba en el suelo y se encontraba separado del instrumentista. Para el año 1741 el violonchelista Michel Corrette publicó el primer método sobre técnica del chelo, en el cual plasma la posición del pulgar para las posiciones más cercanas al puente. Posteriormente la técnica adoptada por todos los países fue la del violín, para imitar esta técnica se creó una posición de transición utilizando los dedos primero, segundo y cuarto para abarcar la misma distancia que estos abarcan en el violín (una cuarta). El instrumento sufrió un cambio de sistema, del diatónico por uno semitonal, con el cual se podía abarcar con esos mismos dedos una cuarta o una tercera. En 1789 aparecen dos nuevos métodos de técnica para el violonchelo. Por un lado, el manual del inglés John Gunn, reuniendo la historia y las técnicas existentes del chelo ademas de consejos de digitación. Por el otro, nace el primer método conocido para violonchelo, publicado por el francés Jean Louis Duport. En su método, él plantea dejar de lado la técnica violinista. En el también se exploran técnicas extensivas tales como las dobles cuerdas y los intervalos, además de asentar la digitación y sus técnicas. Durante el siglo XX el agenciamiento del chelo evolucionó tanto que se consiguió aumentar el registro del instrumento así como tocar piezas tan virtuosas como el violín. La experimentacion con diferentes arcos tambien se profundiza. Ejemplo de esto es el diseño del Arco Curvo desarrollado a finales de siglo por el compositor y luthier aleman Michael Bach. En la búsqueda por una mayor extensión del violoncello, nacen nuevas formas de darle diferentes timbres y sonidos. Así se ve, por ejemplo, en la utilización de cambios de afinación durante una misma obra. De esta manera, se le busca dar al instrumento diferentes texturas frente a una misma digitación o manera de tocar. En estos casos es necesaria la participación de otra persona (siendo música o no) para los cambios de afinación. Asimismo, también encontramos la exploración en los cambios de intensidad, en cuanto a la fuerza aplicada a las cuerdas, devolviendo sonoridades que no son usuales en el cello, debido a su forma de tocar tradicional. Estas nuevas formas llevan a una extensión de lo musical, para ya estar refiriéndonos al arte performático, donde la interpretación del artista se vuelve fundamental al momento de la exposición de las obras. El músico se convierte en "performer". En esta interpretación de Emilie Girard Charest se aprecia de manera clara el juego interválico y de intensidades. https://www.youtube.com/watch?v=bK9f7bOuNus
Mediante la búsqueda de estos nuevos usos y técnicas, la creatividad logra generar un nuevo camino donde, como se menciona más arriba, el intérprete se transforma también en performer y no sólo le prestamos atención a la ejecución del instrumento, sino también al sonido como un ente propio. Muchísimos y muchísimas artistas aprovechan el uso de pedaleras con moduladores y objetos externos al instrumento para ampliar este tipo de sonidos. Uno de los grandes ejemplos es la artista argentina Violeta García, en su trabajo como solista con su cello eléctrico, la cual amplia el rango de técnicas con estas formas alternativas al instrumento. Aquí una de ellas:
Telgopor: Por medio de un pedazo de telgopor y el uso de un pedal de reverb, esta técnica genera parámetros del sonido no asociados de manera directa al instrumento. Mientras que con su mano derecha frota el arco contra las cuerdas, con su mano izquierda (la cual debería ir en el mástil en su uso habitual) toma el pedazo de telgopor para aplastarlo contra la zona de las cuerdas más cercanas al puente. De esta manera, el primer impacto del objeto resbalará contra las cuerdas y el primer sonido que escucharemos será chillón, de tímbrica aguda (debido a la textura del poliestireno chocando con el material de las cuerdas), para instantáneamente pasar a un sonido sin sustain pero con fuertes ataques irregulares, generando una asociación directa a un objeto resquebrajándose, que es justamente lo que está sucediendo. El telgopor se va rompiendo contra las cuerdas mientras el arco sigue frotándolas, más el efecto de reverberación que cuantificará el nivel de intensidad de todo esto. Respecto a los ataques irregulares que se mencionan antes, tiene que ver con el hecho de que el telgopor se quebrará gracias a la presión que generá el/la intérprete sobre el objeto, y a su vez contra las cuerdas, y debido al material del objeto, se quebrará de formas no esperables, lo que le da en parte su gracia a esta técnica. Cabe destacar también que, al quedarse trabado el telgopor en las cuerdas, el timbre de éstas mismas también variará. El sonido ahora será "hueco" debido a la tímbrica alterada.

Violeta García en vivo interpretando dicha técnica: https://www.youtube.com/watch?v=u_Y58oXjjpI (Min. 28:36 - 31-46)

Audio ejemplo, realizado con un violin pero utilizando el mismo método de manera acústica (quitando el reverb y todo lo eléctrico, la resultante es básicamente la misma; se puede apreciar la tímbrica aguda, la presión del telgopor contra las cuerdas que a su vez generará un cambio de tono en éstas mismas debido a la gran distancia entre las cuerdas y el cuerpo del instrumento en la zona previa al puente), el patrón irregular antes mencionado, y el frotado generado por el material del telgopor previo a quebrarse): https://drive.google.com/file/d/1xX4ggnViumWLjr5oRG_og6KpcdivC8Vv/view?usp=sharing

Imagen ilustrativa pero con un violin:

Mapa de mediación

La aparición del violonchelo se remonta al siglo XVII, hacia el año 1530. Es descendiente de la viola da braccio y pertenece a la familia de los violines. Para 1680 la Orquesta Imperial de Viena ya contaba con un chelo y para 1709 la Orquesta Sinfónica de Dresde tenía cuatro chelos, a pesar de esto aún era visto como un instrumento accesorio y muchos compositores se rehusaban a emplearlo.

No fue hasta el periodo barroco que su participación en la música paso a ser más que solo un bajo continuo, esto se refleja en los 27 conciertos de Vivaldi para violonchelo, ademas los 12 de conciertos Luigi Boccherini también para este instrumento. Durante el clasicismo Haydn y Beethoven compusieron varias obras para este instrumento, ya como solista. Durante el romanticismo, junto a la introducción de la pica, las técnicas del chelo mejoraron y sus obras obtuvieron una mayor complejidad y virtuosismo. Esta es considerada como la Edad de Oro del violonchelo, convirtiéndose, con el implemento de la orquesta sinfónica, en el instrumento más numeroso después de la viola y el violín. Durante el siglo XX se seguía componiendo para chelo, también en esta época aparecen grandes interpretes así como mujeres violonchelistas. Actualmente el chelo es utilizado en la música pop, rock e incluso en el heavy metal, con la banda finlandesa apocalyptica, ademas de la aparición del chelo eléctrico.

Teleología

En sus principios el chelo era visto nada más que como un instrumento de accesorio y su finalidad en la música era la de ser un bajo continuo. Con el pasar de los años se convirtió en uno de los instrumento más numerosos e importantes no solo dentro de la orquesta. Actualmente el chelo paso de ser un simple bajo continuo a ser un instrumento utilizado también en la música popular. Se puede apreciar al instrumento desde obras como "Viva La Vida", de Coldplay, dentro del pop (https://www.youtube.com/watch?v=dvgZkm1xWPE); pasando por "Eleanor Rigby", de The Beatles, dentro del rock (https://www.youtube.com/watch?v=HuS5N); incluso el cello se presenta en numerosas canciones de la reconocida banda de heavy metal, Apocalyptica, reconocida justamente por el gran uso que le dan al instrumento (https://www.youtube.com/watch?v=m9xqO9kKqyk). En particular, el metal sinfónico es el precursor de la utilización del instrumento en este estilo de música (https://www.youtube.com/watch?v=aZsi2xwotlM). El chelo también es un instrumento capaz de trasmitir emociones, citando al chelista Asier Polo, ´´El cello es un instrumento que transmite muy bien la emoción porque tiene la tesitura de la voz humana. Por eso la gente lo entiende bien, porque se identifica más que con cualquier otro instrumento y es muy cantábile´´.

Referencias

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Violín

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Disposición material

Esta compuesto por dos partes principales: la caja y el mástil. Las dos están hechas de madera. La superficie de la parte superior del cuerpo, llamada tapa, o tabla de resonancia, y el fondo, o parte de atrás, son encorvados. Junto con las paredes, forjaran una caja hueca que actúa como resonador y amplifica las vibraciones de las cuerdas. La forma general del cuerpo es un poco similar a la del cuerpo humano; también parece tener una cintura. Dentro del cuerpo hay una barra armónica que transmite las vibraciones de las cuerdas.

El mástil consiste de una pieza tallada de madera, larga y delgada, llamada diapasón. Termina en su extremo superior en un clavijero que sujeta las clavijas de afinación, y en una pequeña sección curva situada sobre las clavijas, la voluta.

Sobre el diapasón y la tapa se sitúan las cuatro cuerdas:

1era cuerda: MI (E afinación en inglés), 2da cuerda: LA (A afinación en inglés), 3era cuerda: RE (D afinación en inglés) y 4ta cuerda: SOL (G afinación en inglés), o, en el contrabajo, aveces cinco.

Cada una de las cuerdas esta enrollada alrededor de una clavija de afinación y desde allí pasa por encima de una pequeña pieza de madera, la rejilla, a lo largo del diapasón, y luego por encima de otra pieza de madera hasta llegar al puente, donde están atadas a una tercer pieza de madera o plástico, el cordal.

Afinación de las cuerdas: El violín, se afina por intervalos de 5ta.

• Emplee un piano, diapasón de afinación, afinador, etc. y ajuste el tono de cada cuerda empleando las clavijas de afinación o el ajustador. Cuando gire la clavija, aplique una presión firme hacia el cabezal.

Partes necesarias

El arco, al frotar la cuerda entre el lugar donde acaba el diapasón y el puente, hace que la cuerda vibre libremente, produciendo un sonido, es fundamental para conseguir un buen sonido y una buena interpretación.

Partes del arco

La vara. La parte de madera del arco. Un buen arco es tradicionalmente de madera pernambuco, aunque también puede fabricarse en fibra de carbono o fibra de vidrio. Puede ser de sección octogonal o redonda, lo cual no es indicativo de que sea mejor o peor.

La nuez. Pieza móvil en la base del arco. Al moverse tensa y destensa las cerdas. Suelen tener una parte metálica en la base, más un anillo también metálica en la parte delantera por donde se introducen las cerdas. La nuez se mueve girando el tornillo.

Tornillo. La pieza en el extremo del arco cuyo movimiento giratorio permite tensar el arco.

El cuero. Ayuda a apoyar correctamente los dedos sobre el arco, al tiempo que protege la madera.

El entorchado. Es un alambre metálico enrrollado junto al cuero con la finalidad también de proteger a la madera del desgaste por rozamiento de los dedos

Las cerdas. Un arco tiene unas ciento cincuenta cerdas de cola de caballo (o material sintético en los más baratos), que se sujetan por un lado a la punta del arco y por el otro a la nuez. Una vez tensas, las cerdas del arco necesitan ser frotadas con resina especial de violín (colofonia más otros posibles componentes), que deposita sobre ellas una capa de polvo que es el que permite el agarre con las cuerdas y las hace vibrar.

Cómo debe ser un buen arco

Peso

Un arco normal pesa entre 55 y 65 gramos. Arcos pesados pueden dar un sonido más lleno al pegarse mejor a la cuerda mientras que los ligeros pueden ganar en los pasajes de virtuosismo y rapidez, pero pueden perder sonoridad y plenitud en notas tenidas. Lo fundamental es la sensación al empuñarlo. El peso ideal oscilaría entre los 60 y 62 gramos aunque también hay buenos arcos más ligeros. Un peso mayor refuerza el volumen pero puede ser más difícil para golpes de arco rápidos. Un arco demasiado ligero puede dificultar hacer vibrar las cuerdas.

Equilibrio

Un buen arco ha de ser equilibrado, lo que no significa obligatoriamente que tenga que ser más ligero. Sostener el arco en 45º puede ser una buena manera de sentir su equilibrio.

Cuanto más pesa un arco en la punta, más pesado parecerá. Afloja las cerdas y sujeta el arco entre el dedo índice y el pulgar, a unos 25 cm. del extremo de la vara (sin contar el tornillo). Si la punta baja, el punto de equilibrio del arco está demasiado adelantado. Un arco con el peso hacia la punta puede ser más fácil de manejar. El punto de equilibrio más atrasado puede parecer más ligero pero habrá que dirigir más el arco. Además, un buen arco debe tener la misma rapidez de respuesta en la punta, el centro o el talón.

Partes variables

Los accesorios del violín son todos esos elementos que podemos cambiar o modificar para facilitar el juego o tener alguna incidencia en la estética del instrumento. También existen las sordinas, que nos permiten practicar apocando el sonido casi llegando a ni escucharse, que usualmente se las para practicar, entre otras cosas. Comenzando por la cabeza de violin los accesorios son: las clavijas, el puente, el cordal, los tensores de afinación, la mentonera, el botón y las cuerdas.

Normalmente las clavijas, el cordal, la mentonera , el botón y las cuerdas, cuentan con el mismo diseño. Para estos elementos existe un gran numero de materiales y calidades. Los Luthiers procuran utilizar maderas duras con la finalidad de prolongar lo mas posible su durabilidad.

El puente es una pieza esencial del violín. Es el responsable de transmitir las vibraciones de las cuerdas hacia el interior de la caja de resonancia. Suele ser de Maple y existe una gran gama de calidades.

En cuanto a las cuerdas del violín existe un gran numero de marcas, calidades y modelos en el mercado. Las hay para intensificar la calidez y la riqueza tonal del violín y para fomentar e impulsar la brillantez.

Modo de mediación

Para interpretar el violín, existen numerosas y diferentes técnicas que permiten obtener una gran variedad de sonidos y la posibilidad de explorar al máximo el instrumento. Normalmente el violín se interpreta colocando la parte inferior del instrumento sobre la clavícula izquierda. Mientras que los dedos de la mano izquierda, a excepción del pulgar, se apoyan sobre las cuerdas. Con la mano derecha se sostiene el arco, mismo con el que se frotarán las cuerdas. Sin importar la laterización de la persona, (derecho o zurdo), esta es la forma mas común en que se comienza a interpretar el violín. Aunque existe el violín para zurdos, son muy pocos los violinistas que lo utilizan.

Link explicativo sobre como se toca tradicionalmente el instrumento: [15] https://www.youtube.com/watch?v=sjtuFG1SivU

Agenciamiento

Movimientos de la mano izquierda

Los dedos de la mano izquierda presionan las cuerdas contra el diapasón para poder reducir la longitud de las mismas. La longitud y la tensión, determinan la altura de la nota. La misma nota puede ser tocada en cuerdas diferentes, pero con sonido de color distinto, es decir, con mayor o menor calidez. Estas diferencias son explotadas por el violinista en función del efecto que esté buscando. Es importante señalar que, como el dedo pulgar solo nos sirve como punto de apoyo, para el violín nombraremos primer dedo al índice, segundo al medio, tercero al anular y cuarto al meñique.

Desmangar:

Técnica esencial que consiste en desplazar la mano izquierda a lo largo del cuello del violín, lo que nos da la posibilidad de tocar notas más agudas en la misma cuerda. A su vez, es un sistema que permite agregar dos octavas al violín.

Vibrato:

Es un movimiento realizado por la muñeca y por la punta del dedo en uso, de adelante hacia atrás sobre la cuerda. Así, la altura de la nota es modificada. La velocidad y la amplitud del vibrado quedan a la elección del interprete.

Trino:

Esta técnica consiste en alternar rápidamente dos notas separadas por intervalos que van desde la segunda menor (semitono) a la cuarta aumentada (seis semitonos). Se practica apoyando el dedo de la nota base en el diapasón, mientras que los otros apoyos y dedos se recuperan en ciclos, mas rápidos o mas lentos en la nota alta. La distinción entre el trino y la batería se encuentra en el intervalo (tono más abajo o más alto).

Dobles Cuerdas:

El intérprete aprende progresivamente a controlar sus dedos separadamente hasta encarnar notas diferentes sobre dos cuerdas o a colocar sus cuatro dedos al mismo tiempo en cuerdas distintas y al cambiar de posición tantas veces sea necesario.

Pizzicato Izquierdo:

Pellizcar las cuerdas con los dedos de la mano izquierda. Se pellizca la cuerda con el cuarto dedo si estamos tocando con el tercero, con el tercero si estamos tocando con el segundo y con el segundo si estamos tocando con el primero.

Glissando:

El dedo debe deslizar a lo largo de la cuerda ejerciendo la presión deseada. El efecto obtenido es muy característico y se puede realizar en alrededor de dos octavas, de graves a agudos o viceversa.

Armónico:

Se pone un dedo en un lugar específico de la cuerda, sin apoyo, con el fin de bloquear ciertos tipos de vibración: poniendo el dedo en el centro de la cuerda, por ejemplo, se estaría en el modo fundamental; al frotar el arco, se escucha el primer armónico una octava más alta que la nota obtenida en esta cuerda al aire. Para los de octava alta es recomendable pisar la nota fundamental con la parte lateral de la primera articulación del indice. De este modo, el cuarto dedo alcanza más cómodamente la octava de la fundamental que roza con la yema. Estos sonidos son llamados armónicos y tienen una sonoridad muy estridente.

Glissando Armónico:

Como lo indica su nombre, es una combinación de dos técnicas. Al realizar un glissando sin presionar la cuerda obtendremos todos los armónicos naturales y falsos de la cuerda y se escucha silbar al violín.

Movimientos de la mano derecha

Legato:

El intérprete frota las cuerdas con el arco sin hacer diferencia en cada nota, por lo que la interpretación es muy fluida. Idealmente, no se debe distinguir al oído la diferencia al tiro o empujar el arco. Estas dos palabras definen la ida y vuelta: tiramos cuando partimos del talón hacia la punta y empujamos cuando el movimiento es contrario.

Staccato:

Es una serie de pequeños golpes de forma repetitiva. Podemos hacer el staccato en una sola arqueada o alternando el sentido del arco.

Martelé:

Detener el arco durante un periodo de tiempo para que permita cortar el sonido, y por lo tanto, cortar cada nota. En el ataque, el arco esta pegado a la cuerda, después, aligeramos la presión súbitamente liberando el arco, jugamos con la velocidad; en cualquier posición del arco en donde decidamos efectuar el corte, solamente debemos contar con la presión del dedo indice de la mano que sostiene la vara.

La forma de la vara del arco es ligeramente curva por lo que da la facilidad y la posibilidad de efectuar diferentes tipos de saltos:

Ricochet: Es cuando el arco rebota mas de una vez en una sola arqueada. La velocidad es variable dependiendo del punto de lanzamiento y la altura.

Saltato: Es cuando se pone a saltar naturalmente al arco en su parte central sobre el violín, tirando y empujando rápidamente con una ligera presión del dedo indice.

Spiccato: En el primer tercio o en el segundo cuarto del arco, se hace saltar con un movimiento de ida y vuelta pero solo utilizando la muñeca y no el brazo entero; debe ser un movimiento sutil.

Dobles cuerdas y acordes:

El arco puede estar sobre dos cuerdas vecinas al mismo tiempo, y podemos tocar dos partes diferentes simultáneamente. El intérprete puede, apoyando un poco más, poner en relieve tres cuerdas casi en el mismo plano tocando un acorde de tres notas, casi en el mismo momento.

Pizzicato:

El intérprete pellizca las cuerdas del violín con los dedos de su mano derecha. Ésta técnica es generalmente utilizada para acompañamientos y piezas de jazz.

Col Legno:

No son los crines del arco las que se ponen en contacto con las cuerdas del violín, sino la madera del arco. El efecto obtenido al frotar las cuerdas no tiene mucho interés ya que es casi imperceptible. En ocasiones se trata más de pegarle a las cuerdas que de frotarlas ya que se puede obtener un aspecto de percusión.

Interfaz

Este instrumento no posee una interfaz extra como mediador entre el sonido y el ejecutante.

Mapa de mediación

La historia del violín está llena de personalidades importantes como Vivaldi y Bethoveen entre otros, además es un instrumento que ha sufrido muchas modificaciones siempre buscando mejorar la calidad del sonido.

Entre todos los instrumentos de la orquesta el violín es el más romántico y uno de los más antiguos.

No es posible determinar cuál fue el primer violín de la historia pero su tradición musical se remonta casi a cuatro siglos. Los instrumentos de cuerda se usan hace miles de años, pero los primeros que se tocaban con arco aparecieron alrededor del año 900 A.C.

Los violines primitivos tenían diversos nombres, según los países de origen, como el casi universal REBAB o RABAB conocido en Europa como RABEL.

• https://www.youtube.com/watch?v=HuM1XZOg2GQ (Exposición de un violín Rabel por Francisco Astorga).

En el siglo XV aparecieron en Europa dos tipos de violines:

Uno de ellos se colocaba derecho, apoyado en la rodilla. En el mástil llevaban trastes de tripa, semejantes a los de la guitarras modernas y se llamaba Viola.

Durante 300 años fue popular, luego se dejó de usar a principios del siglo XVIII.

El segundo tipo se sostenía sobre el brazo o bajo el mentón y no tenía trastes, ya estos eran violines y adquirieron su forma actual hacia los primeros años del siglo XVI. Los más antiguos tenían 3 o 5 cuerdas, pero a mediados del siglo XVI se adoptó el mínimo invariable de cuatro.

Los violines de entonces y por lo menos hasta el 1800 tenían el mástil y el batidor bastante más cortos que los instrumentos actuales.

Uno de los más antiguos violines que se conocen se encuentra en el ASHMOLEAN MUSEUM DE OXFORD.

• https://www.ashmolean.org/musical-instruments (Museo Ashmolean de Oxford, Instrumentos Musicales).

Lo construyó el italiano Andrea Amati (1505-1580 aprox.) y está fechado en 1564. Amati fundó una célebre familia de constructores de violines, afincada en la ciudad de Cremona en el norte de Italia. Los albores del violín coinciden con los del Alto Renacimiento, donde se dio un ambiente artístico muy propicio para el momento de instrumentos musicales de gran belleza. Los Amati mantuvieron la tradición familiar hasta el siglo XVIII.

Teleología

El violín pasó a ser la piedra angular de la orquesta, tanto de ópera como de ballet o de concierto. Entre las primeras obras orquestales hubo un género conocido como el CONCERTO GROSSO que alternaba un pequeño grupo de instrumentos solistas con el resto de la orquesta. El concepto evolucionó a principios del siglo XVIII transformándolo en el 'concierto SOLO.

• https://www.youtube.com/watch?v=2kaNnZFosm8 (Concerto Grosso in D menor - Vivaldi)

Antonio Vivaldi

Antonio Vivaldi (1677-1741) fue de suma influencia, su concepto del concierto se inspiró en la ópera de ahí que sus obras sean un diálogo entre solista y orquesta.

Niccolò Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782-Niza, 27 de mayo de 1840) fue violinista, violista, guitarrista y compositor italiano. Está considerado uno de los violinistas más virtuosos de todos los tiempos, y contribuyó con sus aportaciones al desarrollo de la moderna técnica violinística. Sus 24 caprichos para violín Op. 1, son una de sus obras más conocidas y han servido de inspiración a numerosos compositores posteriores. Llegó a poseer cinco violines, dos Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius (su violín favorito) llamado Il Cannone.

Su imaginativa técnica influyó notablemente en compositores posteriores como Julián Carrillo, Franz Liszt, Johannes Brahms, Serguéi Rajmáninov, Boris Blacher, Andrew Lloyd Webber, George Rochberg, Witold Lutosławski, Robert Fripp e Yngwie Malmsteen entre otros.

• https://www.youtube.com/watch?v=Ffvww1dqxkU (Paganini Caprice no.13, interpretado por Alexander Markov).

El violín Stradivarius

Las exigencias de la música empezaban a superar por entonces la capacidad del violín.

Hacían falta sobre todo instrumentos de mayor sonoridad para las partes solistas de los nuevos conciertos. Y gracias a la necesidad surgió el hombre: Antonio Stradivarius (1644-1737), este señor no pasa desapercibido en la historia del violín ya que se le considera el más grande constructor de violines italiano no sólo construía sino que también experimentaba infatigablemente. Se estima que a lo largo de su vida Antonio Stradivarius construyó cerca de 1200 violines, de los cuales sólo quedan unos 600. En toda la historia del violín el siglo XIX fue la edad de oro del repertorio para violín, casi todos los grandes conciertos se escribieron en su transcurso.

El primer concierto “romántico” fue de Ludwig Van Beethoven (1770-1827), que tocó el violín en su juventud. Beethoven iniciaba su concierto con una larga introducción para orquesta antes de dar entrada al solista. Pero Felix Mendelsshon (1809-1847) aportó una importante innovación: suprimió la introducción. El solista era casi desde la primera nota con una frase lírica que se remonta hasta las mayores alturas en el registro del violín, explotando al máximo el nuevo arco y las modificaciones introducidas.

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El violín eléctrico, último hito en la historia del violín

Los violines eléctricamente amplificados se han utilizado de una forma u otra desde la década de 1920; Stuff Smith (artista de jazz y blues) se le conoce como uno de los primeros los primeros en adaptar amplificadores a violines.

Desde entonces los violines eléctricos son producidos y vendidos en todo el mundo aunque los expertos dicen que es imposible comparar el sonido de un violín eléctrico con el de un violín tradicional.

Tipos de violín

Los violines mayormente se clasifican por tamaño, siendo los más conocidos 4/4 (cuatro cuartos), 3/4 (tres cuartos), 2/4 (dos cuartos) y 1/4 (un cuarto).

Para escoger uno, se deben tomar en cuenta las medidas del instrumento con respecto al tamaño del músico y, sobre todo, a la longitud de su mano.

Diferentes tipos de violines

El violín 4/4 posee una longitud de aproximadamente 35,5 cm, un ancho máximo de 20 cm, y un alto de 4,5 cm, lo que lo hace el más grande y es el utilizado por los adultos. Los violines de tamaño menor están destinados a jóvenes y niños.

Los violines también pueden clasificarse de acuerdo a su fabricación, catalogándose como violines de élite, pre-fabricados o de fábrica.

Los violines de élite son aquellos que son elaborados a mano, por lo general son fabricados en países europeos como Italia y Alemania. Tienden a ser muy costosos debido a su alto nivel de calidad y trabajo manual. Los pre-fabricados los cuales son los elaborados por máquinas donde el fabricante se encarga de ensamblar las piezas. Finalmente, los violines de fábrica son aquellos elaborados completamente por una máquina. No son los de mejor calidad, pero sí tienden a ser los más económicos.

Referencias

1. https://drive.google.com/drive/u/0/folders/0B_cN-bz0aPUjcVlmLTBIQWxWNWs
2. http://www.get-tuned.com/history-of-the-violin.php
3. http://www.bartruff.com/history/
4. https://palomavaleva.com/es/violin/
5. – Guía Mundimúsica de Violín y Viola de Hugo Pinksterboer (Mundimúsica ediciones).
6. – El violín. Ami Flammer & Gilles Tordjman. Editorial Labor.
7. http://www.violinist.com/
8. https://es.wikipedia.org/wiki/Niccolò_Paganini
9. https://www.deviolines.com/anatomia-de-un-violin/
10. https://www.deviolines.com/el-arco/
11. http://historiadel.com/violin/
12. https://musica-barroca.com/violin/

Teleología

La palabra violín proviene del diminutivo de viola. El violín es el instrumento con registro soprano de la sección de cuerdas clásicos que incluye el chelo, la viola y el contrabajo. Es dinámico y posee gran flexibilidad en su rango tonal. Está construido con diferentes tipos de madera (Maple, ébano, pícea, palo de rosa, entre otros) ensamblados y pegados entre si. Ha sido durante mucho tiempo uno de los instrumentos predilectos como solista para muchos compositores.

Casi todos los grandes maestros de música orquestal desde el periodo barroco han escrito conciertos para violín, para exhibir el tremendo registro, la versatilidad y las posibilidades de expresión del mismo.

==Referencias==

Xilófono

El Xilófono, Xylophone (ING), Xilofono ó Silofono (ITA), Xylophone o Claquebois (FRA), Xylophon ó Holzharmonika (ALE) es un instrumento de percusión compuesto principalmente por placas de madera dispuestas como un piano y con altura determinada, pertenece a la familia de los idiófonos. Estos tienen la particularidad de sonar por vibración de su propio cuerpo, un ejemplo de ello son los triángulos, platillos y cajas chinas. Aunque en el caso de los vibráfonos, marimbas y campanófonos están conformados por varios cuerpos vibrantes que se combinan en un solo instrumento, tal es el caso de las teclas del vibráfono o los tubos del campanófono. El Xilófono fue el primer instrumento de percusión con láminas en obtener un lugar permanente en la orquesta y su sonido se puede definir como seco, duro, crispado y de poca duración. Se lo considera un instrumento de transposición debido a que tiene la particularidad de sonar una octava más alta que lo escrito; no obstante, algunos compositores optan por escribir la altura real, aunque para este procedimiento se debe indicar una referencia al inicio de la partitura. Se pueden encontrar varios tipos de registros que van desde bajo, contralto y sopranos.

Disposición material

Su construcción esta basada principalmente en madera. No obstante, los xilófonos utilizados en orquestas están construidos en madera y apoyados sobre una base metálica en la que muchas veces se colocan ruedas en sus extremos inferiores para facilitar su traslado.

Partes necesarias

Láminas o placas de madera dura (rosewood o palo de rosa, abedúl japonés) de variadas longitudes que le permiten al instrumento emitir frecuencias o registros diferentes, para aumentar su sonoridad o resonancia posee tubos de aluminio, dispuestos en forma vertical, debajo de cada una de las placas. También utiliza cuerdas o almohadillas de fieltro que sostienen las teclas en sus puntos nodales sobre el resonador.

Especificaciones y medidas de las placas: Ancho: 2.5–4.5 cm. Espesor: 1,5–2,5 cm. Longitud: 13.5–38 cm.

Base en forma de trapecio: Longitud entre aproximadamente 120–145 cm (3½ octavas) y 103–106 cm (3 octavas). Ancho: 55–80 cm. Alto: 83-95 cm.

Peso aproximado con soporte 22-36 Kg.

Partes variables

La base de apoyo y sus ruedas. Las baquetas o elementos que ejerzan como tal.

Modo de mediación

El modo tradicional de ejecución es golpeando las placas con diferentes tipos de baquetas usualmente de madera y plástico, aunque también se lo puede golpear con otros elementos de distintos materiales dependiendo del sonido deseado, como por ejemplo variaciones de caucho, metales y plásticos y/o combinaciones de todos ellos.

Agenciamiento

El modo tradicional de ejecución es con la utilización de baquetas con diferentes tipos de cabezas. El material con el que esté construida dicha baqueta, y principalmente su cabeza, le permitirá al ejecutante obtener del instrumento una gama de timbres y volúmenes que se ajustarán al carácter de la obra y a la respuesta del instrumento. Es decir, para obtener sonidos fuertes se usan baquetas de ebonita, caucho duro o plástico y en algunas ocasiones de madera dura, en los registros agudos el caucho no tiene la misma respuesta ni eficacia. Por otra parte, para obtener sonidos suaves, brillantes y penetrantes; ubicados en el registro superior, se emplean las baquetas con cabeza de hilo. No obstante, si se utilizan las baquetas adecuadas se obtendrá un sonido uniforme en todo el instrumento.

Los percusionistas utilizan muchos martillos y mazos diferentes. En el xilófono, generalmente se usan mazos con un eje ligeramente flexible y una cabeza pequeña y redonda. En el xilófono, se prefieren los mazos más duros debido a las propiedades tonales particulares que ofrecen. Las baquetas se dividen en ocho grados de dureza: extra duro, muy duro, duro, medio duro, medio suave, suave, muy suave, extra suave.

Ficha técnica:

Longitud del eje: 30–40 cm.

Diámetro de la cabeza: 2–2.8 cm.

Material: ebonita, palisandro, Lexan, ABS, caucho, envoltura de hilados.

La forma convencional de tocar el xilófono es posicionarse en el centro y de frente al mismo con la espalda recta pero relajada. Las baquetas ubicadas cada una en una mano, se sostienen entre los pulgares y la primer falange del dedo índice (se denomina a este agarre punto de pivote), mientras que las muñecas son las encargadas de moverse suavemente hacía arriba y abajo para lograr el golpe, las palmas deben mirar hacía adentro. El nombre de la técnica se conoce como agarre o empuñadura emparejada. Para lograr los registros mas bajos se golpea en el extremo izquierdo y los registros altos en el extremo derecho, quien ejecute debe volver siempre al centro del instrumento. Las notas se consiguen golpeando en el centro de las placas o láminas, los sostenidos y/o bemoles se ubican en la parte superior del xilófono, igual que en la disposición del piano. La gama típica de sonidos va de F3 a C8 (349 - 4186 Hz), esta nota de arriba es la misma que la nota más alta en un piano. Tiene barras más estrechas y más gruesas que la marimba, contribuyendo a una mayor velocidad de onda y un mayor tono para una determinada longitud, que la de la marimba. El xilófono tiene un sonido agudo y brillante que se atribuye a las barras gruesas y rígidas y a la presencia del primer sobretono reforzado.

Concierto para violín en Lam Primer Movimiento Bach

Britain´s got talent Xylophone

Ejecución con baquetas de madera sin cabeza.

Técnicas de ejecución del Xilófono

Interfaz

No posee interfaz

Mapa de mediación

El origen del xilófono se remonta a la época prehistórica en el sureste de Asia en el siglo XIV, cuando en los pueblos primitivos colocaban varias láminas de madera sobre sus piernas con un pequeño distanciamiento entre sí, y eran golpeadas obteniendo un sonido armonioso en esa época. La palabra xilófono viene de los vocablos griegos xylon (madera) y pone(sonido). En el siglo XV este instrumento llegó a África, donde se extendió rápidamente por todo el continente y se convirtió en un instrumento importante para las prácticas musicales, celebraciones y eventos de esa cultura. Posteriormente los esclavos africanos llevaron el xilófono a Latinoamérica, en donde en algunos países se le llamó marimba. Fue el teórico francés Marín Mersenne quién planteó un concepto de xilófono, en el que lo describió como un instrumento donde sus barras puestas como teclado, eran percutidas por un par de martillos. Entre el siglo XVIII y XIX, se empezaron a crear xilófonos con gran variedad de teclados, entre los que se destacó el de Heinrich Nicolaus Gerber, que inventó un xilófono similar a una extensión de 4 octavas, en las que las teclas estaban unidas por una especie de bolas de madera que golpeaban las barras y producían el sonido. Aunque el xilófono llegó a Europa en el siglo XVI, no fue popularmente reconocido hasta mediados del siglo XIX. Josef Gusikow fue quien hizo popular este instrumento en todo el mundo, ya que fue el primero en dedicarse a tocar como solista el xilófono y a realizar giras musicales. El modelo del xilófono de Gusikow estaba compuesto por 4 hileras y un total de 28 barras afinadas con tonos y semitonos y puestas en un soporte en forma de trapecio. En el siglo XX la popularidad de xilófono se desbordó y cada vez llegaba a mas partes del mundo, ya que se empezó a usar en las orquestas sinfónicas y adquirió un desarrollo completo, con un aspecto físico más técnico que le daba mayor facilidad al percusionista de tocarlo.

La afinación y secuencia de las placas difiere de cultura a cultura, sin embargo, todos los xilófonos tienen en común la posición de las láminas en escala de grave a agudo, de izquierda a derecha respectivamente. En Africa se lo conoce por diferentes nombres, por ejemplo la amadinda o akadinda (Uganda), el balafon (Sudan), la carimba (Angola), la kidimba (Congo), la kundung (Nigeria), la marimba (Congo) y la silimba (Sudáfrica). En Asia se lo conoce como bakagong (Malasia), gambang (Indonesia), dan go (Vietnam), gabbang (Bali), gambang calung (Java), muqin (China), patatag (Filipinas), patti taranga (India) ranat ek (Tailandia).

El xilófono pertenece a la familia de los idiófonos aquellos instrumentos que producen el sonido por vibración de su propio cuerpo.The golden age of Xylophone. Fue uno de los instrumentos más utilizados por Carl Orff [16] un pedagogo musical Alemán que desarrollo un sistema o modelo educativo musical para niños basado en la experimentación y desarrollo de la creatividad.

Teleología

Debido a su capacidad para tocar notas brillantes e incisivas, al xilófono de la orquesta clásica moderna se le ha asignado la tarea de acentuar las notas superiores de una línea melódica o de duplicar la línea de la melodía de otro instrumento una octava por encima de ella. Otro papel "clásico" del xilófono es la duplicación de ataques rápidos y figuras una o dos octavas más altas, por ejemplo, para mantener una nota el instrumentista debe hacer un redoble con dos baquetas. Estas combinaciones de sonido logran un sonido brillante que se puede escuchar por encima de toda la orquesta. Concertino para xilófono y Orquesta.

En la música del siglo XX, el número de tareas confiadas al xilófono ha aumentado. En conjuntos presenta cada vez más como un solo instrumento. Su sonido es adecuado para todas las tareas, desde la interpretación en solitario hasta la asimilación en el fondo tonal general.

Xilófono y otros instrumentos de percusión: Combinación de sonido completo al unísono y octavas con la celesta y el glockenspiel. El xilófono es dominante.

Xilófono e instrumentos de latón: Efecto penetrante al unísono y octavas con la trompeta. Las combinaciones de octava y octava doble son posibles con la trompa y el latón inferior; en estas combinaciones, el xilófono suena como una especie de matiz estridente.

Xilófono e instrumentos de viento de madera: Buenos efectos al unísono y octavas con los vientos de madera más altos, como la flauta, el clarinete y el oboe. El xilófono es dominante. En las combinaciones de octava y octava doble, el xilófono suena como un matiz estridente.

Xilófono y cuerdas frotadas: Combinaciones de sonido completo al unísono y octavas con el violín y la viola. El xilófono es dominante y le da al pizzicato de las cuerdas un poco más de ventaja, lo que le permite afirmarse mejor. En las combinaciones de octava y octava doble, el xilófono suena como un matiz estridente.

Xilófono y arpa: Combinaciones de sonido completo al unísono y octavas con el arpa. El xilófono es dominante.

Referencias

Escuela Orff: un acercamiento a la visión holística de la educación y el lenguaje de la creatividad artística Link - Material utilizado para ampliar el campo teleológico.

Vienna Symphonic Library Link - Información utilizada para todos los campos.

How products are made Link - Material utilizado para desarrollar todos los campos.

Historia del Xilófono Link - Material utilizado para agregar información a la teleología y mapa de mediación.

Piston, Walter. Orchestration, W.W. Norton & Company Ltd., Nueva York, 1955. Material utilizado para conceptos de teleología, disposición material y descripción.

Adler, Samuel. The Study of Orchestration. W.W. Norton & Company Ltd., Nueva York, 1982. Material utilizado en descripción, agenciamiento, teleología, disposición material.

Física del Xilófono y la Marimba Link - Material utilizado para ampliar agenciamiento.