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El armonio o harmonium (también denominado harmonio o armonium) es un instrumento de viento con teclado, en apariencia similar al órgano, pero sin tubos y de mucho menor tamaño. Se lo clasifica como un instrumento aerófono de lengüeta libre.
Disposición material
Los ateriales necesarios para su construcción so:
Madera, fuelles, lengüetas de metal, válvulas, teclas, pedal, tiradores
Partes necesarias
Armonio de pedal: partes
Teclas: Pulsando el teclado se acciona el fuelle, se permite el paso del aire y se obtiene la nota ejecutada .Las teclas están pintadas de color blancas (tonos) y negras (semitonos)
Válvulas: Controlan el volumen
Lengüetas de metal: Los conjuntos separados de lengüetas proporcionan diferentes colores de tono
Fuelles: La entrada de aire se produce por medio de fuelles, accionados mediante pedales por el mismo intérprete, o manualmente en el Armonio de mano.
Pedales: Sirve para bombear el aire a los fuelles. En el armonio de mano, se quitó el pedal, y los fuelles se accionan manualmente.
Tiradores o perillas de registro: Permiten el paso de aire a unos u otros juegos de lengüetas. Con este sistema se consiguen producir sonidos diferentes en timbre, altura o matiz; además de poder dividir el teclado en dos secciones. Algunos armonios de mano (Dwarka), no poseen estos tiradores.
Modo de mediación
El armonio a pedal se ejecuta con ambas manos el teclado, sentado en una silla y bombeando el aire a los fuelles con los pedales en la parte inferior del mismo.
El armonio de mano, se ejecuta con una mano el teclado, y con la otra se bombea el fuelle.
Agenciamiento
El armonio de pedal de Alexandre Debain y otros fabricantes franceses, tiene un teclado que se ejecuta con ambas manos y sentado en un taburete o silla, el ejecutante debe pedalear con los pies para generar el aire. Cuenta también con un sistema de registros accionados mediante tiradores, que permiten el paso de aire a unos u otros juegos de lengüetas. Con este sistema se consiguen producir sonidos diferentes en timbre, altura o matiz; además de poder dividir el teclado en dos secciones. Algunos armonios cuentan incluso con un registro que se acciona con las rodillas y permite el paso de aire por todas las lengüetas. De este modo se llegan a simular cómodamente dos y hasta tres teclados distintos. Tambien se construyeron armonios con dos o incluso tres teclados. Sus fuelles más grandes a menudo requerían un bombeo adicional por parte de un asistente que accionaba una palanca en el costado, mientras que el músico bombeaba los pedales como de costumbre.
Años mas tarde, en India, Dwarkanath Ghose simplificó y modificó el instrumento para tocar el teclado con una mano, mientra que con la otra mano se pueda mover el fuelle para bombear el aire. Esta adaptación mas reciente del instrumento es mucho mas reducida en tamaño que el original, por lo que permite poder ejecutarlo sentado en el piso.
Interfaz
El sonido es producido cuando son accionadas las teclas, y el viento es enviado por un pedal (accionado con el pie). El teclado puede tener una extensión de cuatro a cinco octavas, y tiene una disposición similar a la del piano. El volumen se controla mediante una válvula de aire operada por la rodilla o directamente desde los pedales de fuelle mediante una parada de expresión que permite que el suministro de viento pase por alto el depósito. También cuenta con unos tiradores, que al mover las perillas hacia afuera, permiten producir timbres, alturas y matices diferentes.
Mapa de mediación
El primer instrumento del grupo de armonio fue la fisarmónica, inventada en 1818 por Anton Haeckl en Viena. Su invento se inspiró en el órgano deboca chino, o sheng , que, llevado a Rusia en la década de 1770, introdujo la caña libre en Europa y despertó el interés de ciertos físicos y músicos. Ahora extintos, otros tipos (como la serafina de John Green) aparecieron.
El prototipo del armonio fue diseñado por Christian Gottlieb Kratzenstein, un profesor, no de música sino de fisiología, en la Universidad de Copenhague.
Alexandre Debain fué quien patentó el harmonium en París el 9 de agosto de 1840 en Francia. En este instrumento utilizó un sistema de bobinado a presión, con cañas libres. Desde entonces su invento es utilizado por muchos otros. El harmonium fue producido por muchos otros durante la segunda mitad del siglo XIX. Las composiciones para el instrumento incluyen numerosas obras de los compositores franceses César Franck y Louis Vierne y un cuarteto para dos violines, violonchelo y armonio del compositor bohemio Antonín Dvořák . En la primera mitad del siglo XX, miles de armonios encontraron su camino hacia hogares, capillas, escuelas dominicales, catecismos y aulas escolares holandesas. Johannes de Heer publicó un himnario en inglés con textos en holandés, que se hizo muy popular junto al Salterio de Ginebra. Johannes Worp, organista del Martinikerk de Groningen, se hizo extremadamente popular en los círculos calvinistas por sus armonizaciones de Salmos e Himnos, adecuados para tocar en los órganos del hogar y de la iglesia. Se publicaron muchos libros de partituras de armonio, organizados para música secular y religiosa.
Armonio de mano (Dwarka)
En el siglo XIX, en Calcuta, India, Dwarkanath Ghose (Dwarkin & Son) modificó el instrumento para que fuera bombeado por una mano, mientras la otra tocara solo la melodía, obteniendo un auge espléndido en algunos paises asiáticos, hasta nuestros días, siendo un instrumento importante en muchos géneros de la música india y pakistaní . Por ejemplo, es un elemento básico de la música clásica del norte de la India y los conciertos Sufi Muslim Qawwali . Se encuentra comúnmente en los hogares indios.
El armonio a pedal se utilizaba en iglesias y sobre todo en hogares como acompañamiento para cantar salmos e himnos religiosos.
Actualmente el armonio de mano se utiliza como acompañamiento, y como instrumento principal, en la música devocional del norte de la India (Bhajan y Kirtan), y en la musica Sufi Muslim Qawwali.
Generalmente, el instrumento convencional está fabricado con madera. A lo largo de la historia, se han utilizado diferentes tipos de madera para su contrucción (haya, arce, palisandro, pino). En cuanto a las cuerdas, en el arpa moderna, se constituyen de tripa de carnero, nylon, alpaca y/o cobre.
Partes necesarias
El arpa tiene una estructura triangular con tres partes bien diferenciadas:
Registro del Arpa, en notación musical.
La caja de resonancia: es la parte del arpa que está en contacto con el cuerpo del arpista. Es hueca y puede estar constituida por varias piezas de madera ensambladas o puede estar excavada en un una única pieza. Su parte superior, llamada tapa o tapa armónica, es atravesada por las cuerdas. Su función es, lógicamente, amplificar el sonido de las cuerdas.
La consola: es la parte superior del arpa que contiene las clavijas, que actúa como cordal.
La columna: es la pieza que cierra el triángulo del arpa y cuya función es la de mantener fija la distancia de las cuerdas, soportando la tensión que éstas generan cuando son afinadas. En las arpas clásicas, además, la columna lleva en su interior los cables del mecanismo de los pedales que permiten alterar la afinación de cada cuerda.
Partes del Arpa.
La mayoría de las arpas modernas poseen 47 cuerdas de diferentes materiales y registros: de registro medio y agudo: son 35 cuerdas construido a base de tripa animal. De registro grave: son de cobre y están entorchadas con acero
En la base del instrumento se encuentran los siete pedales (uno por cada nota natural) que permiten obtener los sostenidos y bemoles de cada nota. Cada uno de estos pedales tiene tres posiciones: la intermedia, que mantiene la afinación natural de la nota, mientras que las otras dos posiciones suben o bajan un semitono a todas las cuerdas de una nota, en distintas octavas.
Partes variables
Las partes y tamaños que pueden se modificadas sin alterar la particularidad del instrumento pueden ser: la caja armónica, el clavijero, la cantidad de cuerdas, además de los distintos tipos de maderas utilizadas para su construcción.
Modo de mediación
Los arpistas suelen ejecutar el instrumentos sentados (dependiendo del tamaño del instrumento) y en menor medida, de pie.
En el arpa de pedales se utilizan solamente 4 dedos de cada mano (se excluye el meñique) y las cuerdas se atacan punteando las yemas de los dedos (a diferencia de las arpas folklóricas que frecuentemente utilizan las uñas). Esto significa que únicamente se podrán tocar ocho notas simultáneamente. La mano derecha se encarga del registro agudo y la izquierda del grave. Esta, sin embargo, puede alcan-zar todo el registro del arpa. no así la mano derecha que cómodamente puede bajar sólo hasta el DO indice tres, en vista de que el arpa va recargada en el hombro derecho. Cabe aclarar que la posición de la mano derecha en lo que se refiere a la apertura de sus dedos primero y segundo (pulgar e indice), queda inver-tida con respecto a la posición del piano. Por eso. los arpegios y acordes son más cómodos. o mejor dicho arpisticos. cuando se colocan los intervalos de mayor extensión en estos dedos. Una mano normal puede fácilmente extenderse a octava y media, por lo que frecuentemente puede encontrar acordes con intervalosIde décima, oncena. etc., en los extremos.
Agenciamiento
Su agenciamiento convencional es pulsar las cuerdas con los dedos o una púa, también rasgueando las cuerdas, al igual que la guitarrra o el banjo.
Mapa de mediación
Las arpas se conocen desde la Antigüedad en Asia, África y Europa; se remontan al menos al año 3500 a. C. Este instrumento alcanzó gran popularidad en Europa durante la Edad Media y el Renacimiento, donde se evolucionó dando lugar a una amplia gama de variantes. Se extendió llegando a las colonias de Europa, logrando una especial popularidad en América Latina. Mientras que algunos miembros antiguos de la familia del arpa se extinguieron en Oriente Próximo y Asia meridional, hay descendientes de las arpas tempranas que todavía se tocan en Birmania y en África subsahariana, mientras que otras variantes difundidas en Europa y Asia han sido recuperadas por músicos en la era moderna.
Si bien existen instrumentos muy antiguos semejantes al arpa, debe tenerse en cuenta que la clasificación de Hornbostel y Sachs distingue entre las cuerdas vocales tipo arpa (con un mástil que cierra el arco) y los tipo arco (que no disponen de ese mástil). Así pues, varias de las primitivas arpas que aparecen en la historia del instrumento son literalmente, arcol mundo, al igual que en distintas épocas. Pertenece al grupo de los cordófonos. Se conocía ya en la antigua Asiria, en Israel y Egipto, de donde pasó a Grecia. Utilizaron el término griego ki‧thá‧ra para traducir la palabra kin‧nóhr más o menos la mitad de las cuarenta y dos veces que aparece en el texto hebreo. La ki‧thá‧ra era un instrumento parecido a la lira (en griego lý‧ra), pero con una tabla de resonancia más llana.
Fue un instrumento muy de moda durante la Edad Media, siendo abandonado durante el Renacimiento. Se recuperó en el siglo XVIII, cuando se le agregaron los pedales.
El arpa se utiliza como instrumento solista, de orquesta, se usa ampliamente en la música académica, normalmente para efectos como el glisando o los arpegios. En la ópera italiana y alemana se usa para arias románticas y bailes, como el «Vals de Musetta» en La bohème. Compositores franceses como Claude Debussy y Maurice Ravel compusieron conciertos para arpa y música de cámara que se siguen interpretando. Durante el siglo XIX, el compositor y arpista francés Nicolas Bochsa compuso cientos de piezas de todo tipo (transcripciones de ópera, música de cámara, conciertos, óperas, métodos para el arpa).
Referencias
Adler, Samuel, Estudio de la Orquestación, Idea Books, 2006.
El arpa (también conocida como harp en inglés, harpa en portugués, o harpe en francés) es uno de los más antiguos instrumentos de cuerda punteada formado por un marco resonante y una serie variable de cuerdas tensadas entre la sección inferior y la superior. El sonido se obtiene al tocar las cuerdas con los dedos. El músico que lo toca se llama arpista.
Las arpas tienen una larga historia ya que son uno de los primeros instrumentos conocidos por el ser humano. Ésta ha pasado por una serie de alteraciones que han aumentado gradualmente su tamaño y número de cuerdas, sin cambiar el armazón conceptual básico. El resultado final es el arpa contemporánea de doble-movimiento, que se desarrolló desde finales del S. XVIII, hasta principios del S. XIX. La predecesora del arpa de doble-movimiento fue el arpa cromática. El estudio de la Orquestación, Adler
El bandoneón (bandonio, nombre original en alemán) es un instrumento de viento de lengüetas libres diseñado en Alemania a mediados del siglo XIX. Su sonido característico lo hizo una pieza fundamental en la música y cultura del tango en Argentina por lo que ha logrado perdurar a lo largo del tiempo a pesar de ser un instrumento tan complejo tanto en la práctica del mismo como en su estructura interna.
Disposición material
El bandoneón es un instrumento aerófono portátil compuesto por dos cajas de madera con botones a los lados unidas a los extremos por un fuelle. El fuelle está formado por tres paneles de seis lonjas.
La cantidad de botones en cada bandoneón puede variar de 64 tonos con 32 teclas, 17 del lado derecho y 15 del opuesto; cada una de las teclas con una nota distinta. De 88 tonos con 44 teclas, 23 del lado derecho y 21 del izquierdo. En los países que comparten la cultura del tango se usó el modelo Rheinische Tonlage 38/33. Consta de 71 botones, 38 para el registro agudo y 33 para el grave. La variedad de bandoneones es muy grande y las disposiciones de los botones es en gran parte uno de los frecuentes cambios en cada modelo.
Dos sistemas de lengüetas metálicas ubicadas dentro de las cajas producen el sonido. Además posee una palanca que mediante una cuerda levanta una zapata que hace entrar o salir el aire y anula el sonido.
Partes necesarias
Las partes necesarias del instrumento son las cajas, los botones, las lengüetas metálicas, el fuelle, peines, celda, brazo de la zapata y palanca.
Partes variables
La cantidad de botones varía según el modelo.
Modo de mediación
Los botones que se encuentran a los lados de las cajas del bandoneón se presionan para controlar las notas que produce el instrumento. Al mismo tiempo se abre y cierra el fuelle que controla el flujo de aire en el instrumento y por lo tanto la intensidad del sonido. Por otro lado, el fuelle también controla la altura de las notas siendo que al abrirlo produce ciertas notas y al cerrarlo otras distintas.
Agenciamiento
En la convención el instrumento se toca usando las manos para sostenerlo y al mismo tiempo tocar los botones que producen las notas. Se abre y cierra el fuelle para controlar la intensidad y duración del sonido.
El bandoneón se puede tocar tanto parado como sentado pero con un pie de apoyo en el que se pone una manta y se apoya el instrumento de vez en cuando.
Interfaz
Mapa de mediación
El bandoneón tiene sus orígenes en la Alemania de mediados del siglo XIX aproximadamente. En un principio este instrumento fue pensado como un derivado de la concertina y el acordeón pero su sonido característico, sacro y melancólico, lo condicionó a que se utilizara para tocar obras religiosas. Por esto la disposición de sus botones facilitaba la interpretación de las mismas y en la actualidad esta disposición hace que los botones parezcan "desordenados" al tocar una escala.
Carl Friedrich Uhlig y Carl Zimmermann son considerados los principales contribuyentes al desarrollo y evolución del instrumento. Sin embargo, sus orígenes no dejan de ser inciertos para los historiadores por lo que el nombre del bandoneón proviene de Heinrich Band quien se encargó de ser uno de los primeros en poner al bandoneón al mercado.
Los primeros instrumentos fabricados por Heinrich Band tenían 56 tonos con 14 teclas bisonoras de cada lado. Luego se fabricaron con 64 y hasta 88 tonos. Band transcribió varias obras para piano adaptadas para el bandoneón y luego de su fallecimiento Alfred, su hijo mayor, publicó escalas y acordes en todas las tonalidades mayores y menores para la difusión del instrumento.
Con la aparición de las dos marcas más reconocidas de bandoneones a finales del siglo XIX, AA (doble a) y ELA, este instrumento llegó a la zona del Río de la Plata a manos de inmigrantes. En este proceso los nombres que se le dieron al bandoneón en la Argentina por los músicos de las clases más carenciadas fueron diversos. Entre ellos están: mandoleón, mandolión, bandoleón, bandolión.
Teleología
El bandoneón forma parte de la cultura del tango. En principio de la década del noventa y mediados de esta, el impacto del bandoneón en la música fue fundamental para el desarrollo del sonido característico del tango. Sin embargo, la incorporación de este instrumento en las orquestas de tango no fue hasta mediados de la década del 40. Esto se debe a que el tango en sus orígenes fue discriminado por élites que lo consideraban vulgar ya que se dice que parte del origen del mismo se dio en prostíbulos (https://www.youtube.com/watch?v=_7XZEFMV-uw&t=526s). Más tarde se lo consideraría al bandoneón un instrumento imprescindible para la composición de una obra de tango debido a que este tiene un sonido melancólico y oscuro característico del género.
El tango tuvo varias etapas de las que podemos destacar las siguientes:
Orígenes del tango (antes de 1895), La Guardia Vieja (1895-1925) a. La Eclosión (1895-1909), b. La formalización (1910-1925), La Guardia Nueva (1925-1950), a. La transformación (1925-1940), b. El Cuarenta: la exaltación (1940-1955), La vanguardia: la modernización (1955-1970), Período contemporáneo (1970-2000), a. La universalización (1970-1985), b. La perduración (1985-2000) y el Período actual (2000 en adelante).
Uno de los exponentes del bandoneón y del tango fue Astor Piazzolla. Sus obras son mundialmente reconocidas por ser tanto populares como ambiciosas y su marca en el tango actualmente es intachable.
Este instrumento, nacido como una ramificación del arco de música, es de origen africano y posee varios nombres según la región del mundo donde se la utilice (en regiones donde se habla el portugués berimbau, en Angola se lo llama Hungu o Mbulumbumba, en Benín Tiéporé y en Burundi Idono, Igubu, Umuduri, entre muchísimos nombres más.) Este instrumento fue llevado por los esclavos Angolanos a Brasil, desde el siglo XV, durante los períodos de colonización portuguesa en África, donde se lo utilizó desde entonces para acompañar una lucha acrobática llamada Capoeira. Dicha lucha forma parte de un ritual en el que se funden intenciones espirituales, acrobáticas, gimnásticas, musicales y de defensa personal.
El Birimbao está compuesto principalmente por cuatro elementos que lo caracterizan: una vara de madera flexible y arqueada, una cuerda de alambre, una calabaza hueca en la parte inferior y una pequeña piedra que se incrusta en la cuerda de alambre. Asimismo, al ser un instrumento percutido, es necesaria una baqueta o simplemente una barilla de madera para lograr la vibración del instrumento a través del golpe.
Partes necesarias
Verga: es una vara de madera flexible que se encuentra arqueada con una longitud de entre 1,5 y 1,7 metros; es realizada por una madera de beriba, o biriba, que es una planta muy común en las regiones de Brasil.
Arame: es una cuerda de alambre que por lo general se tiende a tomar de los neumáticos de los autos; la misma es tensada entre los extremos de la vara.
Cabaça: en la parte inferior de la vara se encuentra amarrada una calabaza con el fondo cortado. Esto se realiza con el fin de que la misma funcione como una especie de caja de resonancia.
Partes del birimbao
Partes variables
Dobrão: al Birimbao se le puede sumar una pequeña piedra o moneda, a la cual se le hace una incisión para que encastre en el alambre. La función que cumple dicho elemento es la de dar diferentes tonos y alturas, al posicionar la piedra en determinados lugares del Arame. Si ésta se coloca muy cerca del extremo superior del arco, el tono que creará será agudo. A medida que la posición del Dobrão vaya bajando a lo largo del alambre, irá produciendo alturas cada vez más graves.
Caxixi: es una pequeña cesta rellena de semillas. Ésta se utiliza en la misma mano que sostiene la baqueta, por lo que, cada vez que la vara impacta sobre el alambre, el Caxixi también genera un sonido de materialidad granulada.
Modo de mediación
La forma de producir sonidos con el Birimbao es golpeando con la vara de madera el Arame, lo que provoca que este alambre metálico vibre y genere un sonido propio de los instrumentos percutidos. Para poder lograr esto se usan primordialmente las manos, una sosteniendo el Birimbao y accionando el dispositivo del Dobrão, y la otra percutiendo con la vaqueta. Es importante aclarar que el contexto interpretativo de este instrumento suele darse en grupos numerosos de personas, incluso a veces con gente practicando la Capoeira. Por ello es que, también se utilizan los pies para marcar el tiempo musical y para generar una interesante puesta en escena del acto musical.
El birimbao consta básicamente de 3 sonidos principales que son:
Agudo
El agudo se llega a lograr cuando se tiene presionado de manera firme la piedra contra el mismo alambre y se va golpeando con la baqueta por la parte de arriba del Dobrão, con la calabaza despegada del abdomen del tocador.
Grave
El tono grave se genera al golpear el alambre sin tener que llegar a presionarlo, justo en la parte de arriba del mismo cordón de la calabaza. La calabaza también suele ir despegada del estómago del músico.
Escreshado
Por último tenemos el tercer tono, el escreshado. Éste se puede generar cuando se presiona de manera débil o sutil la piedra contra el mismo alambre que se encuentra enlazado en la vara. Luego se golpea con la baqueta por la parte de arriba de la misma piedra. La calabaza en este tipo de sonido va a ir pegada al abdomen del músico y a diferencia de los otros dos tipos de sonidos, el escreshado es una clase de sonido seco, sin tanta resonancia.
Descriptores: baquetas percutidas con distinta intensidad, percutido con baquetas más blandas
Agenciamiento
El/los Birimbao/s se coloca/n en círculo, rodeando a las personas que estén bailando la Capoeira, acompañando el momento ritualístico. En caso de que no se incluya el arte marcial como parte de la presentación, se colocan el Gunga o Urucungo, (que es el que produce los registros graves) a la derecha del/la director/a, el Meio (que produce los registros medios) en el centro y Viola (que produce los registros agudos) a la izquierda.
El Birimbao es de un origen africano. Su uso se encuentra documentado de una manera muy amplia en todas las regiones de África subsahariana, llegando a recibir distintos nombres en las diferentes lenguas y también en las distintas culturas del vasto continente. Este tipo de instrumento llegó a ser llevado por los mismos esclavos, los denominados angolanos, hasta las regiones de Brasil, en donde se llega a usar para el acompañamiento de una clase de lucha acrobática la cual es denominada la capoeira. Desde los siglos XV al XVI, Portugal transportaba esclavos a Sudamérica provenientes de África occidental. En el año 1544 se funda la compañía de Lagos, cuya finalidad era intensificar el tráfico de esclavos. A finales de siglo, Portugal recibía una media de 12.000 esclavos por año provenientes de Guinea, Angola, Mozambique y demás regiones africanas.
Brasil era uno de los destinos americanos para los cautivos africanos, alcanzando un 42% de todos los esclavos que cruzaban el Atlántico.
Los más vendidos habitualmente en Brasil eran Akan, Igbo, Yoruba, Dahomean, Muslim Guineanos, Hausa, y Bantú (entre ellos Kongos, Kimbundas, y Kasanjes) provenientes de Angola, Congo y Mozambique. Bajo condición de esclavos eran vendidos y llevados a trabajar a las plantaciones de caña de azúcar y algodón de los señores hacendados. Dada esta situación se produce la mezcla de los grupos africanos en las Senzalas (galpones muy reducidos donde dormían hacinados).
Otra teoría sugiere que la Capoeira se originó a partir de una danza de cortejo en Angola realizada por los pretendientes a jóvenes, o por lo menos fue uno de los componentes que la formaron, sin embargo, esta es una de tantas teorías. Hay controversia acerca de si el juego llegó con los esclavos africanos o si los africanos refinaron un juego brasileño preexistente. Indistintamente, el catalizador para la Capoeira fue la homogenización de los africanos bajo la opresión esclavista. La Capoeira surgió como una forma de resistencia a la opresión. Un arte practicado en secreto, una transmisión de cultura y un estímulo espiritual.
De acuerdo con el sonido de este instrumento, que, a la vez, depende únicamente de la tensión que posea el arco y también del tamaño y de la forma de la calabaza, puede llegar a clasificarse de la siguiente forma:
El Berra-Boi, que significa Marcación. Este es el que tiene la calabaza más grande por lo que emite un tipo de sonido mucho más grave para llegar a ser utilizado en vez del Gunga.
El Gunga o Urucungo, que es Grave o Solo.
El Meio, que significa Medio.
El Viola, el cual tiende a ser Agudo. Posee la calabaza más pequeña de todas; también es la que emite una clase de sonido que alcanza registros muy agudos.
Tipos de birimbao
Teleología
Muchos eruditos brasileños sostienen que la Capoeira nació como una forma de disimular el hecho de que los esclavos se estaban entrenando para pelear (contra sus dueños), ocultándola bajo la forma de una alegre coreografía de danza. Esto explica por qué actualmente la Capoeira se muestra como una mezcla de técnicas de lucha y baile fluido, en las que el Birimbao ocupa un rol fundamental y ancestral.
Bongó (Bongo drum, inglês, Bongo-Trommeln, alemán) es un instrumento musical del tipo membranofóno, su vibración se produce en una membrana tensa (conocida por parche). Es la unión de dos tambores, uno agudo y uno grave. Este instrumento de origen afro-cubana empezó a ser utilizado en los sextetos y septetos que interpretaban el "son" el gran percusor de la salsa, hoy se ha convertido en un instrumento imprescindible en muchos ritmos.
Disposición material
Los Bongós son tipos de instrumentos de percusión, que consiste en un par de tambores de una sola cabeza unidos con extremos abiertos. Su calidad va a depender de los materiales utilizados en su construcción. Tanto los tradicionales como los modernos son hechos con maderas gruesas y un bloque que se une a los dos tambores.
Entre el macho y la hembra, el femenino es lo más grande y se conecta al masculino. El armazón del tambor puede tallarse de una o varias piezas de maderas unidas para formar un núcleo fuerte, y él debe ser redondo y hueco, ya que esto afecta su calidad. Suele ser de 7 1/2 pulgadas (18,7cm) de profundidad, mientras que el tambor macho tiene una medida de 7 pulgadas (17,5 cm) y la hembra de 9 pulgadas (22,5cm). Tiene la cabeza está hecha tradicionalmente de pieles de animales. El tambor agudo se debe tocar muy tensado en contra del grave, que va mas suelto. Es importante que el sistema de tensado sea lo mas robusto posible. Se puede fabricar en cuatro tamaños: grave, agudo, más agudo y más agudo todavía.
Antiguamente los tambores se unían al armazón utilizando clavos o tacos, pero, para evitar errores en su fabricación comprometiendo su calidad y sonido, hoy en día los bongós utilizan anillas de afinación sin que haya huecos entre el ellas y el armazón, creando de esta manera un sonido cálido.
Partes Necesarias
Generalmente, está compuesto por dos cuerpos de madera, uno más pequeño que el otro, que están a su vez unidos por un listón de madera. En la parte superior puede está cubierto por una membrana superior tensa conocida con el nombre de parche y hecha de cuero sin piel. El sistema de tensión de la membrana consiste de aros, tornillos con forma de gancho usados para su afinación se suele afinar a distancia de cuarta o quinta justa.
Partes Variables
Es posible cambiar los cuerpos de maderas por cuerpos metales, de cerámica ó fibra de vidrio. Se suele variar la membrana superior por diferentes tipos de piel (pieles de becerro, buey ó de mula) y actualmente se utiliza material sintético como por ejemplo el plástico. Los clavos y tacos utilizados tradicionalmente, hoy fueron substituidos por anillas de afinación de metal ó de acero. Su fabricación puede ser hecha a mano ó en fábrica.
Modo de Mediación
El bongó se toca tradicionalmente con diferentes partes de la mano, es común ponerlo entre las rodillas de la persona sentada, ubicando el instrumento con un ángulo de inclinación de aproximadamente 45 grados hacia afuera. Con el pasar de los años, en la música contemporánea empezaron a percutir este instrumento, colocándoos sobre un sujetador (trípode) fijo donde se puede seguir utilizando las manos ó baquetas de caja suavemente.
Partes necesarias
Partes variables
Modo de mediación
Agenciamiento
Tradicional x Contemporáneo
Se puede utilizar los dedos y la palma de la mano para obtener una gran variedad de sonidos, en algunas ocasiones puede ser tocado con palillos o baquetas para generar distintos tipos de sonidos.
Se considera el parche macho agudo, a la derecha, y el parche hembra grave, a la izquierda.
Golpes básicos Bongó:
- Golpe con las yemas de los dedos, es decir, con la parte que forma los 2/3 superiores de los dedos, obteniendo un sonido abierto.
- Golpe de tono abierto, cuando se golpea el extremo del tambor con los nudillos de la palma, dejando que los dedos reboten en la parte principal de tambor y en el parche superior.
- Golpe seco, al golpear el centro con los dedos encorvados así se obtiene un sonido más opaco.
- Manoteo, cuando se apoya la mano en el parche superior del tambor y se intercambia usando la parte inferior de la palma y las yemas de los dedos.
Negra= Grave/ * = Agudo
- Golpe Martillo, es un ritmo básico de la salsa y de diversos tipos de música, es el ritmo más conocido y utilizado entre los bongoseros. La versión más elemental de este ritmo se cuenta "uno y dos y tres y cuatro y uno", con acentos en el uno y el cuatro. En los seguintes vídeos vemos ejemplos de diferentes tipos de ritmos en el bongó:
El bongó posee una historia cultural muy alegre [1], su evolución está ligada a la aparición y popularidad del sonido en las zonas montañosas del extremo oriental de Cuba, hacia fines de la primera década del siglo XIX. Del sonido surgieron dos clases de bongó: el bongó del son de montuno y el del son de changüí. La diferencia de ambos es que el bongó del son de changüí es más grande y de sonido más grave que el bongó del son de montuno. Fue a partir de 1909, en La Haba principalmente, debido al son de montuno que se logró ingresar a varias orquesta para dar su melodía única. Se considera que fue criado por el historiador y etnólogo de origen cubano, Fernando Ortiz. En su inovación con la música afrocubana, pero todavía existen controversias de historiadores que plantean una hipótesis en la cual se afirma que los bongós provienen de tribus africanas como los ñañigos o los abakua. Pero como tal, los actuales bongos sí se le atribuyen a Ortiz, quien los popularizó en el mundo entero. Entre los famosos bongoseros que ayudaron a atraer la atención internacional de los bongos se encuentran Agustín Gutiérrez, Antolín Suárez, Armando Peraza, Chino Pozo, Pedro mena, José Manuel Carriera Incharte, Romanocito Castroy Ralph Marzan, entre muchos otros.
The Percussion in the Orchestra
El bongó tiene un fondo abierto, similar a los tambores Bantu o Congo de África central, razón por la cual se cree que los bongos han sido influenciados por el diseño del tambor africano. Suele estar ubicado en la parte de atrás junto a los demás instrumentos de percusión en la orquesta, ya que hace parte de la familia de los membranófobos, que son aquellos cuyo sonido lo producen membranas que cuentan con una gran tensión. Aún en esta familia encontramos el tambor, el bombo y los timbales, que son instrumentos con una altura indeterminada [2] en la cual las notas no son distinguibles, solamente se perciben al agudo, medio y grave.
Participación tradicional del bongó en la orquesta:
El bongó tiene una gran variedad tímbrica, y cuando unido al grupo de instrumentos percutidos proporciona mayor diversidad de sonidos provocando así un enriquecimiento en la orquesta. Su principal función es dar estabilidad a la música en la que se esté tocando, creando un acompañamiento rítmico. Por medio del toque martillo ya mencionado anteriormente, que consiste en una secuencia de sonidos en alturas y timbres diferentes y hace parte de los esquemas propios elaborados para el bongó, puede ser utilizado como un ritmo individual ó para dar acompañamiento a otros instrumentos.
El cajón es un instrumento de percusión. Se utiliza mucho en sesiones acústicas para reemplazar a la batería tradicional. Se lo conoce como cajón peruano y tiene algunas variables como el cajón flamenco o el cajón cubano. En ocasiones es confundido con la caja caribeña dado que cuando esta tiene un tamaño grande también se la llama cajón pero haciendo referencia a una caja grande.
Disposición material
Existen muchas variaciones en cuanto a las maderas con las que se construyen los cajones pero la mas utilizada es la madera contrachapada la cual puede estar formada con varios arboles (abedul, chopo, haya, pino, etc.). Esta clase de madera se utiliza mucho por la resistencia que ofrece y sobre todo por ser mas económica que maderas como el cedro o la caoba.
Con el paso del tiempo muchos artistas han ido experimentando con distintos elementos y en consecuencia la construcción de los cajones se ha ido modernizando incorporando así cuerdas metálicas (también llamadas muelles),bordonas dentro de los cajones, el sistema de afinación directo (SAD) para las cuerdas, goma eva (a modo de asiento) en la tapa superior entre otras cosas.
grosores de los diferentes tipos de cuerdas o muellesSistema de afinacion directa (SAD)
Modo de mediación
El cajón se toca tradicionalmente con las diferentes partes de las manos, sentado sobre la tapa superior, sacando el coxis fuera del borde trasero del cajón dejando libre la tapa frontal.
Forma tradicional de tocar el cajón (En la foto Alex Acuña, reconocido percusionista)
Agenciamiento
El cajón tiene tres tipos de golpes básicos:
El golpe Slap o agudo, el cual es producido sobre la parte superior de la tapa frontal. Se produce separando los dedos, y buscando siempre el rebote del sonido. Para lograr este sonido se emplea la parte de la palma de la mano más próxima al tercio proximal de los dedos.
técnica de Slap o golpe agudo
El Bajo o grave, se consigue dirigiendo el golpe generalmente con la palma de la mano hacia el centro de la tapa frontal, buscando que golpee solo la palma y que no se contamine con sonidos medios o agudos.
técnica de golpe grave
El relleno o medio, está ubicado ente los golpes graves y agudos. Este es un golpe secundario ya que los dos golpes principales son el Slap y el grave.
Golpe relleno/sonido medio
Estos tres golpes emplean la mano de diferente manera, y la combinación del volumen y matices logrados va desde los más delicados y profundos hasta los más enérgicos, pero absolutamente todos los matices producen una vibración característica de la resonancia del cajón y dependen exclusivamente de su diseño
Interfaz
este instrumento no tiene interfaz
Mapa de mediación
El cajón es un instrumento de percusión. El origen es afroperuano. Fue creado por los negros esclavos en el Perú de la época colonial, dado que la iglesia prohibió el uso de los tambores por considerarlos instrumentos paganos. Ademas, el virreinato para impedir que los esclavos se comuniquen entre si y evitar que toquen el panalivio (un tipo de canción negra que mostraba en lamentos sus condiciones de esclavo) quemó todos los tambores hallados. Hacia 1813 desapareció toda referencia del tambor en documentos virreinales y aparecen hacia 1850 las primeras referencias al cajón como instrumento musical.
Ya que el factor principal era la percusión los negros esclavos se vieron obligados a buscar instrumentos, con los que pudieran expresarse y fue entonces cuando vieron en los cajones de madera, usados para transportar mercadería, un gran instrumento de percusión, usándolos así en sus ritos sagrados. Ante la prohibición emitida en el siglo XIX de usar el tambor, usaron distintos elementos para producir sonido como las cucharas de madera, las sillas, las mesas, las cajitas de limosnas o el checo (una calabaza hueca de unos 60 centímetros de diámetro, con un orificio en la parte posterior).
El cajón actualmente es incluido en el estudio de ritmos como el Festejo, Lando, Zamacueca, Vals, Folclore, Flamenco, Marinera y Panalivio. También es muy utilizado en sesiones acústicas de música contemporánea como el rock, el reggae, el pop, entre otros.
Las castañuelas son instrumentos de percusión fabricadas con madera: se trata de dos piezas cóncavas unidas por un condón que se deben hacer golpear ente sí para producir el sonido característico. Son similares a las chácaras pero de menor tamaño. La complejidad de la ejecución de este instrumento es una de las razones por las que no se hace presenta con frecuencia en las orquestas.
Algunos de los artistas destacados en este instrumento son Lucero Tena, Consol Grau Melet, Montserrat Carles, Belén Cabanes, Mar Bezana, Carmen de Vicente y Carmen Amaya.
Disposición material
Las castañuelas son un instrumento con el interior cóncavo, donde se generan sus resonancias características al golpear los de labios de ambas tapas o conchas.
Partes necesarias
Orejas: El sitio donde se colocan las cuerdas que unen ambas conchas de las castañuelas.
Puente: La parte más estrecha del instrumento, donde se enlazan las dos orejas.
Concha: El lugar donde se generan las resonancias.
Corazón: La zona cóncava de la cara interior de la concha.
Labios: Las orillas de la concha, que al golpearse entre ellos generan los sonidos.
Punto: La zona ubicada en la parte inferior en sentido vertical de la castañuela.
Los cambios que se pueden aplicar a este instrumento son muy reducidos. Para un par de castañuelas, el tamaño variará en busca de una mejor adaptación en relación con las manos de su ejecutante. Existen a su vez con la forma de dos castañuelas unidas en sus extremos superiores, a la altura de las orejas, por un mango que se debe agitar. Su material de fabricación tradicional es la madera dura, sin embargo, existe una variedad de castañuelas de marfil, mármol, fibra de vidrio y tipos de madera no tan dura que no resultan tan eficaces como el granadillo.
Modo de mediación
Antes de disponerse a tocar, es importante diferenciarlas entre sí de la manera adecuada: en la mano derecha irá la castañuela aguda o hembra (posee una pequeña ranura en la parte superior, a la altura de las orejas del instrumento) y en la izquierda la grave o macho.
Habiendo identificado cada una, el performer debe sujetar el cordón que une las dos mitades al pulgar, ajustándolo correctamente de modo que la resonancia pueda producirse, mientras que el resto de los dedos se emplearán para realizar los golpes: Con los cuatro dedos de la mano derecha se deben hacer movimientos para repicar el instrumento. Se comienza dando un golpe con el meñique, luego el anular, el mayor y, por último, el índice. Mientras que con la mano izquierda el golpe se realizará con el dedo mayor y el índice. Además, para hacer más efectivo el sonido que produce el golpe, se debe realizar un giro de muñeca, dado que las castañuelas quedan suspendidas entre las palmas de las manos y los dedos.
Las castañuelas son instrumentos idiófonos percutidos, es decir, que generan sonido con su propio cuerpo y, en este caso, sólo dependen de golpes producidos con la yema de los dedos.
Interfaz
Mapa de mediación
Se cree que el origen de las castañuelas se remonta tres mil años atrás, y se atribuye su creación a los fenicios. A su vez, en la cultura egipcia existían los crótalos (pequeños platillos –antiguamente de madera– que se anudan mediante tiras de cueros al dedo índice y el pulgar), parecidos al instrumento de la primer civilización. Eran utilizados en rituales funerarios y religiosos.
La actividad comercial llevó las castañuelas a la región mediterránea y así se instaló en España, Italia y otros países.
Como producto de la expansión las castañuelas se comenzaron a emplear en danzas de distintas regiones como, por ejemplo, en el flamenco en España (siglo XV) y otros bailes tradicionales en países de Iberoamérica y Portugal.
Así también, numerosos compositores optaron por sumar este instrumento a las obras escritas o adaptadas para orquesta ser interpretadas por una orquesta. Entre ellos se encuentran: Santiago de Murcia, Luigi Boccherini, Richard Wagner, Richard G. Strauss, Serguéi Prokofiev, Benjamin Britten y Joaquín Rodrigo.
Además, el sonido de las castañuelas pudieron escucharse en 1935, durante la primer etapa del cine mudo, ejecutadas por Carmen Amaya en la película “La hija de Juan Simón”.
Un ejemplo de Lucero Tena ejecutando las castañuelas en el Intermedio de “La boda de Luis Alonso ”, de Gerónimo Giménez:
Este instrumento es más popular en el flamenco y otros bailes tradicionales del folclore español, sin embargo, pueden hacerse presentes en las orquestas por el particular color que añade el sonido y ritmo del instrumento. Se hacen presente como acompañamiento musical y existen obras donde se proclama como protagonista.
La celesta ( o celeste) es un instrumento de percusión con teclado, corresponde a la categoría de idiófono. El registro de la celesta abarca entre cuatro y cinco octavas y media.
Es frecuentemente utilizada en orquestas, desde que Tchaikovski la utilizó en " La danza del hada de azúcar" en su ballet " El cascanueces"
Disposición material
El instrumento esta hecho de madera casi en su totalidad. El mueble, donde se monta el teclado suele ser de roble. Las placas metálicas son de acero y los resonadores que hay debajo de cada una de esas placas son de madera, al igual que los martillos.
Partes necesarias
La celesta tiene un mecanismo de funcionamiento similar al del piano y el glockenspiel de teclado , lo que caracteriza a la celesta son las barras de acero, que son percutidas por distintos martillos (cada barra de acero tiene un martillo), ubicado encima de la barra, el cual es accionado por las teclas. Los resonadores de madera, sobre los que se ubican las barras de acero, están afinados para amplificar el sonido de las mismas. La celesta al igual que el piano, posee un pedal sustain.
Partes variables
La celesta no tiene partes variables relevantes.
Modo de mediación
El instrumentista ejecuta las teclas del piano con sus dedos, las cuales activan los martillos que golpean las barras de acero afinadas, produciendo una nota de la escala temperada. El pedal de sustain tiene el mismo principio de funcionamiento que el del piano, cuando el interprete lo activa con el pie se liberan los apagadores y la nota queda resonando a pesar de que la tecla no siga presionada.
Agenciamiento
La celesta tiene un teclado que se ejecuta con las dos manos y un pedal que se activa con el pie, por lo que el interprete debe estar sentado para poder utilizar el instrumento de forma convencional.
Interfaz
Teclado de Celesta Schiedmayer
La interfaz de la celesta es el teclado. Las teclas blancas accionan el martillo para que golpee la barra de acero y esta genere notas naturales y las teclas negras alteradas.
Mapa de mediación
En 1886 Victor Mustel inventó y patentó la celesta, en 1889 la primer celesta se presentó al público en la "Exposición Universal de París". En 1891 Tchaikovski visitó a Victor para escuchar la celesta y quedó fascinado por su interesante sonido. En 1892, el compositor presentó su famoso Ballet "El cascanueces" en el cual hay un solo de celesta, este fue el primer acercamiento al público de todo el mundo de la celesta en una orquesta.
La celesta pertenece a la familia de los instrumentos de percusión de altura definida, debido a su mecanismo de martillos y barras de acero, los cuales son activados por el teclado.
Un ejemplo de uso tradicional de la Celesta es "La Danza de Las Hadas" de Tchaikovski
Teleología
El sonido particular de la celesta se utilizó en distintos tipos de música, existen ejemplos de solos de celesta como en "Hedwig`s Theme" del Soundtrack de la serie Harry Potter, compuesta por John Williams. Tambien otro uso que se le suele dar es el de duplicar fragmentos de cuerdas, percusión, piano o cualquiera de este tipo de combinaciones, por ejemplo en el tercer movimiento de "Musica para Cuerdas, Percusión y Celesta" de Béla Bartók. La celesta tambien fue utilizada en la música popular en canciones como "Everyday" de Buddy Holly y "Light My Fire" de The Doors.
El cencerro es un instrumento musical de percusión, que forma parte de los instrumentos de percusión denominados idiófonos de golpe directo. Poseen una forma de campana generalmente cilíndrica y hecha con chapa de cobre. Pueden estar fijos a un soporte o sostenerse con una mano.
Disposición Material
El cencerro consta de una única parte en forma de campana cilíndrica compuesta de distintas aleaciones metálicas. Generalmente se fabrican en cobre, plástico, acero o en aleación de acero. Se utilizan de distintos tamaños para conseguir diversos sonidos dependiendo del estilo.
Partes necesarias
La parte necesaria del cencerro el su cuerpo en forma de campana. Puede variar la composicion de la campana y su tamaño.
Partes variables
Puede estar compuesto enteramente de plástico, cobre o acero lo que producirá distintos timbres. En cambio el tamaño de la campana modificara la altura del sonido, sin embargo sea cual sea su tamaño el sonido resultante es indeterminado y no se le puede asignar una altura musical. En algunos casos los cencerros pueden tener en una de sus caras una superficie rugosa para hacer las veces de güiro.
Se percuten generalmente con baquetas de madera especialmente diseñadas para este instrumento. Pueden estar fijos a un soporte o bien sostenerse con una mano. En algunos casos suele utilizarse una escobilla sobre la superficie rugosa del instrumento en el caso de que este compuesto de metal.
Pueden generarse distintos tipos de sonidos segun la manera de sostener el instrumento y donde se lo percuta:
Sonidos cerrado: Para conseguir los sonidos cerrados hay que hacer cierta presión sobre el instrumento con los dedos índice y corazón.
Sonido Abierto: Para producir los sonidos abiertos no hay que presionar el instrumento
Sonido grave se practica percutiendo el instrumento en la parte más ancha con la baqueta
Sonido agudo se consigue golpeando en la parte más estrecha.
Set de cencerros
También es posible efectuar dos efectos de sonido:
El efecto de rebote: consiste en golpear el cencerro dejando rebotar la baqueta.
El efecto de redoble: se consigue introduciendo la baqueta en el interior del cencerro y golpeando con las paredes del instrumento.
Mapa de mediación
Es este un instrumento que se hereda del utilizado por el ganado. Su origen remonta hacia la cultura Occidental, en donde los pastores colocaban estas campanas alrededor del cuello del animal para ayudar a identificar a la manada la cual pertenecían los mismos. La campana sonaba cada vez que los animales se movían, lo que hacía más fácil saber su paradero. Aunque estas se usaron en diferentes animales, generalmente se las denomina "cencerros" debido a su uso extensivo con el ganado.
Por otra parte, según los escritos de los etnomusicólogos, cuando hablamos del desarrollo de la percusión es necesario tratar la música de Ghana, ésta ha tenido gran influencia en otras culturas durante la época colonial. Además, Ghana ofrece una representación más pequeña de los Estados de África Occidental, concretamente en la música del pueblo Ewe, que se encuentra en la esquina sureste de Ghana a lo largo del río Volta y que se extiende en nuestros días a Togo (África occidental). Allí utilizan una única familia de instrumentos de percusión compuesta por campanas, cascabeles y tambores, estos instrumentos son los tradicionales para acompañar un agbadja.
A pesar de su origen Occidental, el cencerro se conocía en la época del clasicismo, pero no existía una popularización de lo que se denomina: música académica, tan sólo unos pocos podían acceder a la escucha de este tipo de conciertos los siglos XVIII, XIX.
Cencerro doble o Agogó.
Cuando los historiadores comienzan a hablar de la utilización en Latino-américa del cencerro para acompañar diferentes cantos y bailes populares, es cuando el compositor toma conciencia de la posibilidad de utilizar este instrumento dentro de la orquesta sinfónica, para resaltar ciertas músicas populares que hasta comienzos del siglo XX no se habían contemplado poder realizar, materializándose en la corriente nacionalista.
Los cencerros, más allá de que su nacimiento fuera África, también adoptaron diversas formas en función del mestizaje que se producían entre culturas. Así bien, tenemos las campanas dobles o gankogui su instrumento homónimo, muy extendido en Brasil y en nuestro país lo conocemos como cencerros dobles o agogó.
Teleología
Los cencerros tiene un papel destacados en la música de baile latinoamericana como salsa, cumbia, ritmos latinos, entre otros. En ocasiones se incluyen en la orquesta están agrupados en el sub-apartado de pequeña percusión.
En la música cubana, la persona que toca los bongos, a menudo, alterna los dos instrumentos, por eso se llama bongocerro.
El Cimbasso moderno es un instrumento de viento metal de la familia de los trombónes, siendo considerado por muchos como un tipo de trombón contrabajo. Posee un rango de tres octavas, similar al de una Tuba o un trombon contrabajo, y se podria considerar a su sonido como un gris entre medio de estos, ya que posee la plenitud y el volumen espacial de una Tuba pero tambien el sonido metalico y mas agresivo del Trombón contrabajo. La voz del Cimbasso es no transpositora y se escribe en clave de Fa en cuarta. Esta versión moderna suele estar en Fa o Mib, aunque también es posible encontrarla en Do y Sib.
Actualmente es usado sobre todo en bandas sonoras para producciones audiovisuales e interpretaciones de óperas italianas tales como las obras de Verdi o Puccini.
Obras destacadas
Othello (1887), de Giussepe Verdi.
Características Sonoras
El timbre del cimbasso es muy homogéneo en toda su gama. Los cambios dramáticos de registro no son aparentes. El sonido general es sorprendentemente suave y cálido, rico y resonante.
Registro grave (F1-G2): En este registro, el instrumento suena redondo, potente y claro. Es menos metálico y mucho más suave que el trombón contrabajo en el mismo registro, además de ser más conciso y compacto que la tuba en el mismo registro.
Registro medio (G#2-G3): En este registro el sonido se percibe por momentos con más brillo, mucho más suave que en el registro grave, con mucha menos potencia.
Registro Agudo (G#3-F4): No presenta grandes diferencias al registro medio. Es mayormente una continuación de la suavidad de este último registro.
Disposición material
Puede estar hecho de latón, latón dorado, alpaca o laca de oro.
Consiste de un tubo cilíndrico de 340cm de largo con un diámetro interno de unos 18.5 mm; una boquilla de tuba; entre 3 a 6 válvulas, aunque el estándar es de 5 válvulas; una campana cuyo borde posee 27cm de diámetro; un soporte ajustable para apoyarlo en el piso.
Es de unos 120cm de alto y cuando esta en posición para tocar su campana apunta ligeramente al suelo.
Partes necesarias
Tubo cilíndrico: El tubo principal por donde circula el aire entregado.
Válvulas + Pistones: Definen la altura que saldrá por la campana mediante la presión de los pistones, los cuales acortan/alargan la columna de aire.
Campana: Es una pieza de forma cónica mediante la cual el aire entregado sale hacia el exterior con una altura definida que dependerá del uso de las válvulas. Es la pieza que más resalta visualmente en el cimbasso dado su tamaño.
Boquilla: También conocida como "lengüeta". Está hecha de latón al igual que el resto del instrumento. Es el nexo entre el instrumento y quien lo toca.
Partes variables
Boquilla: El estándar para tocar el cimbasso es la boquilla de tuba, sin embargo ésta puede ser cambiada con el fin de obtener otros resultados tímbricos.
Soporte o pie para apoyar.
Estuche, funda o "case" del instrumento.
Sordina.
Pedales de efecto o post-procesamiento.
Modo de mediación
Para el modo de mediación, se produce contacto entre de los labios del instrumentista con la boquilla del instrumento, sumado a la entrega de aire a diferente velocidad y/o intensidad según la disposición y capacidad del intérprete, lo que genera una columna de aire que desemboca en la campana del instrumento. Normalmente se toca sentado, con la espalda lo más erguida posible y sobre el respaldo de la silla. El instrumentista puede además, producir diferentes sonidos dependiendo de la posición de sus labios.
Dependiendo de la intensidad del soplido del instrumentista, así como también activando las válvulas o pistones del cimbasso, se podrá modificar la altura. La 5ta válvula (de poseerla) se modifica con el pulgar derecho.
Agenciamiento
Para el agenciamiento convencional de este instrumento solo es necesaria la habilidad de tocar un instrumento aerofono, es decir, tener buena capacidad pulmonar, ademas de saber distribuir y controlar bien el aire conociendo la posición de los labios y la boca; y saber modificar la altura a través del uso de las válvulas.
Es un instrumento pasivo e interactivo, necesita de una entrega de energía cada vez que se quiere producir sonido, así como también este sonido puede variar dependiendo del accionar de los pistones.
Usualmente este instrumento es utilizado por tubistas, debido a que esta dentro del rango de la tuba y poseen la misma boquilla.
Técnicas posibles
Sforzato: Es un soplido esforzado que se divide a su vez en tres formas de ser tocado
-Sforzando: Forzado, corto ataque seguido por una rápida reducción en la intensidad del tono.
-Sforzandissimo: Forzado, corto ataque con continuidad de la intensidad del tono.
-Fortepiano: Rápida reducción dinámica de Forte a Piano.
Single tonguing: Con un simple movimiento de lengua, esta técnica es fácil de reproducir en todos los niveles de tonalidad. En los graves, las notas se tocan un poco más lento.
Vibrato: Es una técnica posible hasta cierto punto debido a la cantidad de aire que requiere. Dependiendo del intérprete, esta técnica será realizable en mayor o menor medida.
Flutter tonguing: Mediante el aleteo o el rápido movimiento de la lengua se domina esta técnica. Fácil de tocar en todos los niveles tonales.
Glissando: Un glissando genuino en el Cimbasso no es posible, pero se puede obtener un resultado aproximado o similar cerrando las válvulas por la mitad.
Legato: Se pueden ligar notas en una sola bocanada de aire.
Mute: Los muteos se utilizan para reducir los niveles de intensidad, también le suman brillo al sonido.
Double / Triple Tonguing: Una técnica que da lugar a dos materiales poco usuales con el fin de reproducir notas a una mayor velocidad sin perder intensidad ni ataque en cada nota. Es muy difícil de realizar. Consiste en un rápido movimiento de lengua con una fuerte entrega de aire.
Mapa de mediación
El termino cimbasso fue usado para referirse a variados instrumentos a lo largo del tiempo. A dia de hoy su etimologia sigue sin estar del todo clara, pero la mas aceptada es que su nombre proviene de "corno in basso"; sin embargo durante largo tiempo, el termino cimbasso se uso para referirse al mejor instrumento de metal bajo disponible, por lo que dependiendo el lugar y tiempo significo instrumentos diferentes.
Así es como el bombardino (predecesor de la Tuba) llego a la Italia del siglo XIX y fue llamada cimbasso. Fue utilizada por compositores de opera italianos hasta que Verdi en 1872, cansado del sonido del bombardino (en ese momento ya tuba baja) escribió para la interpretación de una de sus obras: "Deseo insistir nuevamente en un cuarto trombón. Preferiría un trombón bajo que es uno de la misma familia que los otros. Si esto resulta ser mucho problema y es muy difícil de tocar, consigan de vuelta uno de esos nucleidos ordinarios que van hasta el Si bajo. De hecho, usen cualquier cosa que les guste, pero no esa maldita tuba que no se mezcla con los otros!".
Verdi luego visito a un notable fabricante de instrumentos de metal italiano llamado Giussepe Pelliti hijo, para efectuar la creacion de lo que se llamo "trombon contrabajo Verdi", instrumento que se volvio su favorito y que utilizo en todas sus obras. Aunque Verdi sólo escribió dos partituras específicamente para este instrumento después de 1881 (Othello en 1887 y Falstaff en 1893), sin embargo, se volvió una tradición interpretar la parte de metal más profunda , incluido el cuarto trombón en las operas anteriores de Verdi, en el "Nuevo Cimbasso" o cimbasso moderno. De hecho, esta tradición fue extendida para abarcar más óperas italianas como lo es el caso de obras más antiguas tales como las de Gaetano Donizetti (1797-1848).
Teleología
Si tenemos en cuenta su origen histórico, Verdi lo utilizo para reemplazar a la tuba en el grave por algo que se mezclara mejor con el sonido de los trombones.
Al estar su sonido ubicado entre el de una tuba y un trombón contrabajo, ya que posee un gran volumen espacial pero también un sonido metálico parecido al del trombón, es utilizado para acentuar el grave en las orquestas y es utilizado sobre todo en producciones de banda sonora de películas o videos, debido a ese sonido grave agresivo que puede brindar en el forte.
Generalmente, el clarinete está hecho de madera de granadilla, pero las versiones más económicas del instrumento pueden estar hechas de ebonita o metal. Las llaves son de plata niquelada. El cuerpo está compuesto de cinco secciones: la boquilla (o pico), el barrilete, el cuerpo superior, el cuerpo inferior y la campana (o pabellón).
Partes necesarias
Boquilla o Pico: pieza donde está colocada la caña* y el instrumentista coloca la boca para realizar la embocadura. Su función es conducir las vibraciones que produce la caña a través del cuerpo del instrumento para su amplificación. Está construida de ebonita y consta de las siguientes partes: Mesa: parte plana de la boquilla donde se asienta la caña; Rieles: bordes laterales que delimitan las paredes de la boquilla; Ventana: parte abierta por donde entra el aire; Labio: borde superior que define el color del sonido y ejerce gran influencia en la fluidez del staccato; Cámara: parte que conduce el sonido hacia el clarinete y ejerce influencia sobre la afinación.Error al crear miniatura: Falta archivoPartes de la caña y sonidos que se pueden producir con ella.*La caña es una lengüeta vegetal de caña cortada y raspada que se fija a la boquilla mediante una abrazadera con tornillos (la abrazadera puede estar hecha de madera, plástico, cuero o combinaciones de estos materiales, o de un tejido de hilo). La elección de la caña es una tarea importante, ya que de ella depende en gran medida la calidad del sonido. La función de la caña consiste en producir sonidos como consecuencia de las vibraciones originadas por el paso de la columna de aire. Mediante este elemento, es posible obtener sonidos agudos, medios, graves y staccato.
Barrilete: pieza cilíndrica de madera ensanchada levemente en el medio. Es el elemento que articula la boquilla con el cuerpo superior del instrumento: su extremo inferior es más ancho y se une al cuerpo superior; su extremo superior se une al de la boquilla. Su longitud es de entre 58 y 69 milímetros. El barrilete sirve para ajustar la afinación y, por ende, influye en la calidad del sonido.
Cuerpo superior: es un tubo de madera que posee 15 orificios, 9 llaves y 3 anillos; la mayoría de las llaves se acciona con la mano izquierda.
Cuerpo Inferior: es un tubo de madera que posee 9 orificios, 8 llaves y 3 anillos; la mayoría de las llaves se acciona con la mano derecha.
Campana o Pabellón: es la sección de forma cónica que se ubica en la porción inferior del cuerpo del clarinete. Su función es proyectar el sonido al exterior. Ayuda a dar redondez a los sonidos graves.
Partes variables
Si bien puede haber variaciones en el material de construcción del clarinete y de algunas de sus partes, este instrumento no posee partes variables, ya que todos los elementos que lo componen son necesarios para el funcionamiento.
Modo de mediación
El sonido se produce una vez que el ejecutante sopla a través de la boquilla haciendo vibrar la caña. La acción de la boca del músico sobre la lengüeta produce que la oscilación de presión sea mayor en la boquilla, un antinodo de presión. El aire corriendo hacia adelante y hacia atrás en el primer orificio abierto crea un antinodo de movimiento en ese punto, que representa el otro extremo de la columna de aire oscilante. Ese movimiento de aire hacia adentro y hacia afuera aprieta y expande el aire en la columna de manera alternada. El efecto de presión y de expansión es más alto en el extremo de la boquilla, lo que contribuye a una gran variación de presión allí. La distancia entre un nodo y el antinodo más cercano es un cuarto de onda, por lo que la longitud de la columna de aire vibrante del clarinete representa un cuarto de onda de la frecuencia fundamental producida por esta columna cilíndrica cerrada.
Agenciamiento
El clarinete se toca con la boca soplando en la boquilla y las dos manos sobre las llaves. El instrumento debe sostenerse con la mano derecha en la pieza inferior y el pulgar en el descanso para colocarlo en la parte trasera. Los otros tres dedos de esa mano deben estar apoyados sobre los tres orificios correspondientes. La mano izquierda debe sostener el instrumento por la pieza superior. El dedo pulgar izquierdo debe estar apoyado sobre la llave de octava en la parte trasera del instrumento. Los otros tres dedos de esa mano estarán apoyados en las tres llaves principales en la porción inferior de la pieza superior del clarinete. Cuando no se estén utilizando los dedos, se debe mantenerlos muy cerca de los orificios para que puedan alcanzar las llaves con mayor facilidad cuando sea necesario. Si se mantienen los dedos demasiado lejos del clarinete, será difícil tocar pasajes rápidos. Es necesario mojar la caña antes de tocar, ya que, si se intenta tocar con una caña seca, el sonido no será tan límpido y, probablemente, chirríe con frecuencia. Se aconseja que previo a una presentación, se coloque la caña en un frasco pequeño o botella que contenga agua, ya que remojar la caña en agua ayuda a eliminar bacterias. Además, chupar la caña no producirá el tono deseado y puede ocasionar daños al instrumentista.
Interfaz
En el caso del clarinete, no existe interfaz entre el instrumento y el instrumentista, sino que el contacto al momento de la ejecución es directo. El sonido es producido por el aire que sale de dentro del cuerpo (del ejecutante) al pasar por el instrumento y vibrar.
Mapa de mediación
Las primeras referencias al clarinete se encuentran en mosaicos y relieves de la Antigua Mesopotamia, 3000 años a.C. Los clarinetes primigenios atendían a una fisionomía definida: un tubo de madera que encerraba una columna de aire y que para producir el sonido usaba una fina lengüeta que ponía el aire en vibración.
En la literatura francesa de la Edad Media, se nombra un instrumento popular de madera y con lengüeta también, con siete agujeros denominado chamelele. A esta época pertenece también el caramillo, un nombre genérico que agrupa a flautas y oboes, compuesto de un tubo cilíndrico sin llaves. Existían diversas variantes del caramillo, una de ellas, el caramillo campestre, es más claramente la antecesora del clarinete. Era de pequeñas dimensiones y con pocos agujeros, por lo que no podía octavear y no tenía pabellón. Es entre ambos artilugios que se encuentra el origen del clarinete moderno. De ellos se evolucionó al chalumeau, una especie de caramillo usado en Francia, en el siglo XVII.
Con la llegada del barroco, la música sufre una revolución. Se buscaba lograr una música más dramática, llena de contrastes sonoros, para producir emociones fuertes y conmover al público. Como esta necesidad no estaba cubierta por gran parte de los instrumentos de la época, se decidió crear nuevos instrumentos o modificar los ya existentes. Es por esto que, a finales del siglo XVII, el chalumeau evolucionó en su fisionomía hasta convertirse en el clarinete moderno, más cercano al que conocemos. En 1690, el constructor alemán de flautas Johann Christoph Denner, de Nuremberg, realizó la primera modificación al chalumeau, sustituyendo la lengüeta situada en la cámara sonora y colocándola en un pico o boquilla en contacto con la boca, lo que le permitía mayor control al instrumentista. Entre 1690 y 1720, Denner y sus hijos realizaron variadas modificaciones al instrumento, como el agregado de llaves y la ampliación de la tesitura hacia lo agudo. Gracias a las innovaciones introducidas por Denner y sus hijos, los compositores de la época empezaron a incluir el clarinete en sus composiciones, especialmente en cantatas, óperas y oratorios. La primera música impresa para clarinete fueron los dúos anónimos en do mayor publicados por Estienne Roger, en Ámsterdam, entre 1712 y 1715, en los que también se utilizó el chalumeau. Telemann utilizó el clarinete en una serenata y en cuatro cantatas y Vivaldi en tres conciertos grosos y en su oratorio Juditha Triunphans, RV. 644, donde exploró el nuevo registro del instrumento. El primer uso del clarinete en Inglaterra está atribuido a Haendel en su Obertura HWV 424 para dos clarinetes y trompa en re.
Tras sufrir una serie de modificaciones, los clarinetes son capaces de alcanzar el registro grave del chalumeau con mayor calidad que éste, por lo que lo van desplazando de la orquesta. Aun así, el clarinete era considerado solo como un instrumento extra o sustituto. Era el clarinete de cinco llaves, que, a pesar de no ocupar un lugar privilegiado en la orquesta, captó la atención de los compositores, que empezaron a incluirlo con mayor frecuencia en sus trabajos orquestales. Mozart quedó encantado con el novedoso instrumento e hizo varias obras para clarinete, por ejemplo, el Concierto para clarinete en La mayor, K. 622, una de las más importantes del repertorio de este instrumento. Tras Mozart, el clarinete cobró gran importancia y comenzó a ser considerado un instrumento relevante dentro de la orquesta.
Los clarinetes forman parte de la orquesta aproximadamente desde 1780, a pesar de que la primera mención del clarinete en una partitura se da en una misa de J.A.J. Faber, organista de Amberes, en el año 1720. Después del clasicismo, el clarinete se convierte en una característica indispensable de toda orquesta, ya que es un instrumento clave en la interpretación de casi todas las piezas conocidas hasta hoy. El registro medio es bastante claro, mientras que las notas altas son brillantes y penetrantes. El clarinete posee una variación dinámica mayor a la de otros instrumentos de madera. Puede casi rivalizar con la flauta en agilidad, en rápidos arpegios y en escala.
En torno a la década de 1840, se habían desarrollado dos complejos sistemas de llaves: por un lado, el sistema Boehm, utilizado en la mayoría de los países y patentado, en 1844, por el francés Auguste Buffet, que adaptó los adelantos para la flauta del alemán Theobald Böhm; y, por otro lado, el sistema Albert, desarrollado por el constructor belga Eugène Albert, hacia la década de 1860, de orificios más estrechos y sonido más oscuro.
En el siglo XIX, la orquesta "tipo" constaba de primeros y segundos violines, violas, cellos, contrabajos, dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, dos trompas, dos trompetas y dos timbales.
Además de las importantes funciones melódicas realizadas por el clarinete, como instrumento solista y como instrumento que se utiliza para la duplicación de otras voces melódicas, las posibilidades, en términos de armonía y color, de la sección del clarinete son muy variadas, como es posible observar en la mayoría de las partituras orquestales. La naturaleza discreta del tono del clarinete lo hace un instrumento extremadamente útil para duplicar y combinarse con prácticamente cualquier instrumento. Las figuras de acompañamiento del clarinete son comunes y, a menudo, se encuentran arregladas ingeniosamente para contribuir a la vida y la vibración de la textura de fondo.
El timbre del clarinete es rico en matices y posibilidades expresivas. Junto a la flauta y el violín, es el instrumento más ágil de la orquesta: puede emitir cualquier matiz extremo en cualquiera de sus registros, lo que lo hace una voz sumamente versátil. Esta capacidad de emitir matices extremos en cualquier registro es única entre todos los instrumentos de viento. Asimismo, es uno de los instrumentos con una de las extensiones más grandes en su registro: el soprano alcanza más de cuatro octavas (desde un mi2 y por encima hasta las posibilidades del músico) y los clarinetes bajos ampliados sobrepasan las cinco octavas.
Gracias a la calidad de su tono y sus habilidades técnicas, el clarinete es un instrumento que permite agilidad en la interpretación y múltiples recursos expresivos, lo que lo hace extremadamente apropiado para todo tipo de escalas, arpegios y figuraciones rápidas que requieren fluidez y facilidad de movimiento. De esta manera, el clarinete tiene la posibilidad de adaptarse a repertorios con mayor dulzura, energía, rapidez, emoción. Su sonoridad peculiar se puede ver enriquecida al emplear recursos como trinos o vibratos.
Instrumentos Musicaless. Clarinete (s.f.) Fecha de consulta: 25/10/2018
RDC · Revista Digital Conservatori. Historia del clarinete (s.f.) Fecha de consulta: 27/10/2018
Adler, Samuel (2006). El estudio de la orquestación. Barcelona: Idea Books.
Piston, Walter (1955). Orchestration. Londres: W. W. Norton & Company.
Modo de mediación
El clarinete (en inglés, clarinet; en francés, clarinette; en italiano, clarinetto; en alemán, klarinette) es un aerófono de lengüeta simple que pertenece a la familia de viento soplado y viento madera, como la flauta, el oboe y el fagot. Es un instrumento de caña simple, un tubo de madera con agujeros y llaves y su extremo inferior tiene forma de campana. El sonido se produce una vez que el ejecutante sopla a través de la boquilla haciendo vibrar una caña regulando la altura de los sonidos por medio de la apertura o cierre de llaves y orificios situados a lo largo del instrumento. En el siglo XIX, su sistema de llaves fue perfeccionado, hecho que lo situó en un lugar privilegiado entre los instrumentos. Tiene uno de los registros más amplios dentro de la familia de los vientos. El tamaño del clarinete moderno dicta su afinación o transposición particular. La belleza de su timbre lo hace apto para interpretar pasajes como solista, además de ser un instrumento de enorme agilidad y sonoridad, en especial para la ejecución de trinos y cromatismos.
El término “clarinete” se forma al añadir el sufijo “et” (pequeño), a la palabra latina “clarino”, que significa pequeña trompeta. La razón para ello es que en el barroco muchas veces se empleaba el clarinete para sustituir a la trompeta cuando ésta necesitaba ejecutar notas cromáticas, cosa imposible de conseguir en la trompeta natural que era la utilizada en esa época.
El clarinete bajo (Eng: Bass Clarinet, Deutsch: Bassklarinette, Français: Clarinette Basse) es un instrumento musical proveniente de la familia del clarinete y corresponde a la categoría de aerofono de viento madera. Comprende un registro de una octava por debajo del Clarinete , comúnmente utilizado en Si♭. Es frecuentemente utilizado en orquestas y ensambles de vientos, así como también ocupa roles ocasionales dentro de bandas de marcha o dentro del jazz.
Disposición material
El clarinete bajo se caracteriza por presentar un cuerpo derecho compuesto de madera granadilla negra o resina plástica en sus versiones mas accesibles. Comprende dos extremos, en los cuales se encuentran la boquilla en la parte superior y la campana en la parte inferior
Partes necesarias
En su extremo superior se ubica el barrilete de plata curvo que da lugar a la boquilla, y en su extremo inferior se encuentra una campana de metal encorvada hacia arriba, de manera similar al saxofón. Como encontramos comúnmente en instrumentos de viento, el clarinete bajo posee un taladro del mismo diámetro que su cuerpo. Éste ultimo se divide entre cuerpo superior y cuerpo inferior.
Para su ejecución, el clarinete bajo, como en el resto de la familia de clarinetes, hace uso del sistema Boehm para sus llaves, aunque es común encontrar clarinetes bajos que utilicen el sistema Oehler. Actualmente los clarinetes bajos comprenden un total de 30 llaves
Partes variables
Debido a su gran tamaño, es usual su ejecución ayudada por un espino simple o doble, o con una correa amarrada al cuerpo del interprete, aunque no es determinante para su ejecución.
Modo de mediación
Generar sonido en un clarinete bajo es relativamente fácil. Conocido por ser meramente una versión mas grande del clarinete soprano, la primer diferencia que encontramos está en la fuerza aplicada necesaria para hacerlo sonar, siendo ésta fuerza mucho mas grande que con un clarinete soprano. Una vez logrado ésto, se posicionan ambas manos a lo largo del cuerpo donde se encuentran las llaves, presionándolas para generar distintas notas.
Agenciamiento
Al entonar el clarinete bajo, el interprete puede posicionarse parado, sosteniendo el instrumento con ambas manos y dirigiéndolas entre las distintas llaves para alcanzar todos sus registros posibles. Es también común que el interprete ejecute el instrumento sentado en una banqueta dependiendo de la cantidad de fuerza que necesite ser aplicada para sostener el instrumento, que en sus versiones de madera, puede llegar a comprender un gran peso para el interprete
Si diferenciamos su variabilidad sonora, en un registro grave, éste consigue un sonido dramático y lleno de matices. En registro medio, se consigue un sonido más débil, pero rico en sutileza. Por último, si se utiliza para interpretar un registro agudo, se consigue un sonido lleno de brillo y color, pero no siempre sutil para determinados efectos.
Interfaz
No existe una interfaz especifica entre este instrumento y el ejecutante. El sonido es producido directamente al momento de ejecucion. Sin embargo, las llaves que comprende el clarinete pueden ser tomadas como una interfaz aceptable.
Mapa de mediación
Existen diversos instrumentos a lo largo de la historia que podrían ser considerados como los primeros ejemplares de un clarinete bajo, pero sus primeras apariciones datan de la primera mitad del S. XVIII, aunque en estos tiempos el instrumento compartía muchas características con otros instrumentos de viento madera como el Bajón o el Fagot. Finalmente, el belga Adolphe Sax creó en 1838 la primer versión del clarinete bajo actual, con un diseño de cuerpo derecho. Las características de la creación de Sax tuvieron éxito en su época y desde entonces se ha tomado como base en el diseño de los clarinetes bajos de posterior fabricación
Teleología
Debido a su gran rango sonoro, el clarinete bajo ha sido utilizado en diversos tipos de música, principalmente dentro de la música orquestal, donde ocupa su lugar junto a los vientos maderosos. Pero debido a su gran capacidad de variación timbrica, éste instrumento ha sido recurrente para música de películas, donde es utilizado comúnmente en su registro bajo para generar sensaciones de misterio y suspenso. Es también adoptado por el jazz como acompañamiento de los comúnmente usados instrumentos de bronce. Pero el clarinete bajo encuentra su lugar mas definitorio al surgir las corrientes modernas dentro de este genero, como el free jazz, jazz modal y fusión. A diferencia del clarinete soprano, de ligero peso, que permitía mas flexibilidad y movimiento al momento de ejecución, el clarinete bajo presenta limitaciones en el movimiento del intérprete debido a su longitud y peso. Ésta característica ha generado que sus ejecutores tiendan a tener movimientos pesados y por momentos forzados para generar nuevos timbres.
El clarinete contrabajo es un instrumento musical de viento madera que pertenece a la familia de los clarinetes. Es un aerófono de lengüeta simple con aire vibrante, lo que significa que el sonido se genera mediante la vibración del aire que se produce en el cuerpo del instrumento, a través de la vibración de la lengüeta. Ocupan la sección de vientos-maderas dentro de las orquestas. El prototipo de clarinete contrabajo más antiguo data del 1808, y en la actualidad, los clarinetes contrabajos son afinados en si bemol, y poseen una tesitura que se extiende dos octavas más hacia lo grave que el clarinete soprano, llegando desde un re bemol 1 hasta un sol 3. Sin embargo, dependiendo de la técnica del ejecutante, el rango se puede extender desde un si bemol 0 hasta un do 4.
El clarinete contrabajo, al igual que toda la familia de clarinetes, son instrumentos transpositores, y se escucha dos octavas más una segunda mayor más grave de lo que se escribe, ya que el primer clarinete soprano, estaba afinado en do, pero desde fines del siglo XIX y principios del XX, se comenzó a afinar en si bemol.
La longitud del tubo determina la altura del sonido, por lo que ésta es bastante extensa, al igual que el rango que posee el instrumento, sobrepasando las cuatro octavas. Tiene una serie de orificios a lo largo del tubo, que se tapan y destapan a través de una serie de mecanismos llamados llaves. A diferencia de otros clarinetes, el clarinete contrabajo suele tener una sola llave de trino para la mano derecha en lugar de cuatro, que cumple la misma función que la llave de trino más baja en los otros de la familia.
El cuerpo de los clarinetes es clasificado como un tubo cilíndrico, y en el sonido que generan, predominan los armónicos impares.
Disposición material
Partes necesarias
La lengüeta está hecha de caña de la especie Arundo donax. La boquilla es articulada con la parte superior del cuerpo por el barrilete. Este extremo superior es un pabellón metálico que se encuentra curvado hacia arriba para poder tocar el instrumento con más facilidad, debido a su gran tamaño. El cuerpo del instrumento puede estar hecho de madera, al igual que los clarinetes tradicionales, pero predominantemente de metal, y posee los orificios y las llaves del instrumento. Se puede dividir en dos partes, el cuerpo superior, que es donde el instrumentista coloca la mano izquierda, y el cuerpo inferior donde coloca la mano derecha. La campana está unida al cuerpo inferior del instrumento. Se encuentra curvada hacia arriba y permite la proyección del sonido al ser ejecutado.
Partes variables
Los clarinetes contrabajos son originalmente instrumentos hechos de madera, pero en la actualidad, es común encontrarlos hechos de metal. El tamaño del cuerpo del clarinete también puede variar según el tipo. El clarinete contrabajo tiene más del doble del tamaño de un clarinete soprano, debido a que su rango es más extenso, y que la longitud del tubo es determinante en cuanto a las alturas que pueden ser emitidas. La cantidad de llaves también varía según cada clarinete.
Modo de mediación
Para generar sonido en un clarinete contrabajo se colocan ambas manos a lo largo del cuerpo del instrumento y se sopla con una gran cantidad de fuerza a través de la boquilla. Para hacer sonar distintas alturas, se colocan los dedos en las distintas llaves del instrumento.
Agenciamiento
El intérprete puede posicionarse parado, sujetando al instrumento con ambas manos, aunque no es lo más cómodo debido a que suele tener la misma altura que una persona adulta, y un peso considerable. También puede usar una correa para que la sujeción sea más fácil, o un soporte en la parte inferior del instrumento. La posición más cómoda es el instrumentista sentado en una banqueta, sujetando al instrumento con ambas manos y teniendo un soporte en la parte inferior del mismo.
Interfaz
El sonido se produce cuando el intérprete sopla a través de una boquilla con lengüeta simple, haciendo vibrar la lengüeta y consiguiendo que el aire vibre por dentro del cuerpo del instrumento, y que salga a través de la campana. Las notas se producen al instrumentista presionar los distintos sistemas de llaves.
Mapa de mediación
Fue desarrollado a fines del siglo XIX y principios del XX en Francia. No es muy usual encontrar al clarinete contrabajo siendo solista, hay muy pocas obras de este estilo, pero debido a la riqueza tímbrica de su registro grave, fue incorporado a las orquestas en la sección de vientos maderas, y por momentos se ha utilizado como apoyo a los contrabajos. Además, tiene una enorme agilidad, en especial para la ejecución de trinos y cromatismos, y sonoridad, puede emitir diversas dinámicas en cualquiera de sus registros, aunque estos sean menos apreciables en el registro agudo del instrumento. Esto último, sumado al gran rango sonoro del clarinete contrabajo, lo volvieron muy recurrente en bandas sonoras de producciones audiovisuales a la hora de evocar suspenso, junto con el clarinete bajo.
Teleología
El clarinete contrabajo es parte de las orquestas junto con los vientos maderas, en una posición más modesta, generalmente de acompañamiento, que otros instrumentos de la familia de vientos, como la flauta, u otros tipos de clarinete, que suelen tener más protagonismo. Suele usarse como refuerzo de las notas graves de instrumentos como el contrabajo y con los tonos pedales del trombón, ya que se generan timbres similares en su registro grave.
Referencias
F. Geoffrey Rendall. (1957). The Clarinet. Second Revised Edition. London: Ernest Benn Limited.
Latham, A. (2008). Diccionario Enciclopédico de la música. México D.F: Fondo de Cultura Económica.
El clarinete piccolo está conformado por una estructura subdividida en secciones y partes ensamblantes. La primera de ellas es la boquilla de madera (en algunos casos de plástico o goma dura) y es por donde el intérprete ingresa el aire, junto a esta, en su parte inferior se le acopla a través de una ligadura regulable de metal niquelado una lengüeta hecha de caña. Luego está el barrilete con forma cilíndrica ensanchada en el medio hecho de madera o plastico, este articula la boquilla con el cuerpo superior del instrumento. Luego está la sección del cuerpo de forma tubular y está compuesto por múltiples orificios y se subdivide en dos partes. Por un lado está el cuerpo superior, donde las teclas y orificios son operados por la mano izquierda, y por el otro está el cuerpo inferior, donde las teclas y orificios son operados por la mano derecha. A lo largo de esta sección en su superficie está montado un dispositivo mecánico generalmente de metal niquelado (también puede ser de plata u oro) compuesto por distintas teclas y llaves con goma espuma o corcho adherido en su superficie inferior. Por último está la campana como extremo inferior del instrumento y es por donde el flujo de aire y el sonido es expulsado. En los extremos de cada parte del instrumento (extremo superior de la boquilla e inferior de la campana) cuenta con un sistema de encastre para el ensamble del mismo, las cuales son de forma circular y en su superficie están recubiertas con corcho natural.
La madera utilizada para la elaboración de este instrumento comúnmente son dos especies de madera africana dura "mpingo" o "grenadilla". Debido a la disminución de suministro de estas maderas también es posible que puedan utilizar "palisandro hondureño" o "cocobolo".
El Clarinete piccolo es un instrumento musical de tipo aerófono. Este es el miembro de la familia de los clarinetes que posee la tesitura más aguda, cuyo registro se extiende desde Mi3 hasta Fa6.
El clarinete piccolo está afinado en Lab (bemol) y es un instrumento musical transpositor, emitiendo así un intervalo de sexta menor por encima en relación con la nota musical escrita.
Este instrumento como todos los miembros de su familia comprende de la característica de poder emitir tres registros distintos logrando así tres intervalos de octava diferentes, y llegar como tonalidad máxima hasta una segunda menor por encima de su tercera octava.
Partes necesarias
Acople de la boquilla y la lengüeta simple: Cumple la función de receptor de la corriente de aire y emisor de las vibraciones hacia el interior del tubo.
Barrilete de forma ensanchada: Su forma ensanchada contribuye en la caracterización tímbrica del instrumento.
Campana: esta no cumple la función de amplificación del sonido sino más bien contribuye en la uniformidad de las notas más graves del registro y siendo irrelevante para las notas más agudas del instrumento.
Partes variables
ligadura, dispositivo mecánico, ubicación de los orificios, tamaño de la campana.
Modo de mediación
El clarinete piccolo se ejecuta con la emisión de una corriente de aire que atraviesa la boquilla y hace vibrar la lengüeta, produciendo así la vibración del aire dentro del tubo. En este se genera una onda que circula a lo largo del mismo hasta llegar al extremo de la campana encontrándose con la diferencia de presión atmosférica la cual actúa como resistencia reflejandola, y generando así una onda estacionaria de cuatro recorridos a lo largo del tubo, dos hacia el extremo abierto y dos reflejadas hacia el extremo cerrado, creando una longitud de onda de doble tamaño comparada con las de los instrumentos de tubo cerrado. Por este motivo el clarinete utiliza la mitad del recorrido para producir las alturas tonales que la que realizaría en comparación la flauta traversa por ejemplo.
El comportamiento de las ondas del clarinete es similar al de los aerófonos de tubo cerrado, formándose un nodo cerca del extremo cerrado de la lengüeta y un vientre un poco más por fuera del extremo abierto de la campana.
Como toda onda característica de los aerófonos de tubo cerrado son incapaces de producir armónicos pares, la onda del clarinete actúa de manera similar produciendo débilmente el cuarto armónico, de manera normal el sexto y el octavo y omitiendo el segundo. Este comportamiento ocurre por el tipo de embocadura, de lengüeta simple, y al taladro cilíndrico del tubo pero con algunas zonas cónicas.
Agenciamiento
Antes de centrarnos en la posición en relación con el instrumento es preciso recordar que para una óptima ejecución del clarinete debemos tener una postura recta pero con los músculos relajados.
Para la ejecución del clarinete piccolo principalmente se debe enfatizar en la realización una embocadura tal que el labio inferior debe estar sobre los dientes inferiores, para su correcta comprensión se aconseja abrir en su máxima extensión la boca sin quitar el labio inferior sobre los dientes inferiores y nuevamente entre cerrarla.
La preparación del clarinete consta en su correcto ensamble tanto de sus partes como el acople de la boquilla y el ligamiento de la lengüeta.
Una vez realizado todo lo anterior escrito posicionar la cuarta parte del extremo de la punta de la boquilla sobre el labio inferior y los dientes superiores sobre un poco más por delante que la misma punta de la boquilla, a continuación cerrar la boca logrando así el recubrimiento del resto de la boquilla. Luego soplar de manera moderada hasta encontrar el sonido característico que consta el clarinete.
El posicionamiento de la mano derecha refiere a el cuerpo superior y la mano izquierda a el cuerpo inferior del instrumento. En la mano derecha el pulgar debe ubicarse sobre el soporte de la cara inferior del instrumento a la altura del comienzo de la uña y los dedos índice, mayor y anular (tanto de la mano derecha como la izquierda) deben estar flexionados y deberán cubrir los orificios del instrumento por completo con sus respectivas yemas. El dedo pulgar de la mano izquierda debe tener una posición oblicua ubicada en el agujero posterior tapando por completo con su yema. Los dedos meñiques de ambas manos deben estar también flexionados muy cerca de las llaves en su aproximación.
La posición de los brazos (relajados) deberá ser abierta y ligeramente separada del torso.
Por último el clarinete debe tener una posición inclinada de aproximadamente unos 45° en referencia a la barbilla.
Interfaz
Hyacinthe Klosé en 1839 adaptó en el clarinete el dispositivo mecánico creado por Theobald boehm para la flauta traversa, pero Klosé quedó tan fascinado por el invento desarrollado por Boehm que decidió llamar al mecanismo él sistema Boehm.
El clarinete piccolo como todos los miembros de su familia sostiene sobre su cuerpo el mecanismo Boehm compuesto por distintas llaves y teclas. Su funcionamiento respecta del poder cubrir los distintos orificios que le fueron asignados, donde al realizar distintas combinaciones logrará acortar o extender la longitud del tubo para el recorrido de las ondas.
El objetivo de este mecanismo fue facilitar el acceso a una digitación más dinámica solucionando así la imposibilidad del intérprete de no poder realizar cromatismos en el instrumento y llegar a una mayor cantidad de longitudes del tubo.
Interfaz
Mapa de mediación
El origen del clarinete proviene por la sucesión al Chalumeau alrededor del año 1700 d.C, su inventor fue Johann Christoph Denner. El clarinete piccolo hace su aparición algunas décadas después, a mediados del siglo XVIII, ya que para ese entonces el clarinete había ganado la apreciación de varios compositores vieneses -entre todos ellos puede destacarse Wolfgang Amadeus Mozart-, los cuales demandaron la construcción de varios clarinetes con distintas afinaciones y entre todos ellos estuvo el clarinete piccolo. Es posible apreciar su ejecución en la interpretación de la obertura de "las bodas de Fígaro" de Mozart, en la obra "Scherzo para piano y orquesta, op. 2" de Béla Bartók y en "Celtic Requiem" de John Tavener (1969). En la actualidad es poco frecuente su utilización.
El clarinete piccolo es el miembro más pequeño de la familia del clarinete, es un instrumento aerófono del tipo madera. El lugar que ocupa en la distribución espacial de los instrumentos de la orquesta es detrás de las flautas a la izquierda del segundo clarinete.
Teleología
El clarinete píccolo trae consigo la particular identidad de además de ser integrante de la familia del clarinete, de destacarse por ser el más pequeño entre todos ellos y de poseer la tesitura más aguda. Su función instrumental fue representada en el ámbito de la música orquestal como el clarinete de registro más agudo. Su aparición regular se dio hasta finales del siglo XX y en la actualidad es considerado una rareza.
Las Claves son un instrumento musical idiófono de percusión de origen afro-cubano. Pertenecientes a la familia de la madera estan compuestas por un par de listones cilíndricos de madera maciza, cada uno posee un diámetro de 2cm aproximado por una longitud de 25cm, aunque estas medidas pueden variar ligeramente.
Disposición material
Dos listones de madera dura de un jeme de largo, esta es generalmente de tipo de lapacho, palisandro, marmelero, etc. En el par, uno puede ser mas delgado y otro más ancho e incluso estar ahuecado en su interior, estas características pueden variar de acuerdo a su propósito sonoro. En efecto, el timbre depende directamente del material, corte y tipo de madera, como también de su acabado. Así, la altura de este instrumento es determinada.
Partes necesarias
Se requieren dos listones de madera para la conformación del instrumento.
Partes variables
No posee.
Modo de mediación
Formar con los dedos y la palma de la mano izquierda un espacio que pueda cumplir función como caja de resonancia y tomar con la mano derecha delicadamente suelto el palo mayormente ahuecado de modo que este se mueva con libertad sobre el soporte formado por los dedos, estos a su vez cierran la cavidad resonante y producen una gran sonoridad al percutir el palo mas delgado sobre la madera.
Agenciamiento
El sonido es producido al percutir un listón contra otro, su uso convencional es sujetando la menor superficie posible de uno de los listones para evitar la perdida en su sonido. El instrumento puede, de esta forma, estar empleado dentro de la música popular y en distintos tipos de orquestas de la música latina.
Interfaz
No tiene.
Mapa de mediación
El ritmo de las claves ha sido originado e influenciado en músicas de Ghana, Nigeria y otras regiones de la costa oeste del continente africano. Los descendientes de los esclavos afro-cubanos fueron los que desarrollaron el uso y concepto convencional de las claves tales como se las utiliza en la actualidad. Éstos las utilizaban en los astilleros cubanos para marcar el ritmo del trabajo sobre los obreros, se ha dicho que las primeras claves cubanas fueron hechas de los pequeños maderos, que, como si fueran clavos, se utilizaban en la construcción y reparación de barcos en los puertos.
Su concurrencia en la cultura de Cuba las convirtió en un factor primordial para su despliegue en ritmos latinoamericanos, donde son ejecutadas para marcar el ritmo a través de patrones. De este modo, pasaron de utilizarse en la música de baile, a ser un instrumento imprescindible para las orquestas de concierto.
Teleología
Este instrumento en su uso convencional ejecuta un patrón rítmico de 2/3 o 3/2 que brinda un orden en la estructura musical que se presente.
El clavicémbalo (también conocido como clave) es un instrumento de cuerda pulsada que alcanzó su máximo esplendor en la época Barroca. Si bien su origen no es certero, es un instrumento cuyos primeros registros datan del siglo XIV y los primeros clavicémbalos completos de los que se tiene registro provienen de Italia. Es un instrumento, que entre otras cosas, es conocido por ser el antecesor del piano.
Disposición material
El clavicémbalo consta de dos teclados, con extensión de cinco octavas cada uno. Además, posee un mecanismo de cuerdas que son pulsadas por una pluma de púa de ganso cuando el ejecutante acciona el teclado. Es un instrumento hecho mayormente de madera y de forma rectangular. También cuenta con un sistema de pedales, que tienen función de registros, es decir, sirven para determinar la cualidad del sonido que se quiere obtener.
Partes necesarias
Cuerdas - Teclado - Pedales - Púas
Partes variables
En cuanto a las partes variables del instrumento se pueden remarcar las siguientes:
- Los pedales pueden variar de 5 a 8 dependiendo del modelo y puede variar su disposición.
- Algunos clavicémbalos pueden tener un solo teclado (suele encontrarse en los mas antiguos).
Además existen distintos tipos de clavicémbalos (italiano, frances, flamenco, ingles) donde puede variar su longitud de teclado o su tamaño lo que da como resultado algunas variables acústicas diferentes.
- En algunos modelos los pedales se accionan cuando es bajado y en otro cuando es levantado. Los pedales se mueven de izquierda a derecha, su efecto es el siguiente:
1er pedal: Registro de 8 pies, da la nota a su octava normal.
2do pedal: Registro de 4 pies, da la nota a la octava superior.
3er pedal: Registro de 16 pies, da la nota a la octava inferior.
4to pedal: Acoplamiento, une las dos notas.
5to pedal: Sordina, hace aproximar la cuerda un mecanismo de tiras de paño que obstaculiza las vibraciones: el sonido resulta sordo, casi como un ligero pizzicato de los arcos.
6to pedal: Registro de 8 pies reforzado, la cuerda es punteada dos veces simultáneamente en dos puntos distintos de la cuerda.
7mo pedal: Pedal de 8 pies atenuado, se puntea la cuerda en su extremidad obteniendo un sonido de gran dulzura.
Modo de mediación
El clavicémbalo, en su manera tradicional, se toca con el ejecutante sentado en un banquillo ubicado a la altura media del instrumento. El instrumentista, para hacerlo sonar, toca las teclas con los dedos para así accionar el sistema de pulsación de las cuerdas. Además, a la hora de ubicarse en el banquillo, es importante tener una postura adecuada.
Hombre ejecutando el clavicémbalo.
Agenciamiento
El agenciamiento convencional del instrumento consiste en un sólo intérprete sentado en un banquillo de altura adecuada ,dependiendo la persona, y de manera tal de que el instrumentista tenga la postura correcta con la espalda recta y los codos un poco por delante del tronco. De esta manera se ejecutan con las manos las teclas del teclado, o de los dos teclados en simultáneo.
Interfaz
El clavicémbalo tiene su interfaz; las teclas del teclado están dispuestas a lo largo del instrumento con una combinación de colores blancas y negras (que están un poco mas elevadas respecto a las blancas) y donde las blancas accionan las notas naturales y las negras las notas alteradas. En algunos casos, aunque no es muy habitual, puede estar invertidos los colores de las teclas.
Mapa de mediación
El clavicémbalo es un instrumento de teclado con cuerdas pulsadas.
Los primeros registros del datan del siglo XIV y estuvo siempre ligado al órgano, hasta la época Barroca donde logra una gran independencia y desarrollo enfocado en el carácter particular del instrumento. Si bien no es certero el dato, se estima que es de origen Italiano. Una vez entrado en el periodo Barroco, el clavicémbalo tuvo una rápida expansión geográfica en los países de Europa occidental, ganando el favor de los príncipes, nobles y la burguesía por su amplias posibilidades musicales y por su naturaleza de objeto de lujo y prestigio.
El clavicémbalo era un instrumento fundamental en la instrumentación de las orquestas para ejecutar las partes del continuo. Cuando la orquesta se amplió y cambió de estilo el clavicémbalo, debido al escaso sonido, dejo de ser una parte necesaria para la orquesta y fue reemplazado por el piano. Al correr de la historia fue un instrumento cada vez más relegado.
En cuanto a sus principales intérpretes y/o compositores se destacan:
- J. S. Bach en Alemania. (1685 - 1750)
- François Couperin en Francia. (1668 - 1733)
- Frescobaldi y Bernardo Pasquini en Italia. (1637 - 1710)
- Thomas Roseingrave en el Reino Unido. (1690 - 1766)
El clavicémbalo poseía no poseía variabilidad dinámica y sí bastante color tonal, ambos factores muy valiosos para el compositor. Además era muy muy rico en posibilidades melódicas y abundante en recursos armónicos, el clavicémbalo era el instrumento por excelencia para el artista creador. Una de las explicaciones de la invención del clavicémbalo es que, a diferencia de sus antecesores donde la cuerda era tocada directamente con los dedos, con este instrumento lo que se buscaba era un mecanismo donde las cuerdas no estuvieran en contacto con los dedos.
Referencias
Robertson. A y Stevens. D, 1966, The Pelican History of Music, Middlesex, Engalnd, Penguin Books
El cuerpo llamado "vaso",
parche o membrana
y 5 herrajes de metal.
Partes variables
Pie que sostiene el intrumento.
Modo de mediación
Generalmente se ejecuta con el golpe de las palmas de las manos y los dedos, y en raros casos se usan baquetas.
Otro uso de las Congas se da en cultos religiosos derivados del yoruba en África. El más conocido es el Candomble, culto a dioses africanos y se lo utiliza en la rama de Keto y Angola. En estos rituales, las congas, cumplen la función de los atabaques, utilizado inicialmente en la capoeira e indispensable en estos cultos religiosos.
El toque es con ambas manos o con la palma de una mano y una vara de madera hecha con Agidaví, un árbol similar al ombú. El mismo se sostiene y toca con la mano derecha, mientras que mano izquierda hace el toque sobre la membrana de la conga. También el toque se realiza con ambas manos usando Agidaví, sin palmas, sobre la membrana. Depende del rol de la conga o tumbadora.
Existen tres que son los que marcan y cada uno cumple un rol determinado. El Rum es el mas grave, que estira el sonido base y dobla o replica el toque. Luego sigue en medio el Rumpi, que es quien responde al toque del Rum. Y por último Le, que acompaña el ritmo del Rumpi.
Tanto el Rumpi como el Le se toca con ambas manos con Agidaví, menos el Rum que toca con la mano derecha solo con Agidaví y con la mano izquierda, la palma sobre la membrana de la Conga.
En este tipo de uso no se utiliza el pie.
También tienen un uso importante en el Candombe, manifestación cultural de origen afrouruguayo, que fusiona varios rasgos musicales, religiosos y de danzas. Las congas o tumbadoras son el instrumento principal y se clasifican en tres tipos según su tamaño:
Chico (rango alto o agudo), Repique (rango tenor o medio), Piano (rango bajo o grave)
Agenciamiento
Tradicionalmente el instrumento siempre es tocado percutivamente, limitado a la utilización de las manos y en pocos casos las baquetas para efectuar los golpes.
Pero en el caso de uso religioso y dentro del estilo musical del candombe, se juega con el uso de las manos en conjunto con varas de madera (agidaví) en vez de las comúnmente conocidas baquetas. Este modo de toque, genera una rítmica especial que se vincula con la música religiosa y que determinado sea el mismo, es especifico de la deidad a la cual se le esté cantando.
Mapa de mediación
Su origen es en los tambores africanos hechos a partir de un tronco sólido ahuecado y con una piel clavada sobre la abertura de un extremo. La makuta, de origen bantú, ha sido identificado como un posible antepasado. Otro antiguo nombre dado por los nativos africanos fue "tahona". Luego se le llamó "tumba", palabra derivada de la lengua bantú.
Ejemplo:
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En los cultos religiosos africanos, especialmente en la rama de Ketu, los toques se desarrollan con la palma de la mano izquierda y el toque con el agidaví en la mano derecha para el tambor grave (Rum), y para los medios y agudos (Rumpi y Le) ambas manos tocan con Agidaví sobre la membrana de la Conga. Cada toque se determina en base a la deidad, Orisa como se lo conoce, que representa una rítmica especial para su llamado.
Ejemplo de toques del Candomble:
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En el Candombe tienen un uso similar, ya que los tipos de congas se dividen en tres, tal como en Candomble, uno grave que hace de base, un medio que marca el ritmo y un agudo que acompaña al medio.
Ejemplo de toques Candombe:
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Teleología
Es un instrumento rítmico capaz de hacer diferentes timbres dependiendo de la técnica aplicada. Se utiliza en ritmos latinos, como la salsa y el merengue generalmente.
Instrumento percutivo de origen africano y posteriormente desarrollado en Cuba. También se lo conoce como tumbadora.
Usado ademas como instrumento principal en cultos religiosos africanos y estilos como el Cadombe.
El contrabajo (Double Bass en inglés, Kontrabass en alemán, contrebasse en francés ) es un cordófono de cuerda frotada que se destaca por su registro grave en una orquestación, de las cuerdas es el instrumento más grave.Las partituras del contrabajo se encuentran escritas, mayormente, en clave de FA , aunque también se puede escribir en clave de SOL o de DO en 4ta.. Es un instrumento transpositor, lo cual hace que se deba escribir una octava más aguda de lo que va a sonar, en clave de FA, para no tener exceso de líneas adicionales. Los contrabajos suelen ser tocados en grupos, ya que el sonido que produce un solo contrabajo, dentro de un contexto orquestal, suele ser muy bajo. En cambio, tocando 3 juntos, se obtiene un gran sonido.
Algunos contrabajistas destacables:
John Addison,(Londres, 1765-1844)
Thomas Martin, músico británico considerado uno de los más importantes del siglo XX.
Franco Petracchi, músico italiano, compositor y contrabajista.
Gary Karr, un contrabajista clásico de origen norteamericano.
Disposición material
El instrumento esta hecho, en gran parte, de madera. En su parte inferior cuenta con una pieza metálica -pica- que nos permite regular la altura del mismo. Al igual que el clavijero, que puede ser tanto de bronce como de metal. Y, por supuesto, sus cuerdas que suelen ser metálicas, aunque no es excluyente que se usen de nylon.
Partes necesarias
Las partes necesarias del contrabajo son: cuerpo de madera (con su caja de resonancia), efe/terraja,oídos (permiten que el sonido salga con más facilidad), 4 cuerdas (mi, la, re, sol tradicionalmente), clavijas, diapasón, puente, cordel.
Otra parte necesaria es el arco, que nos permite obtener el sonido ordinario. Aunque también se puede obtener sonido del instrumento sin la necesidad del arco.
Partes variables
Las partes variables, que pueden cambiar sin afectar el sonido del instrumento, son el rizo, la pica (pequeña barra de metal que desde la parte inferior regula la altura del instrumento), el clavijero.
Tenemos la voluta (extremo superior del instrumento), el talón y filete que son terminaciones que se le dio al instrumento.
Otras partes variables pueden ser las cuerdas dado que no siempre han sido de metal o nylon, sino que en muchas ocasiones se utilizaban cuerdas de tripa.
Modo de mediación
Para tocar el contrabajo tenemos dos formas, estando de pie, o sentados en un banco.
De ambas formas el instrumento se debe tocar de forma vertical, descansando en la cadera. Los pies se deben ubicar en forma de L, teniendo el pie izquierdo detrás del instrumento.
La mano izquierda se pone sobre el diapasón para generar la pulsación de notas. Y se utilizan los dedos indice, mayor, anular y meñique para digitar las notas sobre las cuerdas, dejando el pulgar por la parte trasera del cuello.
Este cordófono debe afinarse por cuartas, a diferencia del resto de las cuerdas que se afinan por quintas.
Agenciamiento
Su agenciamiento convencional es tocarlo con arco o pizzicatto en obras sinfónicas o de cámara. No obstante, podemos escuchar a instrumento dentro de obras de ópera, música clásica, jazz principalmente. Hoy en día el contrabajo se puede apreciar también en otros géneros.
El grupo de contrabajos, cuándo se encuentran en una orquesta, tiene el trabajo de acceder a notas graves, lo que genera un registro más bajo que el resto de las cuerdas.
Al rededor del año 1600, Michael Praetorius (15 de febrero,1571, Kreuzberg, Silesia/15 de febrero,1621, Wolfenbüttel, Brunswick-Wolfenbüttel) musicólogo alemán, conocido por sus corales luteranos (muy importantes) en la música religiosa en el siglo XVII, creo el contrabajo -antes conocido como de viola da gamba o contrabajo de violón-.
En sus comienzos el contrabajo tenía 3 cuerdas, y cada músico lo afinaba de distinta forma. Pero a partir del 1920 una gran cantidad de músicos utilizaba la afinación estándar , que es MI-LA-RE-SOL.
El contrabajo pertenece a la familia de las cuerdas. Suele ser utilizado, en la mayoría de los casos, como un instrumento accesorio para la familia de las cuerdas, dado que por su gran tamaño resulta incómodo tocarlo como un instrumento sólo.
La teleología de este instrumento, es, al tener un registro de notas graves, se logró que suene, en orquestaciones con la familia de las cuerdas, una octava por debajo del violonchelo.
Contrafagot (Español) Bassoon pindho (Javanés) Frances (Contrebasson) El contrafagot es un instrumento musical aerófono de la familia de viento-madera y de lengüeta doble.
El proceso de construcción de un contrafagot es muy similar al de un fagot, aunque ciertamente más complejo, ya que está compuesto por un mayor número de piezas. En general se realizan modelos compactos compuestos por tres secciones de tubo, lo que permite aplicar la digitación del fagot. La calidad de la misma afectará para bien o para mal al sonido final del instrumento, aunque debe recordarse que éste variará sobre todo en función de la lengüeta de caña utilizada (un elemento que, dicho sea de paso, cada instrumentista acostumbra a preparar él mismo). Después de cortar, trabajar y perforar los tubos que constituirán el instrumento, las diferentes secciones se pulen y se practican los orificios de digitación, tras lo cual se barniza la madera. A continuación, el fabricante añade el mecanismo de llaves, sujeto mediante tuercas y pasadores, y las diferentes partes de madera se ensamblan a los codos metálicos, reforzados mediante aros de corcho (que ocultan los puntos de unión) y puentes de soporte. El pabellón, al ser de metal, se fabrica por separado en talleres especializados en procesos de calderería. Lo mismo ocurre con las piezas más pequeñas (llaves, aros de unión, tudel, ejes y palancas), que el constructor de contrafagotes adquiere a terceros.
Partes necesarias
Pabellón
PABELLÓN
El pabellón del contrafagot posee dos características que lo hacen único y lo diferencian del fagot. Por un lado, la campana del instrumento es metálica, al igual que los codos en forma de “U” que unen las diferentes sección. Por otro, dado su tamaño y la configuración propia del contrafagot, el pabellón queda enfocado hacia abajo. A pesar de ello, existen algunos modelos con el pabellón hacia arriba, aunque son raros.
LLAVE / PLATO
Llave/Plato
Las llaves situadas sobre el cuerpo del instrumento permiten, combinando los orificios abiertos y cerrados, obtener las diferentes notas. Formado por llaves, platos, espátulas, rodillos y un sinfín de otros elementos, la adopción de este mecanismo específico y complejo supuso una verdadera revolución en el seno de los instrumentos de viento-madera.
TUDEL
Tudel
El tudel es una pieza metálica de considerable longitud cuya curva se encuentra más o menos a la altura del codo de metal pequeño. Uno de sus extremos va fijado a la tudelera mediante una válvula, mientras que el otro recoge la lengüeta de caña.
LA LENGÜETA O CAÑA:
La lengüeta o caña de contrafagot se hace con madera de caña (Arundo donax) de una manera muy similar a la del fagot. Las diferencias principales están en sus medidas, ya que las de la caña de contrafagot son sensiblemente mayores. La longitud total de la pala utilizada para hacer la caña será de unos 70 a 73 mm. Las proporciones de la caña serán de: 17-20 mm en la punta. 6'5-7 mm de diámetro en el tudel.
Modo de mediación
El contrafagot es un instrumentó con muchos centímetro de longitud, por lo que es más recomendable tocarlo sentado e ubicar al instrumento de una forma transversal.
Además, no hay que olvidar que la campana del contrafagot tiene que ser dirigida hacia abajo.
Al igual que se hace con el fagot, el artista solo tiene que insuflar aire por medio de la lengüeta de caña que está ubicada en el lado extremo del túnel.
Postura convencional de ejecución
Agenciamiento
Para tocarlo, es necesario apoyarse en una pica de hierro, debido a su peso.
Mapa de mediación
El origen del Contrafagot remonta al siglo XVIII, en los años donde se llevó a cabo la evolución del dulcian, del cual dio lugar el Fagot moderno, esa época en donde toda la familia instrumental era dotada de algunos prototipos que tenían la función de cubrir varios registros y el fagot hizo lo suyo con la adopción del modelo que era conocido como contrabajo. Ya durante los primeros tercios del siglo XVIII, tuvo su primera aparición en una orquesta que era representada por Georg Friedrich Haendel, quien era una persona muy influyente en ese entonces, pero no logro mantener la presencia regular de dicho instrumento. Ya por el siglo XVIII y los inicios del siglo XIX, muchos fabricadores empezaron a experimentar e introducir algunas mejorías al instrumento, siendo en el año 1879, el año donde Wilhelm Heckel tuvo la fantástica idea de diseñar un modelo único que cumplía con todos los requisitos que el contrafagot necesitaba para que pudiera ser incluida en una orquesta. Es un instrumento de la familia de viento madera, de doble lengüeta y de taladro cónico.
El tubo de este instrumento es de la categoría de los llamados instrumentos de 32 pies, al igual que el contrabajo y, como éste, suena la octava grave del sonido escrito. El sonido más grave del instrumento es el Si b1, empezando su escala generalmente por el Do4. Aun así, los modelos más modernos del instrumento son capaces de generar notas aún más graves, capaces de acabar en la o la bemol. Aun así, Beethoven lo emplea con efecto admirable en la escena de la cárcel, en Fidelio, además de utilizarlo también en el final de las Sinfonías Quinta y Novena, pero como simple refuerzo de los bajos. En las Variaciones sobre un tema de Haydn, de Brahms, desempeña asimismo un papel importante. Asimismo, Ravel lo emplea en su Concierto para la mano izquierda, para introducir el tema al principio de la obra.
El repertorio solístico no es muy extenso, solo algunos compositores como el finlandés Kalevi Aho o el estadounidense Gunter Schuller han escrito conciertos para contrafagot con acompañamiento orquestal. Esto es debido a que el contrafagot, a pesar de ser simplemente una octava más grave que el fagot, es un instrumento más rudo, difícil de transportar y un sonido, aunque lúgubre, muy oscuro; que incluso el fagot es capaz de igualar en sus notas más graves.
La corneta es un instrumento musical que proviene de la familia viento-metal, se caracteriza por ser un tubo metálico que tiene forma recta u ovalada con una boquilla muy parecida a un embudo y con un toque final semejante a un cono, aunque existen datos de que fue fabricado con diversos materiales. TIene el mismo funcionamiento que una trompeta (o cualquier instrumento de la familia de viento-metal).
Disposición material
La corneta puede fabricarse en distintos estilos, con modelos para los principiantes, los trompetistas intermedios o para músicos profesionales. En el pasado, se fabricaron trompetas con un número de materiales improbables, incluyendo la madera, la arcilla y la cerámica. También han sido fabricadas completamente de latón, bronce, plata y níquel. La trompeta moderna está fabricada comúnmente de latón y a veces es galvanizado con plata, níquel, oro o cobre.
La boquilla tiene un borde circular llamado anillo que proporciona un ambiente cómodo para la vibración de los labios. Inmediatamente detrás del anillo está la copa, que canaliza el aire por una apertura mucho menor, el granillo, que disminuye un poco para que coincida con el diámetro de la tubería principal de la trompeta. Las dimensiones de estas partes de la boquilla afectan al timbre o la calidad del sonido y a la facilidad y comodidad de la ejecución. En general, cuanto mayor y más profunda es la copa, más oscuro es el sonido del timbre.
Partes necesarias
Partes principales de una corneta.
Embocadura: su forma tiene un borde circular que muchos músicos lo conocen como anillo. Es la parte donde el trompetista pone los labios para soplar y así generar notas musicales.
Pistón: Su forma es cilíndrica, su función importante a la hora de tocar la corneta. Se encarga de nivelar el aire que fluye por las tuberías, consiguiendo una afinación cromática al momento de pulsar los pistones.
Pulsador de Pistón: Complemento principal para los pistones, porque sin ellos no se podría pulsar y seria incomodo para el trompetista, ya que sus dedos no encontrarían un lugar donde moldear el sonido que fluye a través de los tubos.
Tuberías: Es casi todo el cuerpo de la trompeta, su forma es en espiral, estas tuberías canalizan todo el fluido del aire hasta que los pistones determinen el sonido.
Pabellón: También llamada campana, es la parte más visible de la corneta, ya que se encuentra al frente, con un tamaño llamativo, ensanchada para definir el sonido que produce al momento de expulsar el aíre.
Gancho de Pulgar: Para algunos músicos o cornetistas es una parte primordial, ya que les ayuda a sostener la corneta con el pulgar, tiene la forma de una anillo completamente circular. Y esta cerca a los pistones.
Partes variables
Sordina: Usualmente colocada en todos los instrumentos de viento y su función es modificar la calidad del sonido, también ayuda a moderar los niveles de intensidad de la notas musicales, la puedes encontrar en forma de pera y se encaja en el pabellón(campana), generalmente se fabrica de metal.
Modo de mediación
Rango de la corneta (fa#3 hasta Si bemol 5)
La corneta generalmente se toca parado, pero también en ocaciones sentado, esto depende de como se organizan los músico/s intérpretes. Se agarra al instrumento por los orificios que están a los costados de los pistones y el meñique delante de las tres teclas (cuatro en este caso) del mismo. Luego se sopla juntando los labios sobre el diámetro de la boquilla para después vibrárlos así poder producir sonido.
Agenciamiento
Al igual que la trompeta y todos los demás instrumentos de viento de bronce modernos, la corneta produce sonido cuando el ejecutante hace vibrar ("zumbar") los labios de la boquilla, creando una columna de aire vibrante en el tubo. La frecuencia de la vibración de la columna de aire puede modificarse cambiando la tensión del labio y la abertura o "embocadura", y alterando la posición de la lengua para cambiar la forma de la cavidad bucal, aumentando o disminuyendo la velocidad de la corriente de aire. Además, la columna de aire se puede alargar acoplando una o más válvulas, disminuyendo así la inclinación. Sin válvulas, el ejecutante podría producir solo una serie armónica de notas como las que toca el corneta y otros instrumentos de bronce "naturales". Estas notas están muy alejadas para la mayor parte del rango del instrumento, lo que hace imposible la interpretación diatónica y cromática, excepto en el registro extremadamente alto. Las válvulas cambian la longitud de la columna vibrante y brindan a la corneta la capacidad de tocar cromáticamente.
Interfaz
La interfaz es el propio aire del interprete creando un flujo con la vibración de los labios y con una serie de combinaciones de los pistones que hace que produzca el sonido adecuado para el instrumento.
Mapa de mediación
Corneta fabricada con un cuerno utilizada para la cazaError al crear miniatura: Falta archivoCornetas utilizadas en la tumba de Tutankamón (faraón egipcio) las cuales se encontraron en un perfecto estado de conservación.
La corneta se remonta a los orígenes de la historia de la humanidad, donde era derivada de los cuernos de muchos animales como toros y bueyes, quienes eran cazados para servir como alimento, pero dando un mejor uso a los cuernos.
Fue el instrumento musical más utilizado en la tumba de Tutankamón, quien era el faraón de Egipto. Cuando descubrieron dicha tumba se encontró un par de cornetas muy bien conservadas. También existían otro tipo de cornetas y eran las que utilizaban los griegos, quienes las denominaban certámenes de corneta o como algunos la llaman hoy por hoy, trompetas, que eran utilizadas con mucha frecuencia en los juegos Olímpicos y también existen datos históricos donde se da a conocer que los romanos también solían usar las cornetas para todas sus procesiones.
Este instrumento no podría haberse desarrollado sin la mejora de las válvulas de pistón por parte del interprete de oboe de Silesia Friedrich Blühmel y Heinrich Stölzel a principios del siglo XIX. Estos dos fabricantes de instrumentos inventaron válvulas de manera casi simultánea, aunque es probable que Blühmel (o Blümel) fuera el inventor, y Stölzel, quien desarrolló un instrumento práctico. Solicitaron conjuntamente una patente y se les concedió por un período de diez años. Más tarde, y lo más importante, François Périnet recibió una patente en 1838 para una válvula mejorada que es la base de todas las válvulas de pistón de instrumentos de bronce modernas. El primer interprete virtuoso notable fue Jean-Baptiste Arban, que estudió extensamente la corneta y publicó "La grande méthode complète de cornet à piston et de saxhorn", comúnmente conocido como el método Arban, en 1864. Hasta principios del siglo XX, la trompeta y la corneta coexistían en conjuntos musicales. El repertorio sinfónico a menudo involucra partes separadas para trompeta y corneta. A medida que varios constructores de instrumentos hicieron mejoras a ambos instrumentos, comenzaron a verse y sonar más parecidos. La corneta de hoy en día se usa en bandas de música, bandas de concierto y en un repertorio orquestal específico que requiere un sonido más suave.
Sonido de la Corneta
La corneta se caracteriza por emitir un sonido muy agudo, impulsado por el aire que uno expulsa. La corneta tiene sus inicios siendo solo un cuerno de un animal, donde muchas de las personas le daban uso para mandar señales o incluso para iniciar grandes batallas.
El sonido peculiar de la corneta se asemeja al de una trompeta, pero al ser un instrumento más cónico y de boquilla más profunda tiene un sonido menos brillante, más oscuro y redondo
Teleología
Bobby Bradford (cornetista contemporaneo de jazz) ejecutando el instrumento.
La corneta es un instrumento que se utiliza melódicamente, el sonido peculiar de la corneta se asemeja al de una trompeta por eso son las encargadas de dar ese brillo único a diversas bandas de música, tomando un papel más importante en el ámbito militar.
Ambitos donde suelen utilizarse:
Sección de viento-metal de una banda militar donde suelen utilizarse cornetas.
Orquestas
Bandas de concierto
Bandas militares
Fanfarria orkest: Fanfare orkesten ("orquestas de fanfarria"), que se encuentra solo en los Países Bajos, Bélgica, el norte de Francia y Lituania. Sin embargo, en las últimas décadas, la corneta ha sido reemplazada en gran parte por la trompeta.
Conjunto de jazz: En las bandas de jazz de estilo antiguo, la corneta se prefería a la trompeta, pero desde la era del swing en adelante, ha sido reemplazada en gran medida por la trompeta más fuerte y penetrante. Del mismo modo, la corneta ha sido eliminada en gran medida de las grandes bandas por un creciente gusto por instrumentos más fuertes y más agresivos, especialmente desde la llegada del bebop en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial.
El legendario pionero del jazz Buddy Bolden tocó la corneta, y Louis Armstrong comenzó con la corneta, pero a se cambio a la trompeta. Esto se le atribuye el comienzo del dominio de la trompeta en el jazz.
El corno francés o trompa (inglés: French horn, francés: Cor, alemán: Horn, italiano: Corno) es un instrumento de la familia de los vientos-metales. A pesar de que sea conocido como corno francés el desarrollo de este instrumento ocurrió principalmente en Alemania.
Abarca una gran tesitura sin la necesidad de usar demasiados pistones y es el predecesor del cuerno de caza.
Existen varias versiones de la trompa: Trompa natural o de mano (no posee pistones o válvulas), trompa valvular, trompa de pistón, trompa de pistón doble.
En el caso de las trompas dobles, la tesitura parte del si♭ 2, y llega alrededor del mi 6 o mi sobreagudo.
Disposición material
La trompa es un instrumento de metal circular de unos 35 cm de diámetro. Suele construirse con latón y a veces se platea o se niquela.
Partes necesarias
Las partes necesarias para el funcionamiento de una trompa son las siguientes:
Boquilla: Parte de la trompa en la cual se apoyan los labios y se introduce aire para producir sonido.
Válvulas: Con la introducción de estas, la trompa paso a ser un instrumento completamente cromático. Suelen tener tres o cuatro, generalmente giratorias, que se manejan con la mano izquierda.
Pabellón: Parte de la trompa situada al final y por donde sale el sonido.
Tubo principal: Parte de la trompa por la que pasa el aire antes de llegar al pabellón.
Tudel: Es la parte de la boquilla que encaja con el receptor del instrumento.
Sordina: Tapón cónico que se introduce dentro del pabellón. Sirve para modificar el timbre y atenuar el sonido del instrumento.
Trompa con pistones.Válvulas: Si bien la mayoría de las trompas poseen válvulas rotativas, algunos cornos (generalmente los mas antiguos) utilizan válvulas de pistón o doble pistón (como es el caso de la trompa vienesa).
Modo de mediación
Al impulsar el aire hacia el interior del instrumento con la ayuda de la presión de los labios contra la boquilla se pone a vibrar la columna de aire que se aloja en su interior produciendo sonido.
La trompa se agarra con la mano derecha en el pabellón. Al cerrar parcialmente la entrada del pabellón se baja la afinación, en cambio, si se abre por completo esta sube. Si se cierra por completo la abertura con la mano se produce un sonido asordinado o apagado, es decir, notas tapadas (especificadas en la notación por el signo +).
La mano izquierda se sitúa sobre las válvulas que permiten disminuir la afinación base en uno, dos o tres niveles de medio tono. Al pulsar la válvula el aire se desvía por el tubo que le corresponde, ampliando el largo total del tubo y consecuentemente también la columna de aire.
Agenciamiento
La trompa es un instrumento que se puede tocar parado o sentado si el interprete lo desea. La mano izquierda se sitúa sobre las válvulas para poder accionar estas con los dedos y la mano derecha generalmente se encuentra dentro del pabellón para tener la posibilidad de ajustar la afinación y ser capaz de modificar el sonido del instrumento.
Interfaz
Si bien la trompa posee válvulas que permiten la capacidad de disminuir la afinación del instrumento, estas no son consideradas como la interfaz del instrumento. También es posible generar diversas notas sin la necesidad de presionar las válvulas si modificamos la forma en la cual emitimos el sonido al vibrar los labios.
Mapa de mediación
Sección de trompas de la orquesta sinfónica de Oregon.
Las orquestas clásicas tienen al menos dos Trompas. Generalmente la primera trompa toca una parte aguda y la segunda una parte grave. A partir de Beethoven (1800) los compositores empezaron a usar cuatro trompas.
La música actual escrita para trompas sigue un patrón similar siendo la primera y tercera trompa agudas y la segunda y la cuarta graves. Esta configuración tiene varias ventajas ya que es mas fácil tocar una trompa aguda si a nuestro costado tenemos una grave y viceversa, también es mas fácil componer si las trompas están agrupadas.
Es común que en las orquestas modernas las secciones de trompas posean un asistente que imita a la trompa principal en algunas partes o intercambia su papel con esta si la parte es muy complicada de tocar.
Teleología
La trompa generalmente es usada en orquestas y bandas de concierto. Los compositores utilizan su tono particular para realizar diversos efectos. Leopold Mozart, por ejemplo, utiliza los cuernos para simbolizar la caza (como en su Jagdsinfonie (Sinfonía de la caza). En la música de cámara los compositores han tratado algunas veces a la trompa como instrumento de la sección de madera y otras como instrumento de metal gracias a su particular timbre. Es un instrumento que puede ser utilizado como solista pero gracias a su calidad timbrica proporciona un acompañamiento maravilloso a cualquier instrumento solista.
Durante el inicio de la trompa valvular los compositores no se fiaban del nuevo sistema de válvulas y utilizaban a la trompa natural como modelo para sus composiciones. Con la llegada de compositores como Beethoven o Wagner, la trompa de válvulas se convirtió en el instrumento estándar en las orquestas sinfónicas.
En el inicio del jazz la trompa rara vez era usada. A partir de 1940 muchos compositores como Gil Evans empezaron a usarla en sus composiciones
El corno inglés es algo más grande que el oboe y suena más grave. Su nombre, aunque con muchas dudas, parece provenir del término francés “cor anglé” (corno doblado) que, por sucesivas transcripciones, desembocaría en “cor anglais” (en francés tiene una pronunciación muy similar al anterior y significa “corno inglés”). [2]
Disposición material
El cuerpo, constituido por tres partes independientes, se elabora a partir del torneado y vaciado de una pieza de madera dura (la característica coloración oscura del corno inglés es propia de maderas como el palisandro o el ébano, de gran resistencia). Una vez trabajadas y pulidas dichas piezas, el artesano practica los orificios de digitación y procede al barnizado y ensamblado de las tres piezas. Las junturas se refuerzan, en el exterior, con aros metálicos fabricados aparte. El característico pabellón piriforme propio del corno inglés requiere una especial atención por parte del constructor, pues su fabricación determinará en última instancia la calidad sonora del instrumento.
Una vez terminado el cuerpo, se procede al montaje del sistema de llaves, casi idéntico al del oboe convencional. Entonces, queda sólo montar el tudel, cuya elaboración suele correr a cargo de un fabricante especializado, e inserta en él la lengüeta de caña, clave para obtener una sonoridad óptima.
La lengüeta de caña, obtenida a partir de una caña seca de bambú dividida de forma longitudinal en secciones distintas, es fabricada por un especialista que pule y lima dichas partes hasta obtener la forma deseada. En el caso del corno inglés, la caña utilizada es ligeramente más larga y ancha que la propia del oboe estándar. A continuación, se dobla sobre sí misma y se ata con dos ligaduras antes de insertarla en el tudel. Éste, a su vez, va encajado a una base de corcho situada en el extremo superior del instrumento. Es el momento de cortar la parte superior de la caña y pulirla hasta que el aire pueda vibrar en su interior. [3]
Partes necesarias
El corno inglés, al igual que el oboe, presenta tres partes fundamentales de madera que constituyen el cuerpo y dos piezas adicionales también de vital importancia: la caña y el tudel.
El cuerpo está formado por un tubo cónico recto que se ensancha progresivamente hacia el pabellón. La parte superior o cuerpo de la mano izquierda es la más estrecha y el pabellón presenta una característica terminación en forma de pera truncada similar a la del oboe d’amore. Las tres partes principales están unidas entre sí mediante aros metálicos. El pabellón puede estar rematado por un anillo que evita que la madera se dañe. A lo largo del cuerpo está dispuesto el mecanismo de llaves y, en la parte superior, un tudel más largo que el del oboe estándar.
-Pabellón / aro inferior:
El pabellón del corno inglés, en forma de bulbo o de cuerpo ovoide truncado, es quizás su característica más visible. Este peculiar rasgo es compartido por otros miembros de la familia, como el oboe d'amore, el barítono o el heckelphone y es, en gran parte, lo que le concede su característica sonoridad. dado que permite que el aire se expanda para luego verse obligado a salir por una abertura comparativamente estrecha.
-Mecanismo de llaves:
El sistema de llaves propio del corno inglés es igual que el del oboe, lo cual permite a un mismo músico dominar ambos instrumentos. Dicho mecanismo fue ideado por el constructor francés Frédéric Triébert y guarda cierto parecido con el sistema Boehm propio de la flauta travesera.
- Soporte del pulgar:
La parte posterior del cuerpo de la mano derecha alberga el soporte del pulgar una pieza bastante útil para el músico, pues contribuye a la sujeción del instrumento y facilita la ejecución. Sobre éste, a escasa distancia del aro del cuerpo de la mano derecha se encuentra el aro de suspensión. la pieza a la que suelen atarse las correas que se pasan alrededor del cuello.
- Caña:
Cuando el músico expulsa el aire a través de sus labios sobre la lengüeta se produce una vibración a causa del choque de ambas láminas de caña. Dicha vibración es transmitida a la columna de aire interior y al cuerpo del instrumento hasta salir por el pabellón. La caña del corno inglés es ligeramente más larga y ancha que la del oboe. [4]
Partes variables
La lengüeta aunque es parte necesaria del instrumento puede ser reemplazada por otra de diferente material, debido a la comodidad del instrumentista y la acústica del instrumento.
Modo de mediación
El Corno Inglés está afinado a una quinta justa por debajo del oboe. En cuanto a la digitación, ambos instrumentos tienen básicamente la misma, la digitación para Sol en el oboe, producirá un Do (una quinta justa inferior) en el corno inglés. Así, la notación para el corno inglés está escrita una quinta justa más alta que el sonido real. La calidad del sonido depende de muchos factores. En primer lugar, la lengüeta, la calidad de sus materiales, esto es, que no sea ni muy dura ni blanda. También la precisión y calidad del raspado y que sea igualado en ambos lados. La posición de la lengüeta sobre los labios va a repercutir en la calidad sonora. La posición del instrumento con respecto al cuerpo debe ser la correcta, se aconseja sujetar el instrumento describiendo un ángulo de unos 40º a 45º aproximadamente con respecto al cuerpo. Es adecuado realizar una buena presión diafragmática en todo momento que permita que la cantidad de aire en todo momento sea la misma.
Agenciamiento
"La lengua es a los instrumentos de viento lo que el arco es a los instrumentos de cuerda." {{#WikipediaExtract:Oboe}}
La lengüeta debe colocarse entre los labios buscando la punta de la caña. La punta de la lengua se colocará sobre la fina abertura de la lengüeta, de tal manera que tape a ésta. A continuación y después de aspirar aire, quitaremos la lengua de la punta de la lengüeta y atacaremos con un golpe de aire. Esta presión del aire sobre la lengüeta la hace vibrar produciéndose el sonido. A esto se le denomina «golpe de lengua» y se consigue colocando y retirando repetidamente la lengua del extremo de la lengüeta, a fin de interrumpir o dejar paso libre al aire.
Interfaz
Este instrumento no está mediado por una interfaz extra.
Mapa de mediación
El Corno Inglés es uno de los instrumentos musicales que pertenece al grupo de viento-madera, y mucho más dentro de ese grupo al subgrupo de lengüeta doble, de un derivado del oboe que va por el tipo de fabricación del cual es elaborado y en algunas ocasiones por su timbre.
También es considerado como un instrumento trasnpositor, del cual no llega a sonar como está escrito en una partitura de un pentagrama.
Era sin duda el instrumento que más resaltaba en los terrenos militares, hasta que se llegase a incorporar en muchas de las orquestas sinfónicas. Incluso hoy en día disfruta de una grandiosa presencia en las bandas de la mayoría de regimientos. Por el siglo XVIII fue que tomo un papel muy importante en las bandas militares, donde algunos señalan que es de origen turco. Este instrumento tuvo mucha popularidad en ese entonces en gran parte de Europa.
Algunas personas creen que es un instrumento que deriva del oboe da caccia, que no es más que una variante del oboe soprano que llego a surgir por el siglo VXII y que en la centuria siguiente fue sometida a una serie de profundas y complicadas modificaciones.
Muchos de sus cambios fueron la introducción del cual se le considera como el embrión del corno ingles moderno, que va muchas veces en toda la curvatura del cuerpo, donde dejo de ser recto para lograr adquirir una angulación que le permitirá cierta facilidad en la digitación.
Ya por el siglo XIX, el Corno Inglés llego a su punto más álgido, ya que muchos artistas trataban de adaptarla a sus gustos y exigencias como instrumento.
Algunos autores de la época contemporánea tuvieron la oportunidad de relevar a los románticos, ofreciendo algunas piezas de uso exclusivo para dicho instrumento, que en esas épocas ya se encontraba en las manos de los más reconocidos y mejores intérpretes.
Sin embargo, fue en la primera mitad del siglo XX que el instrumento logro mucha sombría y en estos últimos años se puede apreciar la gran popularidad que ha ganado.
En el siglo XX el reconocido artista Igor Stravinski incluyo al instrumento en Danza del pájaro de fuego por el año 1910.
El corno ingles era muy poco usado antes del romanticismo, pero luego fue un instrumento común en la orquesta. Sin embargo, es raro en la música de cámara (donde es reemplazado por la trompeta o el fagot). Aunque está ganando una gran popularidad actualmente, sigue siendo muy desconocido y poco usado. Normalmente lo toca el tercer oboísta de una orquesta sinfónica moderna.
El Djembé (o yembé) es un instrumento de percusión africano que corresponde a la familia de los membranófonos. Es muy conocido en países como Malí, Senegal, Guinea, Burkina o Costa de Marfil.
Puede ser encontrado y mencionado con los siguientes nombres: dyembe, djembe, sanbanyi, tam tam, yembe, yimbe, etc. La multiplicidad de nombres se debe a la variedad lingüística (lenguas mandé) y su adaptación fonética a lenguas foráneas, así, para un francés es djembé (la "dj" suena como la "y" española) y para un inglés es jembe o jenbe. La adaptación más extendida es la de djembe, debido al colonialismo francés en la zona, aunque es un instrumento de origen africano y la ortografía más correcta en español sería yembe o yembé.
Está construido en madera y el parche es de cuero de cabra. Su sistema de tensión es el tradicional con sogas y anillos de metal. Su altura ronda los 65cm y el diámetro aproximado de 31 centímetros.
Partes necesarias
Tradicionales: madera de lengue, iroko, y mahogany. Membrana de cuero/piel de cabra. Cuerda íntegra y resistente (muchas veces cuerda de alpinismo de alta resistencia) y anillos de metal para amarrar la cuerda.
Modernos: madera y piel natural o de fibra y piel sintética, herrajes tipo tensores para ajustar el parche.
Partes variables
Las maderas pueden ser cedro o arce y la piel puede ser de becerro antílope, vaca, canguro o caballo (en gral. para cambiar un poco los tonos).
Modo de mediación
El Djembé sólo se debe tocar con las manos, ya que según la posición de las palmas de las manos y de los dedos se sacan diferentes notas y diversos ritmos con diferentes grados de dificultad.
Los ritmos se pueden tocar de varias maneras. Una de ellas es colocando el djembé en el suelo y sentarse sobre él, otro modo es colgarlo en el cuerpo con unas cintas y colocarlo entre las piernas o hacia un lado manteniendo recta la espalda. Actualmente algunos percusionistas lo sujetan en una estructura que funciona como soporte para el instrumento y así poder tocar otros, incluso de manera simultánea.
ejecución de djembé
Para conseguir un mejor sonido a la hora de golpear, las muñecas deben situarse por debajo de los aros que tensan la piel no dejando que las manos se queden tocando el parche pues se taparía el sonido producido, alternando, según el ritmo, los brazos. Es muy importante tener la espalda recta y los brazos más o menos relajados, sin cargar los hombros, ni tener las muñecas rígidas.
Existe una amplia gama de tonos que pueden ser emitidos por el djembé. Golpear la piel cerca del centro produce notas más graves, golpearla cerca del borde produce tonos más agudos. En un djembé bien afinado se obtienen graves, medios y agudos bien diferenciados.
Agenciamiento
Para tocar el djembé, se utilizan 3 golpes básicos (para tres sonidos), con los que se puede ejecutar ritmos diferenciados que resultan de la combinación entre ellos.
Agudo/Slap: Golpear con la segunda falange de los dedos sobre el borde de la piel y la palma ligeramente curvada, haciendo que las yemas produzcan sonido sobre el parche.
Medio/Tone: Golpear con la palma de la mano por la zona de los nudillos, con los dedos bien estirados y juntos, sobre el borde del parche de manera que los dedos golpeen la membrana.
Grave/Bass: Se golpea el centro de la piel con la palma de la mano.
Además de estos tres golpes básicos, existe uno muy utilizado con el nombre de mordente o mordida, el cual consiste en golpear con las dos manos a la vez pero una llega un poco antes que la otra. Se puede utilizar este sonido de la siguiente forma: mordente de agudos, de graves o de medios, también alternado la mano, mordente de izquierda o mordente de derecha.
golpes en djembé
Por otro lado, existe también un tono medio adicional y se conoce como slap de dedos abiertos. Para obtenerlo se requiere haber logrado una buena definición entre los dos sonidos básicos (medio y agudo) y así poder empezar a localizar ese medio tono en el parche e intercalarlo durante la ejecución de frases.
Interfaz
No tiene interfaz.
Mapa de mediación
Pertenece a la familia de instrumentos membranófonos y es uno de los primeros que existió en el mundo. Es originario del antiguo Imperio Mandinga (1300 y 900 A.C aprox), aproximadamente entre las localidades de Bamako (Malí) y Kankan (Guinea), desde aquí migró posteriormente a Senegal, Costa de Marfil y Burkina Faso, formando parte integral de la música y las tradiciones de la zona. Se cree que esa migración se debió a los Numu, que eran (y todavía son) herreros profesionales considerados guardianes de ciertos poderes. Ellos se encargaban de fabricar las máscaras Komo, realizar la circuncisión y la ablación de los adolescentes, para marcar su paso a la edad adulta, tanto como de esculpir y tocar los djembés.
La música de un grupo tradicional con djembé y dunun no se toca para que las personas estén sentadas oyendo. El ritmo se crea para bailar, aplaudir o para trabajar. La estructura occidental entre músicos y platea es inapropiada dentro de un contexto tradicional. Un ritmo rara vez se toca como una actuación, sino como una interacción entre músicos, bailarines, cantantes y observadores, formando un solo grupo, donde los papeles generalmente se modifican a medida que la música progresa.
Los ritmos tradicionales del Djembé son: Mandiany (en trabajos agrícolas), Dounumba (en las bodas), Wolosodon (en bautismos y en las ceremonias de la circuncisión), Moribayassa (cuando una mujer presenta esterilidad) y Kakilambe (se aplica para invocar la protección de la aldea y no puede ser visto por niños).
La función instrumental del Djembe es la de acompañar una danza y, en ocasiones acompañar musicalmente algunos ritos.
En las ceremonias, los djembés participan musicalmente de la siguiente manera:
djembé en ceremonia
Todo la gente forma un círculo. Los djembistas (tocadores de djembé) y los dunumistas (tocadores de dunums) acompañantes tocan un ritmo base. Las mujeres y sus jóvenes hijas cantan y aplauden. Las personas a las que concierne la ceremonia entran dentro del círculo y efectúan los pasos de la danza (con pasos establecidos o improvisados, según la ceremonia). Durante la danza, el djembista solista, o raramente el dunumista solista, improvisa frases musicales (o frases correspondientes a esa danza) sobre el ritmo de base tocado por los demás instrumentistas, siguiendo siempre con la mirada a la bailarina o bailarín, a fin de que su improvisación le de un perfecto soporte a los pasos de la danza.
El ritmo aparece escrito normalmente entre cuadros oscuros (dos cuadraditos a cada lado). Por lo tanto, se lee 4 veces 4 pulsos u 8 veces 3 pulsos. Tono T (tenor, tono o tono abierto - medio), S (slap - agudo) y B (bajo). Si aparece t, s o b, significa que es posible tocar un golpe extra opcional. Posición de las manos r (derecha), l (izquierda). f (flam, dos golpes que no son exactamente a la vez), d (golpe tapado), k (palmas), 2 (redoble en un "roulement", c = tapar durante el redoble. Derecha e izquierda pueden cambiarse para los zurdos. Utilizo los redobles cuando en cada pulso se alternan la mano derecha y la izquierda. A veces es mejor buscar un mejor posicionamiento de las manos, debido a la velocidad o a un "roulement". (Fuente)
Teleología
1300 y 900 A.C:
- Conocido en varios lugares de África como el tambor curativo por su gran poder y su nombre significa “reunidos en paz”.
- Unido a la danza y al canto. Acompañamiento y sostén en todo tipo de ceremonias (bautismos, bodas, danzas de máscaras, funerales).
Siglo XVIII:
- Comienzo de la expansión del Djembé fuera de sus fronteras, gracias a la tribu de los Diola.
1950 D.C:
- Gira realizada por "Les Ballets Africains", del músico, bailarín y escritor guineano Fobeda Keita y la primera gran difusión del djembé.
1958 D.C:
- "Les Ballets Africains" es proclamado "Ballet Nacional" por el primer presidente de Guné independiente, Sékou Touré,
1964 D.C:
- El "Ballet Djoliba" tiene un espacio para ensayos en el palacio de su país construido por una financiación de Sékou Touré.
- El "Ballet Djoliba" es financiado por Sékou Touré con la intención de promocionar costumbres de Guinea haciendo giras mundiales en las que se da a conocer el djembé.
1984 D.C:
- Los recursos para los ballets se redujeron y muchos djembistas fueron a trabajar a otros países de Europa y América del Norte. Crece la popularidad del djembé.
1991 D.C:
- Laurent Chevallier realizó el documental "Djembefola" ganando varios premios internacionales y mostrando el djembé para un gran público.
Actualidad:
- Utilizado en diversos géneros musicales (música tradicional de África, reggae, música electrónica, pop rock y sus variantes).
Referencias
Djembé (kaypacha.com.ar/instrumentos) - Fuente/link utilizada como aporte en varias secciones del texto (Descripción, Disposicion Material y Mapa de Mediación).
Dunun (Wikipedia en español) - Fuente/link utlizada como referencia al mencionar Dunun en el texto (instrumento habitual acompañante del djembé en ceremonias).
El eufonio (euphonium en inglés, alemén y francés, eufonio en italiano), también conocido como bombardino, es un instrumento perteneciente a la familia del viento metal. Es un instrumento no transpositor y se escribe en clave de Fa. Su registro va desde Sib1 hasta Sib4. El término euphonium, viene del griego euphonos que significa "voz suave", esto hace referencia a su sonoridad, que es más suave y redonda que la del trombón.
Disposición material
El eufonio es un instrumento compuesto principalmente por latón lacado. Posee pistones o válvulas rotatorias y una boquilla. Se lo relaciona mucho con la tuba pero con un cuerpo cónico y pabellón acampanado. Su campana es mas estrecha que la de la tuba, por lo que su registro es mas alto.
Partes del Eufonio
Partes necesarias
1.Campana.
2.Bomba general.
3, 4 5 y 6.Bombas de cada pistón.
7.Soporte para atrilillo.
8.Llave de desagüe.
9.Cubierta de los pistones.
10,11,12, y 13.Pulsadores de pistones.
14.Tudel.
15.Boquilla.
Partes variables
Sordina, accesorio que se coloca en la campana del instrumento para atenuar el volumen y modificar su timbre.
Modo de mediación
Es un instrumento responsivo, ya que lo domina el intérprete. Además de ser modulante, ya que, mediante técnicas como el trino, el sonido puede ser modificado o modulado.
Agenciamiento
Ejecución de un eufonio
En el caso de que su ejecución sea sentado, el instrumento se apoya en el muslo del intérprete, aunque tambien puede ser ejecutado de pie. El eufonio se sostiene inclinado hacia la derecha, con la mano izquierda en las bombas de los pistones y la derecha en los pulsadores de pistones. Se coloca la boca en la boquilla del instrumento y el sonido se va a producir por la vibracion de los labios del intérprete a partir de su aire. Los pistones del eufonio son presionados y su función es modificar la altura del sonido ejecutado.
Funcionamiento de un pistón en instrumentos de la familia del viento metal
Interfaz
El eufonio posee 4 pistones cuya función es alargar el recorrido de la columna de aire que atraviesa el tubo para modificar la altura del sonido. A la misma altura de los pistones, se encuentra la boquilla, en donde se debe colocar la boca para enviar vibraciones al instrumento a partir de los labios.
Mapa de mediación
Oficleido
La creación del eufonio no está muy clara, hay quienes se la atribuyen a Carl Moritz en 1838 como una tuba tenor, y otros a Ferdinand Sommer en 1843.
En algunos lugares, particularmente en Estados Unidos, el bombardino reemplazó a la tuba tenor de Wagner (o 'tuba wagneriana') y fue usado a menudo para leer sus partes. Al ser un instrumento no transpositor y escrito en clave de Fa, cuando se lee partes para tuba wagneriana, en clave de Sol, el intérprete de bombardino debe transportar una novena mayor hacia abajo. Sin embargo, en bandas de concierto o sinfónicas, las partes para dicho instrumento suelen ser escritas transpuestas en Sib y en Clave de Sol, sonando así, una novena mayor mas abajo de la nota escrita.
El eufonio es un instrumento de banda pero no es considerado parte del quinteto de metal. Debido a su gran versatilidad y parecido al timbre del instrumento de cuerda, se lo llama, por ejemplo, cello de la banda. Por otro lado, juega un rol muy importante en marchas como las de Philip Sousa, aunque en otras es reemplazado por el bombardino de marcha. Ademas, el eufonio es indispensable en bandas sinfonicas y otras bandas de concierto.
A continuación, una interpretación de una obra de Piazzola en donde se puede apreciar el sonido del eufonio. Piazzolla - Café 1930
Teleología
El bombardino desciende de un instrumento llamado oficleido (parecido a un saxofón con forma de fagot) y, previamente, del serpentón. Tomó un largo tiempo fabricar un instrumento de viento funcional que pueda apoyar las masas de sonido. El serpentón fue usado durante dos siglos, hasta finales del Renacimiento, en donde ya era dificultoso mantener su afinación y calidad de sonido. Por otro lado, el oficleido, usado en bandas y orquestas por varias decadas, estaba un paso adelante del serpentón ya que poseía un sistema de llaves pero su calidad no era buena en el registro agudo.
La invención de los pistones generó una revolución en la fabricación de instrumentos, ya que esto permitía realizar una escala cromática completa. En 1835, Wilhelm Wieprecht y Johann Gottfried Moritz inventaron la tuba, que iba a sustituir al oficleido.
El fagot o fagote (bassoon en ingles, basson en frances) es un instrumento de viento madera de doble caña, se encuentra formado por un tubo cónico que se dobla sobre si mismo. Es el instrumento mas grave de la familia de los vientos maderas, (junto con el contrafagot, una versión de mayor tamaño del mismo) su extensión de 3 octavas lo hace un instrumento muy versátil y fue creado a principios del siglo XVIII con el objetivo de ampliar el alcance a los graves de los "instrumentos viento madera.
Disposición material
cuerpo del fagot con sus respectivas partes señalizadas
Los primeros fagots del siglo XVII estaban fabricados con una única pieza de madera, en la actualidad este se compone por 4 partes distintas ensambladas (hechas por lo general de arce o palisandro) estas son el cuerpo pequeño, la culata, el cuerpo grande y el pabellón o campana, de la parte central del instrumento sale el tudel (hecho de metal) en el se inserta la boquilla de doble caña. en la parte central también se ubican las llaves y los agujeros. Al fagot se lo fue perfeccionando, agregando llaves y múltiples soluciones técnicas desde su creación hasta 1899.
Posee una longitud aproximada de 1,37m y alcanzaría casi 2 metros sino fuese porque se dobla sobre si mismo.
Partes necesarias
Las partes primordiales del instrumento son la campana que remata el instrumento, el cuerpo grave, la culata (es la parte inferior del instrumento y donde el tubo se dobla por medio de un codo metálico), la pieza tudelera (donde se inserta el tudel), el tudel y la caña.
Partes variables
La principal variabilidad que puede existir es la madera con la que el instrumento se elabora, y depende en que época la cantidad de llaves. En la actualidad es normal que sea el fagotista mismo quien fabrique la boquilla para su instrumento.
Existen otros accesorios opcionales para quien ejecuta el fagot como una muletilla que se utiliza tener la mano separada del instrumento y tener mayor comodidad, también existe un soporte para sostenerlo sobre la pierna.
En la actualidad existen dos sistemas distintos de fagot.
Sistema Heckel
Sistema alemán de 17 llaves y 4 octavas desarrollado por Carl Almenräder y Gottfried Weber en 1823, este sistema es el predominante y mas extendido el mundo
Sistema Buffet
Este sistema solo fabricado en francia fue desarrollado previamente al Heckel, se centra en mejoras incrementales al sistema de llaves, se caracteriza por ser de uso menos cómodo que el sistema alemán pero también por tener una calidad mas vocal y expresiva
Modo de mediación
Quien ejecuta el fagot se lo sitúa transversalmente de manera que la campana quede a mayor altura que su cabeza, debido al peso del instrumento se suele ejecutar sentado y con una correa, mientras que la mano izquierda se ubica en las llaves de arriba y la mano derecha en las llaves inferiores.
Postura para ejecutar el instrumento
Agenciamiento
El fagot se usaba originalmente para reforzar la linea de bajo de las agrupaciones instrumentales, mas adelante se comenzó a demostrar mayor interés por el y en la segunda mitad del siglo XVII se incorporo oficialmente a la orquesta donde seguía trabajando en conjunto con los demás para crear una sonoridad uniforme y ser el bajo de los vientos madera, en el siglo XVIII comenzó a desprenderse de este papel y empezaron a aparecer obras solistas para fagot.
Interfaz
El sonido en el instrumento se genera soplando por la boquilla de doble caña, el aire recorre todo el instrumento, entrando desde el tudel hasta salir por el pabellón, las notas se obtienen con la combinación de orificios tapados y descubiertos mediante el sistema de llaves
Mapa de mediación
El fagot se creo con el objetivo de ampliar el alcance a los graves en los vientos madera, posee un extensión de tres octavas y media por lo tanto su papel en la orquesta suele ser principalmente el de funcionar como bajo para esta familia de instrumentos, suelen utilizarse dos fagots como mínimo ubicados en la sección trasera de los vientos madera.
El fagot gracias a sus gran registro posee ademas ciertas connotaciones "cómicas" debido a diversas obras donde el uso que se le da a este instrumento es meramente decorativo o pintoresco, ejemplos claros de esto son el "Scherzo humoristico para cuatro fagots" de Sergej Prokofiev (1912) o Maurice Ravel en "Alborada del gracioso" (1918)
Teleología
Como ya se hablo en instancias anteriores, el fagot se creo para aumentar la tesitura de los vientos madera, su uso es el de ser el bajo de esta familia, acompañar con sus graves potentes y pastosos a los otros vientos madera y algunos instrumentos viento metal como las trompas. Sus agudos trabajan muy bien en conjunto con flautas y como solistas.
Es muy efectivo ejecutando notas cortas o staccatos.
Extender el conocimiento de los instrumentos orquestales.
Consolidar lo aprendido en las visitas internacionales del Laboratorio de Performance.
Aprender a editar video en reaper, con el manejo total de envolventes , lineas de tiempos, efectos.
Incorporar y/o hacer colisionar los lenguajes masivos actuales con el conocimiento histórico de la práctica musical.
Consignas
Laboratorio de Performance 6, Émilie Girard Charest Miércoles 30 de Octubre de 2019, 18 horas, Aula Taller de Tecnología Musical , Caseros II.
Asistir al Laboratorio de Performance 6, e investigar alguno de los siguientes temas entrevistando a Émilie: control del arco, scordatura, graduación de presión en mano izquierda y derecha, articulaciones tradicionales (pizz, spicc, gett , flageolet) y extendidas, relaciones intermodales (música y danza), extensión tímbrica.
Con lo visto y aprendido en todos los laboratorios generar un agenciamiento novedoso en algún instrumento orquestal del diccionario de de musiki, algún nuevo instrumento, mejorando la información ya contenida. Excepcionalmente, y solo en el caso del formato de entrega en youtube puede optarse por instrumentos inventados (DIY) o código como instrumento (pd,sc,web).
IMPORTANTE, consultar el material de la carpeta orquestación de la bibliografía, estudiando el estado de la cuestión en el instrumento elegido.
Formato de Entrega
Para este trabajo existirán tres formatos de entrega a elección:
Video tutorial en youtube, al modo de los tutoriales de conocimiento musical mas conocidos. Duración mínima: 60 segundos. Seguir la guia de realización en youtubers. Modo de entrega: en el muro de i1
Colaboración en entrada existente de musiki. Crear uno o varios materiales para una familia orquestal, completando , revisando y corrigiendo las entradas existentes. Los materiales deben seguir la guía de la página Materiales. Modo de entrega: Compartir en el muro de i1.
Creación de un nuevo instrumento. Documentar un instrumento novedoso que aporte a los diccionarios de o . En esta opción no es posible sumar instrumentos DIY.
La flauta es un instrumento musical de viento. Puede ser considerado uno de los instrumentos mas antiguos de este entorno, pues aunque con distintas formas, ligeras alteraciones y derivaciones, ha aparecido en distintas culturas a través de la historia.
Esta investigación se enfoca en una de sus derivaciones mas reconocidas: la Flauta Traversa o Querflöt en alemán.
Disposición material
En sus inicios eran de madera, caña, marfil o hueso entre otros pero actualmente existen de distintos materiales como metal, aleaciones de distintos metales y hasta oro .
Constan de un tubo con el extremo superior cerrado, cerca de este se encuentra un bisel por el cual se produce el sonido y una serie de orificios en el resto del mismo tubo.
Partes necesarias
Inicialmente este tipo de instrumentos constaban de un solo tubo en el cual se distribuían la boquilla para la ejecución y los orificios para la digitacion. Actualmente, La Flauta Traversa viene dividida en tres partes: Cabeza,Cuerpo y pie. Este seccionamiento es fundamental para afinar el instrumento.
Partes variables
Para la ejecución del instrumento dos partes pueden variar según las imposiciones de la obra a interpretar o el gusto/comodidad del ejecutante: El pie y el Cuerpo.
El pie de la flauta, tiene dos tipos de mecanismos distintos:
_ Pie en Do: Sistema de tres llaves (do, do# y re#). La nota más grave es Do4.
_ Pie en Si: Sistema de cuatro llaves (si, do, do# y re#). La nota más grave es Si3.
En el cuerpo, nos encontramos también con dos variaciones posibles:
_ Sol en línea: todas las llaves están alineadas.
_ Sol desalineado: la llave de Sol y Sol# están desalineadas respecto al resto de llaves. Esto permite acercar estas llaves al dedo anular, y tener una posición más ergonómica.
Modo de mediación
Se debe soplar en la embocadura de la cabeza para producir sonido. El aire llega directamente de los labios del ejecutante hacia el bisel, a modo de comparación, no es así el caso de las flautas dulces, donde el aire se introduce antes en un canal enfocado al bisel . Abriendo o cerrando los orificios del cuerpo se cambia la longitud del aire vibrante dentro del tubo, definiendo así la altura del sonido. Depende el tipo de flauta, la forma de abrir o cerrar esos orificios es mediante el sistema de llaves o directamente con los dedos, tapando o destapando los orificios.
Agenciamiento
Este instrumento, al igual que la mayoría de los instrumentos musicales puede tocarse de manera individual o acompañada.
Históricamente es relacionado en orquestas con distintos instrumentos de cuerda y percusión. Es algo común imaginar un dúo de piano y flauta traversa, o relacionarlo a un grupo pequeño de instrumentos, esto se debe a que la flauta traversa es muy utilizado en músicas de cámara.Este ultimo aspecto no quita la posibilidad de tener una flauta traversa como solista en una orquesta sinfónica, al contrario, es un instrumento con posibilidades muy amplias, tanto timbricas como melódicas.
Interfaz
No posee una interfaz como otros instrumentos como el piano, el contacto es directo con el ejecutante.
Mapa de mediación
La flauta traversa, travesera o transversal es un instrumento perteneciente al tipo/familia de los vientos de madera. Ha pasado por muchos cambios desde la edad media hasta la actualidad. El cambio definitivo fue en el siglo XIX cuando un músico, flautista, y compositor, entre otras de sus facultades, llamado Theobald Böhm (1794-1881), perfeccionó el instrumento, modificando el método de fabricación, añadiéndole nuevos orificios e introduciendo un sistema de llaves, más ergonómico, que facilitaba la digitación. Si bien se puede fabricar con platos cerrados (es decir, la llave que pulsa cada dedo carece de orificio), lo habitual hoy día es fabricarla con platos abiertos.
Desde entonces el diseño de la flauta travesera no ha sufrido prácticamente cambios de importancia. Sin embargo, los materiales para fabricarla sí han cambiado. La calidad de su material influye mucho en la calidad del sonido. Además mejora notablemente si se fabrica la boquilla con especificaciones detalladas que varían según el intérprete y sus necesidades o requerimientos. La flauta travesera es uno de los instrumentos de viento más complicados de tocar sobre todo por la posición de la embocadura para hacerla sonar, destacando también las octavas que necesitan una mayor fuerza del aire.
Tradicionalmente fue usado para músicas populares hasta que en el año 1681 en Francia fue introducido por primera vez en una orquesta. A partir de entonces fue aceptado también en las músicas de cámara.A principios del siglo XVIII empezó a usarse en los conciertos aunque en esa época tomo gran popularidad, la flauta traversa se veía como un elemento poco refinado para ser considerado un instrumento para la música clásica.
Teleología
Este instrumento cumple la función de voz principal o solista. Debido a su timbre, es muy común ejecutar una linea musical para voz humana con la flauta. Actualmente la flauta traversa se utiliza en la interpretación de Música de Cámara y repertorio de Orquesta, sin embargo a través del tiempo se ha ido incorporando a diferentes estilos musicales como el Jazz, el Tango, la música celta, el flamenco, el rock y el pop entre otros.
Referencias
Este trabajo se baso en información de las siguientes paginas, todos los derechos corresponden a sus respectivos autores.
La flauta piccolo (del Italiano ‘flauta pequeña’) es también conocido como Flautín o Piccolo. Es un instrumento de viento-madera. Físicamente, se parece a la flauta travesera pero con un menor tamaño, siendo este aproximadamente de 32 centímetros.
Es un instrumento transpositor, es decir que el sonido real es diferente al escrito. Las notas se escriben una octava más abajo, para evitar demasiadas líneas adicionales en el pentagrama.
Posee un sonido agudo y penetrante.
Las flautas pertenecen a la familia de los instrumentos de bisel, que desde la antigüedad se han fabricado de madera.
Disposición material
La disposición de materiales de la Flauta Piccolo puede ser de tres variantes diferentes:
a)Todo de madera (generalmente de madera de granadilla o pasta de madera) con llaves de metal
b) Cuerpo de madera, con cabeza y llaves de metal
c) Todo de metal (el material puede variar, usando entre níquel, cinc e incluso metales preciosos).
Flautín con cabeza de madera y cuerpo de madera.
A diferencia de la flauta traversa el piccolo comienza desde la cabeza con una forma cilíndrica, pero su cuerpo termina siendo cónico. Por esta razón muchas digitaciones regulares que funcionan en la flauta causan problemas de afinación en el piccolo. Es decir que ambos instrumentos se comportan de forma diferente debido a su estructura.
Partes necesarias
Las partes que forman al piccolo son dos:
Cabeza y Cuerpo
Dentro de cada una de ellas son reconocibles:
La embocadura (bisel, corona, labio, tubo), parte de la cabeza.
Llaves y Pie, parte del cuerpo.
Partes variables
Todas las partes del instrumento son necesarias.
Modo de mediación
Para generar sonido en el flautín, se debe colocar el labio inferior sobre el orificio que se encuentra en la embocadura y soplar.
Para insuflar el aire, la flauta debe estar en posición horizontal. Posición en la cual se debe realizar la digitacion.
Agenciamiento
La familia de instrumentos musicales a la cual pertenece producen el sonido por la vibración de la masa de aire en su interior, solo requiere del uso del viento.
Originalmente su tonalidad era un Re bemol y posteriormente a finales del siglo XX empezó a ser fabricado casi exclusivamente en tonalidad de Do.
Registro:
Registro bajo (D5 - G5)
Al igual que la flauta, las notas bajas del piccolo contienen pocos armónicos.
Registro medio (G # 5 - C7)
Dependiendo de cómo y dónde se use el instrumento, se pueden lograr efectos delicados y elegantes, por ejemplo, la imitación del canto de los pájaros.
Registro superior (C # 7 - C8)
Las notas altas de este instrumento son una continuación del registro superior de la flauta; suenan agudas y penetrantes.
Interfaz
La flauta piccolo al ser un instrumento que reacciona a la excitación producida por el ejecutante al soplar, no necesita de un medio adicional para poder emitir sonido, es decir que no posee interfaz.
Mapa de mediación
La flauta piccolo, flautin o “piccolo” es una flauta pequeña, considerado un instrumento auxiliar (al igual que otros).
El antecesor más conocido de la flauta piccolo es el pífano. Se ha relacionado siempre con las bandas militares y su origen parece estar en Suiza. Cervantes lo nombra en el Quijote: “sonaron las trompetas y clarines, retumbaron tambores, resonaron pífanos, casi todos al mismo tiempo” (parte 2ª, capítulo XXXIV). También podemos verlo en la pintura de Monet: "Le Fifre"
Su primera misión es extender el ámbito sonoro de la familia a la que pertenece. Su registro se encuentra una octava más arriba, al de la flauta traversa y por lo tanto tiene un sonido mas agudo y penetrante. Por lo general su uso esta relacionado con banda militares, no obstante puede ser utilizado para piezas delicadas y tranquilas.
El fliscorno es un instrumento de viento, perteneciente a la familia de los instrumentos de viento metal o metales dentro del tipo de los bugles (también llamados flugels, bugelhorn, flügelhorn o saxhornos), fabricado en aleación de metal. Guarda gran similitud con la trompeta.
El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire). El fliscorno comúnmente está afinado en Si♭ (bemol), es decir, un tono por debajo de la afinación real.
Disposición material
El fliscorno es un instrumento que en el pasado fue construido con materiales diversos como madera, arcilla y cerámica. También se construyeron enteramente de latón, bronce, plata y níquel. El fliscorno moderno, generalmente esta hecho de latón, y a veces se lo galvaniza con plata, níquel, oro o cobre (rosado)
Partes necesarias
1) Boquilla o embocadura: Es la pieza en la que se apoyan los labios y es el lugar primario generador de las oscilaciones.
2) Tubería: Pieza cilíndrica que encierra la columna de aire que ha de vibrar.
3) Tres Pistones: Poseen la funcionalidad de variar la longitud del circuito de la tubería.
4) Pabellón: Es el extremo abierto del instrumento, realiza la transición de la columna de aire hacia el mundo exterior.
Partes variables
Pueden utilizarse sordinas para variar la sonoridad y el timbre de este instrumento.
Modo de mediación
Las oscilaciones de las columnas de aire son inducidas por aire que impresiona el músico desde sus labios apoyados en la embocadura (boquilla). A su vez las oscilaciones de la columna de aire inducen oscilaciones de presión en el interior de la embocadura, las que afectan el movimiento de los labios. Los labios terminan oscilando con la frecuencia de las oscilaciones de la columna de aire. Por otro lado el músico, cambiando la tensión de sus labios, tiene la posibilidad de seleccionar en forma mucho mas controlada un modo de oscilación de entre los numerosos modos de la columna de aire. El sonido inyectado por el músico en la boquilla se propaga a lo largo de la columna de aire encerrada por el cuerpo del instrumento hacia el pabellón. La utilización de los pistones o válvulas alargan el recorrido del aire, causando una disminución de la frecuencia del sonido. Por lo general, cuenta con tres válvulas y emplea el mismo sistema de digitación que otros instrumentos de viento metal. Así, se pueden realizar unas determinadas notas sin presionar ninguna válvula y conseguir las restantes con las series de armónicos que aparecen con la combinación de sus tres válvulas.
La afinación se suele ver afectada por la temperatura ambiental, por tanto es necesario calentar el instrumento antes de tocar soplando a través de él. Para afinar correctamente el fliscorno es necesario ajustar el tudel hasta conseguir la afinación deseada.
Agenciamiento
El sonido se produce cuando los labios del ejecutante producen una vibración mediante un flujo de aire en la boquilla. Al activar con los dedos las válvulas o los pistones se producen diferentes notas, dependiendo también de la intensidad del soplido. En relación con otros instrumentos afines como la tuba, el fliscorno, al ser más pequeño y liviano, el ejecutor puede optar por estar sentado o parado.
Interfaz
Mapa de mediación
En 1811, el inglés Joseph Halliday patentó un bugle llamado Royal Kent bugle. En 1832, el muniqués Michael Saurle (padre) patentó en Baviera un bugle de llaves (Flügelhorn cromático). Sin embargo, otros historiadores aseveran que el fliscorno surge del belga Adolphe Sax quien en 1845 patentó el saxhorno, una especie de bugle con llaves.
Sus principales ámbitos de aplicación se encuentran en el jazz, en las bandas antiguas (1800-1890) y en algunas bandas actuales de viento metal, aunque en ocasiones es usado en el ámbito orquestal. Un notable ejemplo de esto último es la Novena Sinfonía del inglés Ralph Vaughan Williams (1872-1958).
Teleología
Fue en el siglo XXVIII en el que este instrumento se utilizó para dirigir las fases de la caza. La palabra "Flügel" en alemán significa flanco, de allí que probablemente se derive de la maniobra del flanqueo, en la que se acorrala y se atrapa a la presa. Durante la guerra de los siete años (1756-1763) en la cual se vieron involucradas potencias europeas, Estados unidos e India, el fliscorno fue utilizado como un instrumento militar.
El Glockenspiel (del alemán Glocken que significa "campanas" y Spiel que significa "tañido") es un instrumento de percusión idiófono, que consiste en un juego de placas o láminas metálicas afinadas [5]cromaticamente dispuestas de manera similar a un teclado de piano, con una extensión por lo general de dos octavas y media o tres octavas, partiendo del Sol5 o Fa5.
Es un instrumento de sonoridad aguda, brillante y luminosa.
Es un instrumento de transposición, anotado en un sistema en clave de sol. Las notas suenan por lo general dos octavas más alto que lo escrito. Sin embargo, la notación en algunas ocasiones puede ser de solo una octava más baja. [6]
El instrumento esta construido con placas de metal suspendidas sobre un soporte de madera con un riel de fieltro, lo que le permite vibrar. Cada barra tiene su propio tono.
Las barras están dispuestas en el mismo orden que las teclas de un piano.
El destinado a orquestas viene en un bastidor de madera asemejándose a una caja portátil o también caja de resonancia que se monta en un soporte metálico ajustable o simplemente se coloca sobre una mesa.
La versión para bandas tiene un marco en forma de lira al que se sujetan las láminas y que se puede tocar durante la marcha, ya que se toma con una sola mano. [7]
Partes necesarias
Placas o láminas metálicas del mismo ancho y grosor, pero de distintas longitudes que determinan su altura tonal: cuanto más corta es la placa, mas alto es el tono.
Bastidor de madera o caja de madera poco profunda
Soporte o riel de fieltro.
Partes variables
Caja de resonancia.
Soporte metálico ajustable para el glockenspiel abierto
Marco en forma de lira.
Materiales de las baquetas: madera, metal o goma dura.
Modo de mediación
Se lo percute con baquetas de dureza variable: madera y ocasionalmente también puedan ser utilizadas baquetas de plástico (goma dura) o metálicas.
Los baquetas mas duras (metálicas) enfatizan los armónicos superiores, lo que hace que el timbre sea más brillante, más duro y más estridente.
Con las baquetas más suaves (de madera) el timbre se vuelve más suave y redondo y contiene más fundamental.
El punto en el que se golpea la placa también puede influir en el sonido. En el Glockenspiel el punto mas llamativo está casi exactamente en el centro de la barra.
En pasajes suaves y rápidos, el músico a veces golpea la barra deliberadamente cerca de donde están montadas. El volumen en este punto es extremadamente bajo porque las vibraciones de la barra son más débiles aquí. Con esta técnica, la distancia entre las teclas "negro" y "blanco" también se acorta.[8]
Agenciamiento
El Glockenspiel de orquesta normalmente es tocado en forma horizontal con dos baquetas: una en cada mano.
Otro método poco frecuente puede ser emplear cuatro baquetas para tocar acordes: dos por mano.
Las notas individuales cesan cuando acaba su vibración, pero se pueden amortiguar con la mano después del ataque, lo que permite al instrumentista determinar la duración del sostenido.
El instrumento ahora conocido como el Glockenspiel es un híbrido, resultante de la fusión de dos tipos diferentes de instrumentos, el glockenspiel "genuino" con campanas reales y el metalófono. [9]
Handel lo utilizó por primera vez en 1739 en su oratorio Saúl (lo llamó carillón); más tarde Mozart también lo utilizó en La flauta mágica (1791).
Karel Salomon, compositor germano-israeli, escribió un concierto para glockenspiel en 1948.
Actualidad y música popular: Los glockenspiel son muy populares y aparecen en casi todos los géneros de música que van desde hip-hop hasta el jazz. Entre otras, el Glockenspiel apareció en la clásica balada " Little Wing " de Jimi Hendrix. También se escucha una sencilla línea de glockenspiel en la canción "No Surprises", décimo tema del disco Ok Computer (1997) de la banda británica Radiohead.
J. S. Bach: Cantata Schlage doch gewünschte Stunde.
Orff: Schulwerk. Wagner: Los Maestros Cantores.
Debussy: El Mar.
Mahler: Séptima sinfonía.
Stravinski: Petrushka.
Teleología
En la orquesta, la tarea principal del glockenspiel es agregar brillo a las líneas de melodía tocadas por otros instrumentos doblando ya sea al unísono o una, dos o tres octavas arriba. Realiza esta tarea con mayor frecuencia en combinación con la flauta, el piccolo, la celesta y el arpa, y menos a menudo con el violín, el oboe y el clarinete.
Los solos son bastante raros, aunque también muy efectivos y notables. Aparecen menos por razones tonales que por razones simbólicas (el glockenspiel representa aves, o el rápido paso del tiempo).<ref>Vienna Symphonic Library - Glockenspiel - Sound Combinations</ref> [10]
Referencias
Listado de páginas web externas usadas como fuente en este artículo.
Es un disco de bronce o alpaca martillado a mano que suele medir dos metros de diámetro, con bordes curvados hacia adentro y cuenta con un soporte con cuerdas que sujetan el disco para que permanezca suspendido.
La protuberancia central se denomina “pezón, saliente o bulbo”. Cong para los vietnamitas.
Se pueden distinguir los Gong verticales (la mayoría) y los horizontales (Gamelán).
El resultado artístico y calidad del gong dependerá de la mezcla de los metales con que ha sido fabricado. Normalmente son cobre y estaño con una proporción del 80% del primero y de un 20% del segundo. En ocasiones se añade algo de hierro para obtener un color más oscuro.
En Annam se construían Gongs especiales que contenían una buena cantidad de plata. La sonoridad era muy clara y llegaba lejos pero su coste era muy superior al normal. En tiempos más antiguos se empleaba también en la mezcla cierta cantidad de oro.
Partes necesarias
La configuracion total del instrumento consta de una estructura metálica o de madera como esqueleto fundamental para sostener el inmenso disco que es sujetado por cuerdas de alta resistencia.
Se implementan distintos tipo de baquetas u/o mazas de distinto volumenes y densidad en la felpa para lograr diferentes materiales sonoros.
Modo de mediación
Gong Sinfónico, instrumento percutivo de gran caracter armonico comunmente utilizado en orquestas sinfonicas e implementado elementos del mismo para distintos fines como la curacion o ambientacion en distintos ambitos artisticos. A su vez se configura de diferentes diametros donde varia cualidades timbricas de su resonancia, sumado a las extensas posibilidades de ejetucar materiales depende el elemento que se utilice al golpearlas (comunmente denominados "Baquetas").
Encontraremos al Gong Sinfonico en distintos idiomas de la siguiente manera:
Symphonic Gong (Ingles)
Gong symphonique (Francés)
Symphonischer Gong (Alemán)
Agenciamiento
Los gongs son ideofonos, ya que el sonido se produce mediante la vibración del propio cuerpo del instrumento y posee una gran capacidad de resonancia. Su sonido tarda unas décimas de segundo en producirse, por lo que el percucionista debe anticipar el ataque. Cuando desea apagar el sonido, lo consigue apoyando la mano o abrazando al instrumento.
La vibración máxima se da en el centro del disco y tiene diferentes posibilidades de percutir. La primera surge al ejecutar sobre el gong directamente con un solo golpe mediante una maza. La resonancia del ataque varia según la zona del gong donde es golpeado. Otra posibilidad es golpeándolo con dos masas iguales, lo que nos da la posibilidad de realizar tremolos.
Mapa de mediación
Los primeros gongs se hicieron en Indonesia y de ahí se extendieron por todo Asia. En la forma más primitiva, el Gong habría penetrado en Asia bajo la influencia de la cultura griega: Algunos autores griegos mencionan un instrumento el ECHION de Metal muy fino, que servía para imitar el Trueno y se usaba en algunas ceremonias rituales y funerarias en Eleusis y Esparta sobre todo.
La expedición de Alejandro propagó el gong hacia Oriente. Posteriormente la expansión del Budismo contribuiría a la difusión por el mundo.
El gong fue introducido en Europa en el siglo XVIII y utilizado por vez primera en la orquesta sinfónica por Gossec en su Música funebre para Mirabeau 1791. Años despues Lesueur lo empleó en su opera Los bardos 1804 y Spontini en La vestale 1807. Otros compositores incluyeron al instrumento en sus partituras; Bellini en Norma (831; Meyerbeer en Roberto, el diablo 1831; y Halevy en La juive 1835; y desde entonces coninuó formando parte en la orquesta convencional.
Teleología
La curación a través del sonido es una de las formas más antiguas de sanación utilizadas por el ser humano. Se utilizaba en ritos funerarios y como herramienta para alcanzar altos estados de meditación y conciencia.
Las vibraciones sonoras emitidas por el Gong actúan despejando los canales de transporte dentro de la célula, facilitando el movimiento de la energía a través de la membrana celular.
Estimula la actividad del sistema nervioso con efectos terapéuticos: relajación profunda, concentración, calma, recuperación de la energía, alivio de la ansiedad y el estrés.
El Thai Gong es una gran plancha o disco de aleación (predominantemente bronce) y esta compone la totalidad de su material vibrante. Por su modo de vibración, y para poder reproducir su material ordinario el instrumento también cuenta con un soporte confeccionado tradicionalmente en madera o metal y una cuerda que sujeta el disco.
Partes necesarias
Disco de bronce de tamaño variado que posee una protuberancia en el centro, la cual se lima para bajar su altura, mientras que para subirla se rebaja la superficie plana. También se recurre a una mezcla particular de cera de abeja y plomo (actualmente resinas sintéticas) que, adherida a la cara interior de la protuberancia central, añade peso y
reduce la vibración, bajando la altura del sonido.
También es necesario el soporte que sujetará el disco por sus lados (borde) dejándolo suspendido en el aire.
Partes variables
Si bien el sonido mas característico del Thai Gong proviene de percutir de la maza sobre el disco, esta puede variar de forma, tamaño y materiales en su confección.
Modo de mediación
Según la clasificación organológica de Hornbostel y Sachs (1914), los
gongs son idiófonos; esto es, instrumentos en los que el sonido se produce
mediante la vibración del propio cuerpo del instrumento.
Agenciamiento
La forma en la que se genera el sonido, diferencia al gong de campanas,
platillos o címbalos. La vibración máxima se da en el centro del disco, siendo
ésta más débil o nula en el borde (en el caso de los otros instrumentos
mencionados, el punto de máxima vibración se alcanza en los bordes).
Aclarado esto, es fácilmente explicable el hecho de que los gongs se
suspendan o sujeten siempre por el reborde, mientras campanas y platillos se
sujeten por el vórtice o parte central.
Mapa de mediación
Es difícil hasta el día de de hoy el origen del Gong así como sucede con otros instrumentos "ancestrales"
Algunos especialistas señalan al Noroeste de la India (o Suroeste de
China) como posible lugar de nacimiento. Otros, al Cercano Oriente y en torno
al siglo VIII a.C. (Simbriger 1939), donde el gong pudo desarrollarse a partir de
otro idiófono discoidal de bronce, sin protuberancia central. Un tercer grupo de
investigadores mencionan a Indonesia (concretamente a la isla de Java) como
cuna del instrumento, situando su origen en torno al siglo IV a.C. y
justificándolo como evolución de los tambores de bronce procedentes de Asia
continental, en última instancia de la cultura Dong-Son (Kunst 1947).s tiene base en la escasez de registro arqueológico.
Teleología
Referencias
Interfaz
El gong (del malayo: gong; chino: 鑼; pinyin: luó; japonés: 鑼, translit; ra; khmer: គង - Kong; tailandés: ฆ้อง Khong; vietnamita: cồng chiêng) es un instrumento circular de percusión de metal , que generalmente tiene un borde hacia adentro. En la mayoría de las formas, se golpea en el centro con un batidor (maza) de fieltro o de cuero. Los Thai Gongs se diferencian de otros tipos (como el Gong Chino) por emitir un sonido de clara tonicidad.
El Gran cassa ( Grosse Trommel, AL; grosse caisse, FR; gran tamburo, IT; bass drum, ING) es un instrumento de percusión del tipo membranófono. Es el de mayor tamaño (su tamaño puede variar entre 30 a 40 pulgadas) de la familia de los tambores y es el que cubre los registros más bajos. Los usos de este gran bombo pueden ser dinámicos, rítmicos, tímbricos o de efectos especiales, en el caso de la orquesta, se usa frecuentemente para crear un impacto debido a su gran potencia.
Disposición material
Instrumento cilíndrico de madera (haya, nogal), más raramente madera contrachapada o metal; su tamaño varia entre 30 a 40 pulgadas de diámetro y una profundidad de 35 a 65 cm. A diferencia de otros tipos de tambores el Gran cassa tiene parches en sus dos extrememos, donde se golpea uno y el otro suena por simpatía.
Partes necesarias
Aro y torres tensores de la membrana.
Las partes necesarias del instrumento son el cuerpo cilíndrico (Madera) las membranas (cuero de ternero, burro, o parches plásticos), y los tensores de la membrana(Desde mediados del siglo XIX, la tensión de la cuerda fue reemplazada gradualmente por la tensión del tornillo). Este ultimo se compone de un aro o anillo que rodea a la membrana (ligeramente mas grandes que el cuerpo), y unas torres con tornillos que presionan el aro y están sujetas al cuerpo del instrumento.
Partes variables
Al ser un instrumento muy sencillo en cuanto su configuración, las partes variables son casi nulas. Lo que puede variar son los materiales con los que se construye, por ejemplo, las membranas pueden variar de cuero animal a un parche sintético o de plástico (estos últimos son mas resistentes a la intemperie ).
Soporte basico.Soporte de angulo regulable.
Otra parte variable seria también el soporte donde apoya el instrumento. Una clase de soporte puede ser sencillo, donde el instrumento va fijo y en posición vertical. En otro tipo de soporte el bombo queda suspendido en unas correas de cuero, goma , o muy ocasionalmente en los cables, en un marco especial, generalmente redondo, de tal manera que puede girar libremente y colocarse en cualquier ángulo o posición de ejecución.
Mazos
Diferentes tipos de mazos.
El bombo generalmente se golpea con el palo o baqueta de bombo. Esto tiene un mango grueso y una cabeza de fieltro gruesa que es considerablemente más grande y más pesada que la del mazo de timbales grandes.
Cabeza: Diámetro 7–8 cm.
Material: núcleo de madera con fieltro grueso.
Mango: Largo 25–35 cm, hecho de haya o carpe.
Los palillos de bombo más pequeños con mangos más delgados y cabezas de fieltro suave se utilizan para golpes a niveles dinámicos más bajos. El sonido que producen es más delgado y también se utiliza para ejecutar los rolls.
En raras ocasiones, los mazos de timbales se utilizan en la orquesta para rodar en el bombo, o para pasajes rítmicamente complejos o rápidos. Esto depende del tipo de cabeza de tambor, el tamaño del instrumento y el pasaje a tocar.
El bombo a veces es golpeado con otros palos para crear matices o efectos:
Palos de fieltro duro : el timbre es más duro y tiene menos volumen.
Palos de cuero (francés: mailloche ): palos de madera con cabezas envueltas en cuero. Produce un timbre duro.
Palos de madera (como palos de platillo o xilófono): palos con cabezas de madera. Sonido seco, duro y similar al ruido. El ataque es claramente audible.
Palillos de batería : suenan muy secas, muertas, duras y precisas, pero son demasiado livianas para producir la resonancia completa del bombo.
Cepillos : según la técnica que se use, el sonido producido se produce entre silbidos y zumbidos y también es similar al ruido.
Para producir un timbre duro con menor volumen se utilizan mazos de marimba o vibráfono .
Modo de mediación
La forma más convencional de producir sonido con un Bombo Gran cassa es golpeando la membrana o parche superior de forma directa a unos 20cm del borde. El interprete ejecuta los golpes de pie y acompañando los golpes con el movimiento del brazo.El sonido y la respuesta del instrumento varía dependiendo del mazo u objeto con que se golpee. Las maneras mas tradicionales son, por un lado colocando el bombo verticalmente sobre el soporte básico, o colocando el instrumento a 45 grados[11].
La potencia de carga del bombo es mayor que la de cualquier otro instrumento orquestal. A menudo se observa que sus tonos suaves se sienten más de lo que se escuchan, como algunos de los tubos de órganos más profundos. Si bien es un instrumento de tono indefinido, con frecuencia da la ilusión de hacer sonar la nota fundamental de las agrupaciones armónicas tocadas por instrumentos superiores.
Agenciamiento
Debido a un ligero retraso en la respuesta del bombo, el interprete debe anticipar el ritmo para que suene a tiempo. Esta lentitud en la respuesta del intrumento también es perjudicial para las notas repetidas rápidamente, y las figuras rítmicas de cualquier complejidad son claramente inadecuadas para el bombo.
El roll, escrito como trino o como trémolo, se realiza con dos palos, golpeando los dos cabezales de tambor alternativamente. El roll también se toca en el tambor de bajo con dos palos de timbales, el efecto es como un roll en un tambor de extraordinaria profundidad de tono.
Su efectividad es inversamente proporcional a la frecuencia de su aparición en la partitura. Las partes de bombo contienen pocas notas.
Para controlar la resonancia del tambor y por lo tanto se puedan ejecutar notas de diferentes longitudes, hay diferentes formas de apagar el sonido o controlar su duración. Una de ellas es detener el parche con la mano libre, otra se efectúa tanto por la mano izquierda como por el palo, que se mantiene contra la cabeza al golpear.
Otra practica muy común es utilizar la rodilla o paños sobre los marches para controlar dicho fenómeno [12].
Los efectos especiales se obtienen utilizando palillos, cepillos de alambre o golpeando el tambor con un haz de barras de abedul y muchas otras formas no convencionales, por ejemplo como lo hace Michelangelo Lupone[13],o Gabriel Prokofiev's en su Concierto para Gran Cassa[14].
Interfaz
No se necesita de ningún mediador para ejecutar este instrumento.
Mapa de mediación
El tambor moderno se importó de Medio Oriente. Es un descendiente directo de davul , también conocido como tabl turki (tambor turco), que se sabe que existió en las regiones mediterráneas desde el siglo XIV. Este era un tambor grande y cilíndrico con una carcasa estrecha y dos membranas de cuero que se tocaba con palos de madera.
Un gran número de tambores turcos llegaron a Europa en el siglo XVIII con tropas turcas y sus bandas militares. La impresión inicial para los oídos occidentales de un sonido exótico se debió principalmente a la combinación del tambor, los platillos y el triángulo turcos que se encontraron en la música Janissary.
No solo el gran tamaño del tambor era una novedad, sino que la técnica de juego también era nueva: el instrumento estaba colocado verticalmente en una base o, para marchar, colgaba del pecho.
Escena del campamento de Janissary, pintura del otomano, museo (militar) Estambul de Askeri.
.
En la segunda mitad del siglo XVIII, las bandas de Janissary eran muy populares en las cortes de los príncipes europeos. Una consecuencia de esto fue la introducción gradual del gran tambor turco en la música de orquesta, especialmente en la ópera, generalmente para crear una atmósfera oriental. Gluck lo usó como un dispositivo estilístico en su Le cadi dupé (1761), Mozart en su Entführung aus dem Serail (1782). Haydn lo usó de acuerdo con su origen en su Sinfonía Militar (1793/94). En estas primeras obras de orquesta, el tambor turco, o el gran tambor como se llamaba debido a sus enormes proporciones, todavía se tocaba en el estilo turco, es decir, con un palillo de madera y una barra, con tallos de doble nota escritos en las partituras.
El bombo como instrumento de orquesta
A principios del siglo XIX, Spontini, en su ópera The Vestal Virgin (1807), se convirtió en el primer compositor en exigir que el bombo fuera golpeado con mazos cubiertos de fieltro. Al hacerlo privó al instrumento de su tono oriental.
Gradualmente se generalizaron las técnicas de interpretación más complejas para el bombo.
En las orquestas de finales del período romántico (último tercio del siglo XIX), el bombo se estableció firmemente en la sección de percusión de la orquesta. Fue golpeado desde un lado, aunque no directamente como en la práctica de Janissary, sino en un gran arco descendente.
Compositores como Edgar Varèse explotaron timbricamente a gran escala los instrumentos de percusión, entre ellos el Bombo Gran Cassa, por ejemplo en composiciones como Ionización[15].
Teleología
En la orquesta, el bombo realiza importantes tareas tonales, rítmicas y pasajes solistas. Su tarea fundamental en la música militar, rock, pop, jazz, y en la música orquestal tradicional, es marcar el ritmo en secciones acentuadas. En tiempos más recientes, los compositores también han confiado al tambor otras tareas, por ejemplo, a parte de los rolls también puede realizar complejas figuras rítmicas.
Este instrumento está fabricado con madera casi en su totalidad. Hoy en día se utilizan diversos tipos, las marcas que lideran el mercado de ventas de este tipo de instrumento son las que determinan la selección de maderas mas empleadas,estas son: El Palisandro, Palo Rosa (Rosewood), Pino abeto (para tapas de guitarra clásica o acustica),caoba (mahogany), cedro, Fresno (o Ash), Fresno del pantano (SwapAsh), Maple (arce), Tilo (basswood).
Aunque estas son las maderas mas utilizadas, también existen maderas poco utilizadas por su valor y disponibilidad como: Ziricote, Jacaranda, Wengue, Olivo, Cerezo, Bubinga, Pauferro, etc. Estas maderas son mas común encontrarlas en instrumentos de construcción artesanal, fuera de sistemas de producción masiva, y su respuesta tonal es tan variada como las combinaciones de maderas que se utilicen para la construccion del instrumento, logrando así un timbre personalizado, unico y decidido por el músico o el Luthier que lo fabrico.
Guitarristas mas experimentados, están en continua búsqueda de un sonido,un tono especifico, personalizado que sea característico de su sonido personal. Para ello es fundamental un conocimiento mínimo de respuesta sonora de la madera al momento de construir o comprar un instrumento. Ya que la selección de la misma afecta en todos los parámetros del instrumento como lo es su sonido (color timbre del instrumento resultante por combinación de maderas, Su diseño (color de la madera, dibujo de las vetas, etcétera) y su comodidad de ejecución (el instrumento resultante puede resultar muy pesado, o si el mango es mucho mas pesado que el cuerpo este podría inclinarse para abajo).
Existen maderas de diversos tipos y se los clasifica de la siguiente manera: Maderas blandas, maderas duras, maderas pesadas y aceitosas, algunos luthieres ademas de clasificarlas por su densidad, también los clasifican como maderas claras y maderas oscuras (remitiéndose a su color).
Si bien hay muchos instrumentos que estan completamente construidos por este tipo de maderas (tanto en el mango como en el cuerpo) es mas común ver instrumentos con maderas duras en el mango como el Maple, ya que es necesario que esa parte del instrumento tenga un diámetro mas acotado, permitiendo ser abrazada por la mano y que soporte la tensión de las cuerdas. También se usan en trasteras, como el palo rosa o ébano el fin de aumentar la resistencia. Este tipo de madera esta ligado a un timbre percusivo con mayor ataque y definición, realza el brillo del instrumento y de color mas frío y estridente.
Las maderas blandas por el contrario, suelen ser utilizadas en cuerpos, un caso crucial es en las guitarras clásicas/acústicas que utilizan pino Abeto Alemán para la construcción de sus tapas. Esto es necesariamente así ya que al ser una de las maderas mas blandas sin nudos en el mercado, la resistencia a las vibraciones generadas por las cuerdas es menor, logrando así una mayor resonancia. Crucial para el instrumento que no cuente con un sistema de amplificación. También es común verlo en instrumentos eléctricos con cuerpos de caoba o aliso. El tono resultante es de caracter mas bien calido y dulce, presenta una mayor homogeneidad entre los armónicos de diferentes notas.
Las maderas pesadas y aceitosas, como el Wengue presentan una gran claridad y definición de tono en frecuencias graves, medias y agudas. Proporcionan un ataque de mayor amplitud y un incremento en el sustain del instrumento. Es usado en proporciones menores a las maderas anteriormente mencionadas, debido a su denso peso, es mas comun verlas en trasteras o formado parte de mangos de 3 o 5 piezas.
La relación de maderas puede modificar notoriamente el comportamiento de tu guitarra. En el caso de tener una guitarra de cuerpo blando y mango duro, se puede distinguir un timbre en las notas mas cercanas al traste 0 y otro muy diferente en su registro mas agudo. Esto es así ya que al ejecutar las notas mas bajas, el mango presenta mayor parte en la resonancia y a medida que nos vamos acercando al cuerpo la vibración de la cuerda del puente al traste 16, por ejemplo, esta prácticamente regida por la resonancia del cuerpo. Los músicos que prefieren este tipo de combinaciones, juegan con la mezcla o combinación de estos diferentes timbres logrando así una dinámica sonora mas notoria.
Por otra parte, un instrumento construido completamente en una madera sola, mas comúnmente en guitarras electricas (por ejemplo una "SG"(caoba) o un "Rickenbecker"(maple)) presenta un timbre mas homogeneo a lo largo de todo el mango, el mismo timbre con diferente altura. Esto puede verse reflejado en una linea melódica mas "estable", sin picos de agudos o cambios de nivel en su sonoridad. Este tipo de instrumentos generalmente es usado en bandas donde hay una gran cantidad de instrumentos y cada cual debe ocupar un rango determinado de timbre y frecuencia.
Partes necesarias
La forma de la guitarra ha variado a través de los siglos. Aparte del número de cuerdas, el instrumento en sí ha ido progresivamente adáptandose a las necesidades del intérprete hasta llegar a la forma actual.
Estas variaciones son tan notables en su construcción como en su tipo de afinación. Las guitaras barrocas por ejemplo, presentaban un entrastado con diferentes relaciones de distancias entre si en comparacion a las guitarras afinadas en temperamento igual (afinacion actual). Tambien existian guitarras con trastes moviles, hechos de tripa, similares a un hilo/cuerda, cumpliendo una funcion similar a una cejilla, estos podían ubicarse y trasladarse manualmente por el musico y asi establecer criterios de afinacion variables entre tonos. Este sistema podria resultar muy practico al momento de ejecutar piezas junto a otros instrumentos en la antiguedad, ya que, no debemos olvidar que nuestro sistema de afinacion temperado igual es muy reciente y paso por un largo proceso hastalelgar a el. En la antiguedad no habia una afinacion standard, y la misma variaba según la región o el fabricante del instrumento. Eso dificultaba la simbiosis de diferentes instrumentos dando por resultado desafinaciones o batimentos en sus lineas melódicas o harmonicas.
Era común ver un trabajo mas detallado y arduo en cuanto a sus incrustaciones, logrando así decoraciones complejas y al igual que en la actualidad, podria hacer referencia tanto al valor del instrumento en si, como a un status social por quien la posee, o haciendo referencia a la calidad del músico que lo ejecute.
La guitarra, consta de diversas partes: Las cuerdas como ente oscilador se encuentran sujetas al puente por un extremo y por el otro a la cejuela. Podemos medir su tensión, por ende su afinación mediante tensores denominados clavijas, todas sobre un plano dividido en segmentos (denominado como Mango, Mastil, Cuello, Diapason) separados por trastes, los cuales tienen como función variar la distancia de la vibración y por consiguiente la altura (frecuencia) de los sonidos emitidos al pulsar la cuerda sobre ellos. La caja de resonancia recibe y amplifica dichas vibraciones transmitiéndolas al aire. En guitarras acusticas naturales(sin amplificacion mediada por microfonos) este fenomeno ocurre cuando las vibraciones de las cuerdas pasan a la tapa, esta vibra y por consecuencia emite sonido, el mismo puede verse modificado dependiendo la densidad o volumen de la caja, la seleccion de maderas y el tipo de construcción.
Partes de la guitarra
Partes variables
Las partes que pueden se modificadas sin alterar la particularidad del instrumento pueden ser: La seleccion de maderas y el tipo de construccion de la caja, haciéndola mas angosta para llegar a sonidos mas agudos, o mas grande para tener un timbre con claridad en frecuencias mas bajas.
El formato del clavijero que solo modificaria la estetica, y en algunos casos la comodidad del musico (acceso a la mediacion de las clavijas para su afinacion).
La seleccion de maderas y la construccion del mango, es un factor que no podemos obiar sobre todo en guitarras electricas donde existen mangos atornillados, que dan por resultado un sonido mas percusivo, con mayor presencia en la fundamental y un decaimiento mas pronunciado(ej. stratocaster/ jazzmaster/ telecaster), mangos encolados al mango presente en todas las guitarras clasicas y acusticas, tambien en electricas (es comun ver este tipo de construcccion en las guitarras inglesas de la marca "Gibson", en los modelos como Les Paul, SG, Flying V, entre otros. Los guitarras de construccion necktrough son bastante actuales y unicamente se ultilizan en guitarras electricas, ya que consiste en una unica tabla de madera que compone al clavijero, mango y cuerpo, y se le encolan 2 alas en la parte inferior para completar el cuerpo, esta construccion es mas costosa que las anteriormente mencionadas y da por resultado un mayor sustain y realzamiento de armonicos proporcionales a la fundamental.
la cantidad de cuerdas: Si bien generalmente la guitarra es comprendida por 6 cuerdas, actualmente existen incontables guitarras con diversas cantidades de cuerdas, como por ejemplo guitarras de 7 cuerdas, generalmente con una cuerda mas gruesa ampliando el registro grave del instrumento, o de 8 que es como la de 7 pero con una adicional mas aguda que permite ampliar el registro brindando notas mas altas. también existen guitarras de 12 cuerdas distribuidas por paraes; se puede utilizar una correa para ejecutarla de pie o un taburete para estar mas cómodo cuando se toca sentado.
Para su ejecucion se puede utilizar una púa o dedos (yema o uña) para pulsar las cuerdas, algunos guitarristas utilizan distintos objetos como por ejemplo un slide, un elemento que cambia el agenciamiento del instrumento para conseguir distintos efectos sonoros.
El material de la cejillao cejuela, tanto del clavijero (traste 0) o del puente. Tambien es conocido como "Hueso", haciendo referencia al material que se utiliza para hacerlas. Aunque en la actualidad hasta las marcas de mayor reconocimiento y prestigio mayormente no utilizan este material por una cuestión de costos, y se opte por usar plastico (en guitarras de gama baja/ media) o acrilico (en guitarras de gama media/ alta). Estos materiales de construccion no son los unicos ya que tambien se pueden encontrar cejuelas de ebano y bronce entre otras. Muchas veces la selección de estos materiales esta mas vinculado a la estetica del instrumento resultante que su sonido en si, ya que es relativo, y varia dependiendo del gusto del musico que lo ejecute y el estilo de música en el que se desenvuelva. a continuación dejo una reseña sobre los resultados sonoros de algunos tipos de cejuelas.
Cejuela de Bronce: Da por resultado un tono mas brillante, y mantiene una relacion sonora con el resto de los trastes, ya que en el traste 5, la cuerda vibra desde un punto de apollo metalico hasta el puente y lo mismo en traste 0. El resto de cejuelas dan por resultado un timbre diferente en las notas tocadas al aire, generando asi variaciones y combinaciones timbricas entre las notas pedal a las notas pisadas en diferentes alturas por encima del traste 0.
Cejuela de Hueso: De tono apagado, realza la fundamental.
Cejuela de Ebano: De tono calido y definido, con un color "maderoso"
Cejuela de Acrilico: Presenta una clara definicion, sobretodo en los medios. Similar al ebano pero sin ese tono de color "maderoso"
Cejuela de Plastico: Al ser un material muy blando, da por resultante un sonido mas bien apagado, opaco, con baja sonoridad en armonicos, y en la mayoria de los casos una disminución en el volumen. Suele desgastarse con mayor facilidad que los anteriormente expuestos. Es común en intrumentos de gama baja o media.
La posición clásica es con la pierna de apoyo levantada, de forma que se busca la mayor accesibilidad a todo el instrumento. Para elevar la pierna se utiliza un taburete o pie, de forma que el instrumento queda con el mango ángulo de 45 grados aproximadamente. El brazo derecho se coloca en la parte lateral de la guitarra y la mano forma un ángulo de prácticamente 90 grados respecto a la tapa de la guitarra.
Agenciamiento
Su agenciamiento convencional es pulsar las cuerdas con los dedos o también rasgueando las cuerdas. Tambin puede asociarse el uso de Pua o plumilla, utilizada en la mano derecha para rasgar las cuerdas, el sonido resultante puede verse condicionado por el material que esta construida la pua. Si bien hay incontables tipos de pua, responden siempre su dureza, siendo asi: Mas balndas = sonido mas opaco, y mas duras = sonido mas brillante.
La caracteristica de tono Brillante-Apagado no solo depende de la mediacio de la pusa, sino tambien de la posicion donde se pulse o rasge la cuerda. A medida que la ejecucion de la cuerda se valla acercando a un punto de mayor tension (ej: el puente) vamos a tener por resultante una respuesta mas brillante y con menos cuerpo que si pulsariamos la cuerda desde el traste 16.
En la actualidad hay diversos tipos de tecnicas de agenciamiento del instrumento como el sweep picking, o el Tapping en que ambas manos cumplen la misma funcion y percuten la cuerda contra el traste independientemente una de la otra llegando asi a formar diferentes lineas melodicas, o establecer una relación figura fondo partiendo de una misma fuente.
Mapa de mediación
Los orígenes y evolución de la guitarra no están demasiado claros, ya que numerosos instrumentos similares eran utilizados en la antigüedad.
Existen evidencias arqueológicas encontradas la actual Turquía de que en torno al año 1000 a. C. los hititas y asirios crearon instrumentos de cuerda parecidos a la lira pero con el agregado de una caja de resonancia, por lo que serían antecesores de la guitarra. También se han encontrado representaciones en dibujos del antiguo Egipto que se asemejan a la guitarra.
La hipótesis más popular considera que la guitarra es un instrumento introducido por los árabes durante la conquista musulmana de la península ibérica (España) en ese momento era llamada citara, no tenia mango y la caja de resonancia era distinta.
La guitarra adquirió gran importancia debido a la aportación de Gaspar Sanz, (1640-1710) compositor aragonés que gracias a su obra" Instrucción de música sobre la guitarra española"supuso un gran aporte a la guitarra barroca.
El siglo XVIII trajo consigo gran evolución en la guitarra. Tal vez la modificación más transcendente fue con la aparición de la sexta cuerda. En el año 1760, fray Miguel García, conocido como el padre Basilio, presento por vez primera una guitarra de seis cuerdas, siendo éste el primer músico en escribir música para guitarra en notación musical moderna.
El luthier Antonio de Torres Jurado (Almería, 13 de junio de 1817 - Almería, 19 de noviembre de 1892), es considerado como el inventor de la guitarra actual tanto flamenca como clásica, equiparable a Antonio Stradivari en el violín. Se le conoce también como el "Padre de la guitarra".
Este instrumento es utilizado para ejecutar tanto líneas melódicas como armónicas, es el mas utilizado por músicos de géneros de rock, blues, jazz en su versión eléctrica, en el folclore de distintos países en su versión clásica o Española para el flamenco.
Referencias
Monroy, Juan José. «La guitarra. Breve introducción histórica» https://web.archive.org/web/20071219130459/ Fuente/linck utilizada como aporte en mapa de mediación.Fecha de consulta 29/10/2018
La guitarra, también conocida como guitarra clásica o española, es un instrumento musical de la familia de los cordófonos con un origen muy antiguo pero que comienza a tener una importancia muy destacable a partir del renacimiento.
Durante la primera mitad del siglo XIX, en el periodo Pre-romántico, la guitarra conseguirá al fin su aceptación como instrumento de concierto.
Una característica importante es que este instrumento es transpositor de octavas, esto quiere decir que los sonidos que emiten no se corresponden con los que se muestran en el pentagrama en clave de sol, suenan una octava mas abajo.
El güiro pertenece a la familia de instrumentos de percusión que puede lograr sonidos iterados. Está dentro de la familia de los instrumentos idiófonos (instrumento musical que tiene sonido propio porque usa su cuerpo como materia resonadora. El güiro es un típico instrumento de Brasil (denominado reco-reco), pero también es muy utilizado en Puerto Rico (güícharo), Panamá (churuca) y Republica dominicana (Guira).
Disposición material
El primer güiro se fabricó todo de madera. Con el paso de el tiempo hubo modificaciones sobre el material, como por ejemplo la "güira" que esta hecha de metal (instrumento que suele utilizarse en la cumbia villera en Argentina. También hay güiros de caña de bambú.
Los güiros tradicionales provienen del calabazo seco, igual que la cabaza y las maracas que se construían con este fruto.
Ejemplo de una Guira de metal
Partes necesarias
Está hecho con una calabaza ahuecada a la que se le talla la cáscara haciendo ranuras en paralelo sobre su superficie. Se sujeta con el dedo pulgar de la mano izquierda, que se encaja en una apertura que hay por detrás y que sirve además para darle un sonido más intenso. La mano derecha coge una especie de tenedor con muchas púas y lo raspa contra las ranuras de la cáscara.
Partes variables
En cuanto a lo variable, su caja de resonancia (las calabazas secas) pueden estar hechas de otros materiales y tamaños como el totumo, la güira, metal, plástico, entre otras, haciendo este variar su sonido. En cuanto al mango, existen varias longitudes y materiales en donde el interprete interactua, ya sea metal, plástico, madera, etc.
Modo de mediación
Se sostiene el güiro con una mano y con la otra mano con la baqueta se lo puede raspar, golpear, frotar logrando así golpes con un solo ataque o mas ( sonidos iterados) .
Para una mejor ejecución se recomienda tocar parado con los codos a la altura de la cintura y espalda recta.
Agenciamiento
Éste se ejecuta raspando con un palillo o baqueta metálica la superficie rugosa o ranurada con mayor o menor velocidad, obteniendo así la emisión de diferentes sonidos y hasta producir una sonoridad vibrante dependiendo de la intensidad con la que se toque.
Mapa de mediación
La denominación güiro es un indigenismo proveniente de la familia lingüística arawak, hablada en la época colonial en el norte de Sudamérica y el Caribe. La güira se refería al árbol tropical y su fruto era denominado güiro. Existen antecedentes de este instrumento en sitios arqueológicos en México, donde se han encontrado estos raspadores frutales
Este instrumento se lo utiliza para acompañar danzas y bailes e incluso en algunos actos y celebraciones religiosas. Aunque es de origen africano es muy popular en Cuba y otros países como Ecuador y Panamá. Actualmente existen güiros modernos que se hacen de madera, plástico o hasta de fibra de vidrio, por lo que inclusive en nuestra cotidianidad se puede ver aún en los buses de nuestra ciudad a personas subiendo a tocar música popular. En Cuba el güiro es un instrumento indispensable en el ritmo del baile, danza y el cha cha chá. Hoy en día, muchas agrupaciones juveniles y grandes cantantes salseros como Gilberto Santa Rosa, Víctor Manuelle, entre otros, hacen gala de este instrumento dentro de sus presentaciones artísticas. También existe la Güira, que se diferencia claramente del Güiro por su construcción de metal, el sonido particular que produce al ser rasgado constituye, junto con la tambora, la base rítmica del merengue típico dominicano. Actualmente, se utiliza en la sección rítmica de géneros de música popular dominicana como la bachata, el merengue y la cumbia villera en Argentina.
Teleología
Este instrumento ayuda a incentivar la exploración sonora, para conocer sonidos, texturas y desarrollar nuevas habilidades psicomotrices.
Referencias
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El Koto normalmente esta construido con una pieza de madera de Paulownia (árbol de común en Asía) que es dividida en 2 partes, una para la parte inferior plana y otra para la parte superior mas convexa, y mide aproximadamente 180 centímetros de largo. Dependiendo el modelo puede tener 13, o hasta 31 cuerdas (aunque en la antigüedad existieron de menor cantidad de cuerdas) las cuales están atadas a cada extremo del instrumento y posee cada una un puente móvil que varia su afinación.
"Koto"
Partes necesarias
Pieza de madera de Paulownia. Cuerdas. Puentes móviles. Dedales con púa.
Partes variables
El material de las cuerdas pude ser de seda (tradicional) o nailon. Los puentes móviles pueden ser de marfil (tradicional), plástico o madera. La púa de los dedales puede ser de bambú o marfil y dependiendo de la escuela de interpretación pueden tener forma cuadrada (Ikuta) o redonda (Yamada). Puede tener un soporte de madera para apoyar el instrumento.
Modo de mediación
El instrumentista debe colocarse los dedales en el dedo pulgar, el indice y el medio de la mano derecha y pulsar las cuerdas en el sector derecho del instrumento, mientras que con la mano izquierda ejerce presión sobre las cuerdas en el sector izquierdo. Los sectores del instrumento están divididos por los puentes móviles. También puede usarse la mano izquierda para pulsar las cuerda sin necesidad de utilizar dedales.
Agenciamiento
En la forma tradicional el interprete debe arrodillarse en frente del instrumento con el mismo apoyado en el suelo. En la actualidad se puede tocar parado con el instrumento apoya sobre un soporte de madera.
Interfaz
El Koto no posee una interfaz extra que sirva de mediador entre el sonido y el instrumentista.
Mapa de mediación
El Koto es introducido en Japón en el Período Nara (710 - 794) como un instrumento derivado del Zheng chino. En un principio tenia 5 cuerdas con sus respectivos puentes, con el paso del tiempo y nuevos compositores que querían profundizar el instrumento como por ejemplo Yatsuhashi Kengyō o Michio Miyagi, fueron variando la cantidad de cuerdas y produciéndose diferentes modelos (con 13 cuerdas, con 7, con 1, con 2, con 25, etc), o cambiando el grosor de las cuerdas, asi se creo el jūshichigen de 17 cuerdas de sonidos mas graves.
También a lo largo de la historia fueron surgiendo diferentes escuelas de interpretación, pero las que perduraron hasta la actualidad son la escuela/estilo Ikuta y la Yamada que varían la forma de las púas de los dedales y la posición del instrumentistas.
Las Obras tradicionales están para Koto están escritas para leerse de derecha a izquierda, en la actualidad las obras se escriben tanto de manera tradicional como de manera occidental (de izquierda a derecha).
El Koto en sus inicios comenzó a ganar popularidad en la sociedad japonesa por lo cual termino convirtiéndose en el instrumento nacional. Cada una de sus partes recibió nombres con referencias a las partes de un dragón y se lo asocia con la imagen de uno.
El Koto es un instrumento cordófono el cual derivo del Zheng chino, ambos pertenecientes a la familia de las Cítaras, y es considerado como el instrumento nacional de Japón. Su aparición en Japón data del Período Nara (710 - 794).
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El laúd (del árabe العود al-`ūd) es un instrumento de cuerda pulsada, cuyo origen se remonta a la Edad Media y cuya introducción en Europa se inició en la península ibérica por los árabes e influenció a los cordófonos que por entonces ya existían en la península. Por extensión, laúd puede designar cualquier instrumento en el que las cuerdas se sitúan en un plano paralelo a la caja, a lo largo de un mástil saliente.
Disposición material
Los laúdes de Oriente, medievales, renacentistas y barrocos poseen una caja de resonancia abombada; en cambio, el laúd chino (pipa) se talla a partir de un bloque de madera. El instrumento de tesitura tenor, usado en la tuna y en rondallas y llamado laúd español, tiene fondo plano y aros laterales, y pese a su nombre, no está emparentado con el laúd sino con la bandurria.
Partes necesarias
Clavijas: Piezas de madera alargadas, con una ligera conicidad, en las cuales se enrolla la cuerda para tensarla. En algunos laúdes más modernos, las clavijas pueden componerse en un engranaje, y ser de plástico.
Mástil: Mango alargado que surge del cuerpo del instrumento, sobre el cual se tienden las cuerdas y se ejecutan las posiciones de la mano que se use.
Diapasón: Lámina que cubre el mástil para protegerlo del desgaste y darle rigidez, pues sobre ella se apoyan los dedos del ejecutante al pisar las cuerdas. Suele ser de ébano.
Caja de resonancia: De madera, bombada, construida a partir de costillas longitudinales, con forma de media pera.
Boca: En los laúdes antiguos ostenta un rosetón decorativo finamente tallado, especialmente en los árabes. En otros más recientes, como los españoles, la boca es redonda y sin ornamentos tallados.
Cuerdas: Seis cuerdas dobles afinadas al unísono por pares, como las de la bandurria.Siendo de tripa las agudas y de núcleo de tripa y entorchado de metal las graves.
Puente: Llamado también barra-cordal.En él, las cuerdas vibran directamente desde el nudo, sin apoyarse en ninguna lámina, como en las guitarras actuales.
Partes variables
Trastes: Cuerdas de tripa anudadas alrededor del mástil. Acortan la cuerda a la longitud deseada cuando el intérprete las pisa entre dos de estos trastes. Algunos tipos de laúd, como el español, poseen trastes, pero otros, como el árabe, no, ya que sino sería imposible generar cuartos de tono, característicos de la música de Medio Oriente.
Cordal: Sólo algunos laúdes medievales poseían una pieza aparte para anudar las cuerdas, pues desde la Edad Media y hasta el XVIII el puente y el cordal coincidían en una única pieza, la barra-cordal.
Bordones: El laúd moderno puede contar con cuerdas de bajo llamadas bordones, que se colocan fuera del trastero y son utilizadas para conseguir sonidos por fuera de la tesitura del laúd.
Modo de mediación
Aunque durante el paso del tiempo la técnica ha sufrido cambios importantes, el intérprete toma el instrumento de manera semejante a la Guitarra. Se apoya la caja de resonancia sobre la pierna derecha, la mano derecha pulsa las cuerdas (con dedos, uñas o púas/plumillas) y los dedos de la mano izquierda se ubican en distintas zonas del mango según la altura que se ejecute. Las posibilidades expresivas están dadas por la forma de tañer el instrumento.
Agenciamiento
En Occidente se privilegia el uso de dedos y uñas, para posibilitar la armonización de las notas. Al contrario, en Medio Oriente se prefiere el plectro, pues se utiliza el instrumento para la ejecución de líneas melódicas, principalmente—.
Interfaz
Cuerdas pulsadas, cuya longitud se modifica al apoyar los dedos de la mano izquierda sobre el mástil, y así se varía la altura de cada cuerda, de la misma forma que la Guitarra.
Mapa de mediación
Durante el renacimiento el laúd gozó de una gran popularidad entre la nobleza europea. No obstante, en España el protagonismo del laúd será desplazado en la música cortesana por la vihuela. En la época eran conocidos como "vihuelas de flandes".
El laúd durante la primera mitad del siglo XVI tenía generalmente seis órdenes dobles y se utilizaba la lectura para la notación musical del mismo. La afinación y la técnica del instrumento eran similares a las de la vihuela, por lo que el repertorio de ambos instrumentos podía ser intercambiado, tal y como prueba incluso el título de algunas de las publicaciones de la época.
Durante la segunda mitad del siglo XVI el laúd comenzaría a incrementar el número de órdenes, llegándose con el laúd de 10 órdenes a las primeras décadas de 1600, período de transición entre el Renacimiento y el Barroco. Durante el barroco el instrumento amplía el número de cuerdas, hasta los diez o más órdenes, que se empleaban para poder ejecutar notas más graves que pudieran dar sustento a las armonías de las nuevas funciones que al instrumento le estaban encomendadas.
Desde entonces, surgen diferentes tipos de laúdes que hasta hoy en día siguen utilizándose en diferentes partes del mundo, entre ellos se encuentran el laúd español, el laúd árabe, que posee un mástil más corto que el europeo, una caja de resonancia más grande y en general cuatro cuerdas dobles pero puede llegar a tener hasta siete; el laúd chino o pipa, el laúd cretense y el láud moderno.
Teleología
El laúd es un instrumento antiquísimo que nació en la Antigua Mesopotamia y se extendió por toda Asia con la Ruta de la Seda y entró en Europa por España con la Conquista Islámica. En los tiempos de Abderraman II, en el siglo IX, llegó desde la escuela de los Mossulies de Bagdad un músico de origen persa llamado Zyriab, que creó las primeras escuelas de música en la península. Ademas Zyriab, ya afincado en Al-Andalus, modificó el laúd tradicional de cuatro órdenes y le añadió la quinta cuerda. En esta época cada cuerda tenía su significado y simbolizaban un humor del cuerpo humano: la primera, teñida de color amarillo, la bilis; la segunda cuerda, de color rojo, la sangre; la tercera, de color blanco, la flema; la cuarta, negra, la bilis negra o melancolía; y Zyriab introdujo la quinta cuerda, tambien roja, que simbolizaba el alma. (En la medicina antigua se creía que los humores o flujos orgánicos eran los causantes de las enfermedades; las artes y las ciencias estaban muy unidas y por ello se le daba esa simbología a las cuerdas del laúd). Para Zyriab, esa cuerda que añadió, representaba el puente entre la música y el alma.
En las artes plásticas se suele representar el laúd como un símbolo de armonía. Cuando ésta no existe, se le representa con alguna cuerda rota.
También se considera un atributo de Santa Cecilia de Roma.
Lion's Roar es un instrumento de orquesta que consiste en un hilo pegado al parche de un tambor. Este funciona tirando de el hilo haciendo que este vibre pasando la vibración al parche. Este instrumento pertenece al grupo de los membranofonos, es decir, lo que vibra es su membrana. A su vez se divide en una sub-categoría llamada "tambores punteados".
Lion's Roar, tambien llamado String drum; Löwengebrull (de); Cuíca (fr) ;rugghio di leone (it), es un instrumento de orquesta que consiste en un hilo pegado al parche de un tambor. Este funciona tirando de el hilo haciendo que este vibre pasando la vibración al parche. Este instrumento pertenece al grupo de los membranófonos, es decir, lo que vibra es su membrana. A su vez se divide en una sub-categoría llamada "tambores punteados", sin embargo por la clasificación instrumental de Gary D. Cook es un cordófono, ya que produce sonido a travez de la vibración de una cuerda, pero también es considerado un tambor de fricción. Este último fragmento fue extraído de: https://en.wikipedia.org/wiki/Lion%27s_roar_(instrument)
Disposición material
Este instrumento esta compuesto por un hilo conectado al parche de un tambor.
Partes necesarias
Las partes necesarias de este instrumento son el tambor y la cuerda, ademas de un soporte que lo sostenga boca abajo. Aunque los Lions Roar caseros se colocan en el piso.
El Lions Roar se toca frotando los dedos contra la cuerda, y las vibraciones generadas en la cuerda pasan al parche del tambor.
https://www.youtube.com/watch?v=Jr_nX8NSff4 (este link ayudará a entender mejor su funcionamiento).
Agenciamiento
Este instrumento se toca friccionando los dedos contra la cuerda unida al tambor. Pero el sonido puede variar en duración depende cuanto tiempo se frote el dedo contra la cuerda, y con cuanta intensidad. Por otro lado también se puede golpear el parche con las manos u otro objeto, también se puede apoyar la mano sobre el parche mientras se tira de la cuerda para obtener otro timbre. ademas se puede ubicar los dedos en determinada parte de la cuerda y aplicar friccion con la otra para generar otras alturas.
https://www.youtube.com/watch?v=Jr_nX8NSff4 (link de video demostrativo)
Interfaz
No tiene interfaz
Mapa de mediación
Lion's Roar es de la familia de los membranofonos. Es una instrumento accesorio, es decir que no forma parte de la formación original de una orquesta. Es ademas un instrumento de música experimental. Su predecesor fue un instrumento llamado rumble-pot que consistia en un recipiente de arcilla o madera con un parche el cual era atravesado por un palo el cual se frota con los dedos mojados para reproducir su particular sonido, ademas se podía aplicar presion en diferentes partes del palo para variar el pitch. Los tambores de fricción es conocido en varias culturas primitivas, ademas de ser utilizado en ocasiones especificas de las tradiciones europeas, como por ejemplo en "Flanders" el "rumble-pot" esta asociado con la navidad. El 20 de mayo de 2018 la CYSO's Symphony Orchestra utilizó varios instrumentos de percusión no convencionales, entre ellos el Lion's Roar.
https://www.youtube.com/watch?v=Jr_nX8NSff4https://www.youtube.com/watch?v=3aZBP0ZXK6M (link de la CYSO's creando un Lion's Roar)
Teleología
Este instrumento no tiene una función predeterminada, como vimos en el video de este link: (https://www.youtube.com/watch?v=Jr_nX8NSff4), el Lion's Roar se usa para crear percusiones de diferentes timbres. Sin embargo se limita a ser un instrumento de percusión por ende no puede generar armonía, y muy vagamente melodía.
La lira griega es un instrumento precursor y pionero en las cuerdas pulsadas. Así como dice su nombres es proveniente de la Grecia Antigua y es a travesado por un contexto matemático, filosófico, religioso, poético y divino que los griegos construyeron al rededor del instrumento.
Cabe aclarar que no debe confundirse con la Lira, instrumento de placas. Ya que son diferentes en gran medida a pesar de tener el mismo nombre.
Disposición material
Ontogénia
Instrumento de cuerda punteada con forma de ábaco. Hecho con madera.
Originalmente era hecho con dos varas, cuerdas de cuero y un caparazón de tortuga al que los griegos llamaban Cheloné o Chelys. De ese nombre proviene el nombre del Cello.
Con el tiempo los griegos reemplazaron el caparazón por madera y añadieron más cuerdas al instrumento hasta que, eventualmente, culminó con el establecimiento de las seis cuerdas.
Partes necesarias
Caja: permite amplificar el sonido e insertar las cuerdas. Inicialmente hecha con caparazones de tortuga, luego con madera.
Cuerdas: producen sonido en base a la vibración generada por el instrumentista. Pueden ser tres (el caso de la lira más antigua) o hasta doce.
Tabla: tiene la función cerrar la caja.
Montantes: dos piezas ubicadas paralelamente y de forma vertical.
Yugo: sostiene los montantes y uno de los extremos de las cuerdas.
Partes variables
Cantidad de cuerdas
Tamaño de la caja de resonancia
Yugo
Madera con la que se le construye
Disposición de las cuerdas
Modo de mediación
Su modo de mediación es pasivo y visible: se hacen vibrar las cuerdas y el sonido es amplificado por la caja. El tiempo de acceso es casi instantáneo (desde el momento en que se pulsa la cuerda hasta que empieza a vibrar).
La lira se ejecuta frotando con la yema de los dedos sobre las cuerdas. Así como en la guitarra se apoya el dedo y se desliza sobre la cuerda para generar fricción, luego la cuerda sonará. Este es el modo de mediación más común de la lira.
Agenciamiento
Pueden usarse las dos manos para puntear las cuerdas o solo una para las cuerdas y la otra para sostener la lira (desde el montante más distante al instrumentista), dependiendo del tamaño y la forma del instrumento con los dedos, las uñas o con una púa.
Interfaz
Cuerdas tensadas.
Mapa de mediación
Obras para conjuntos de liras, voces de acompañamiento de lira para canto, obras para lira y otros instrumentos, para teatro de marionetas, para fiestas anuales (alusivas al cambio de estación ) y para el culto en la Comunidad de Cristianos.
Es un instrumento solista y que resalta en momentos de baja intensidad debido a la poca proyección sonora que tiene. Pero funciona de manera plena con melodías simples y con acompañamientos básicos como percusión u/o otra lira.
La mandolina o el bandolín es un instrumento de cuerda pulsada de cuatro cuerdas dobles y afinadas como el violín, Sol, Re, La, Mi, con una caja de resonancia que puede ser cóncava o plana según el constructor, y con un diapasón de 18 a 20 trastes. Forma parte de la familia de los cordófonos.
En ingles se la conoce como "mandolin", en alemán y en francés como "mandoline" y en italiano como "mandolino".
Disposición material
La mandolina está compuesta por cuatro cuerdas dobles extendidas sobre un diapasón y que están sujetas al extremo inferior de la caja armónica mediante una cola de madera. La parte posterior del cuerpo ahuecado de este instrumento musical tiene forma de pera.
Esta caja armónica junto con su particular cavidad conectada al aire exterior mediante los agujeros constituyen un resonador complejo. Dispone de un puente, ubicado en el centro de la parte superior de la caja armónica, que sirve también como soporte para las cuerdas y se encarga de transmitir las vibraciones de éstas hacia el resonador.
Partes necesarias
Las partes necesarias de la mandolina son:
Clavijero o Cabeza: Es el encargado/a de la afinación de la Mandolina y sujeta cada una de las cuerdas de esta. Consta de una tuerca y un tornillo sin fin, por lo que si se gira mucho es muy fácil cortar las cuerdas.
Clavijas Afinadores: Son el mecanismo que nos permite tensar o destensar las cuerdas para la afinación deseada.
Cejuela o Puente Superior: Es donde comienza el registro de la mandolina y se agrupan y dividen las cuerdas para que no se topen entre si y se mantengan una distancia prudente.
Diapasón o Trastera: Es el que le da el timbre o registro al instrumento.
Trastes: Estos van incrustados sobre el diapasón y son ellos los que definen la nota exacta del espació que se toca.
Mastil, Mango o Brazo: Es la base del diapasón y permite tomar la mandolina para poder realizar las notas en esta.La longitud del mismo es de, aproximadamente 23 pulgadas que equivale a casi sesenta centímetros.
Cuerpo o Caja: Esta le da la resonancia a la Mandolina.
Boca: Esta se ubica generalmente al termino del diapasón y permite que el sonido entre a la caja.
Cuerdas: Son las que le dan el sonido al instrumento.
Puente Inferior: Este cumple la misma función que el puente superior. Colocado a una distancia milimétrica con respecto al otro puente, le da el termino al registro de la Mandolina y además agrupa las cuerdas.
Partes de la Mandolina:
Partes variables
Las partes variables de la mandolina son:
Plectro: también conocido como púa, plumilla, pajuela, vitela, uña o uñeta, es una pieza pequeña, delgada y firme, generalmente en forma de triángulo, hecha de diferentes posibles materiales que se usa para tocar la guitarra y otros instrumentos de cuerda, como un reemplazo o ayuda de los dedos.
Modo de mediación
Las cuerdas son pulsadas por medio de una púa o plectro, las mismas vibran generando sonido de la oscilación de las mismas
También puede ser tocada directamente con los dedos, a modo de rasgueo o pulsado.
Agenciamiento
Para hacer que las cuerdas vibren, se emplea la técnica de punteo, para la cual se utiliza una púa que se sostiene entre los dedos pulgar e índice. La longitud de la cuerda y, por lo tanto, la frecuencia resonante varía según cuan fuerte se presione la cuerda contra los trastes. Generalmente, los trastes de la mandolina se encuentran bastante espaciados por lo cual los sonidos producidos al presionar una cuerda sobre dos trastes adyacentes generan un semitono separado.
También puede ser tocada a modo de rasgueo formando acordes o parte de ellos.
Interfaz
No hay interfaz, la cuerda es pulsada y el sonido se emite a través de esta pulsación.
Mapa de mediación
A finales del siglo XVI en Italia, aparece un instrumento conocido como mandola, precursor de la mandolina. El término mandopico, nombre italiano del instrumento, se cita por primera vez en 1563, refiriéndose, a una variante de la mandola de menor tamaño. Durante el siglo XVII, se incorpora a la familia de los instrumentos cardófonos y se comenzaron a fabricar mandolinas en Italia. En el Museo Stradivariano de Cremona se conservan los planos de construcción de varias mandolinas, con anotaciones a mano del propio Antonio Stradivari, el famoso constructor de violines.
Desde finales del siglo XVII muchos grandes compositores comienzan a utilizar la mandolina en sus obras. Es el caso de Antonio Vivaldi (1678-1741), quien compuso obras para mandolina y orquesta (como el Concierto para mandolina), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), que la utilizó en su ópera Don Giovanni, Ludwig van Beethoven (1770-1827) y Niccolò Paganini (1782-1840).
Dentro de la orquesta la mayor parte de las veces es instrumento solista que suele llevar adelante una melodía interactuando con los demás instrumentos de la orquesta.
Actualmente la mandolina está muy extendida y es usada en la música folk británica e irlandesa, en la música country y bluegrass de Estados Unidos, y en el choro y el samba brasileños. También se encuentra en algunos conjuntos de música tradicional portuguesa, mientras que en España ha sido desplazada por la bandurria y no es frecuente su uso en la música tradicional (salvo en Galicia). En México, durante años fue la primera voz de los conjuntos estudiantiles llamados Tunas o estudiantinas (nacidas en las primeras Universidades Europeas), pero en la actualidad ha sido reemplazada por la bandurria y el laúd. Los indios purhepechas los usan en su conjuntos tradicionales junto las guitarras, vihuelas, y violines. Se encuentra también en los conjuntos folclóricos de algunos países latinoamericanos, sobre todo de Chile, Bolivia, Perú, Ecuador, Colombia y Venezuela.
Teleología
La mandolina ha participado de la orquesta sinfónica moderna pero en combinaciones orquestales pequeñas, (de menos instrumentos), generalmente como un instrumento solista, realizando una melodía que es acompañada por la orquesta.
También fue utilizada en el siglo XIX y XX en Italia para interpretar la tradicional "Taranttella", que es un baile popular del sur de Italia, de las regiones italianas de Puglia, Basilicata, Calabria, Abruzzo, Molise, Campania y Sicilia.
Actualmente es muy utilizada en la música folk, country, bluegrass y hasta en música tradicional portuguesa (salsa) y música latina especialmente en Venezuela, donde se la conoce como Bandola, así como también se ha usado en el rock y el pop en la actualidad como es caso de el grupo R.E.M. en su canción Losing My Religion.
Las maracas (Palabra de origen Taino-Caribe Maraka ; Campana. En lengua arawuka: Malaka. En lengua tupí Ta-Maraca ; Campanario.) es un instrumento de percusión o idiófonos de espectro de frecuencia alto, que consta de dos partes, una maraca con menos relleno que la otra para generar una parte aguda y otra grave, y son manipuladas con las manos del interprete para su funcionamiento, para generar diferentes ritmos, variaciones tímbricas, detalles texturales, etc. Se encuentran mayormente en ritmos de orígenes latinoamericanos como la salsa, la rumba, guaracha, guajira, el son, llanera, etc.
Disposición material
Están formadas por calabazas secas y huecas, en las que pueden presentar en su interior diferentes tipos de semillas secas o pequeñas piedras. También pueden estar hechas de metal, plástico o madera.
Partes necesarias
Las maracas están conformadas por 3 partes:
CAMAZA: Su caja de resonancia de forma esférica en las que están constituidas por las calabazas secas, donde rebota y se produce el sonido.
RELLENO: Semillas secas en su interior, en la que cumple la función de oscilador, que es lo que produce el sonido.
CABO: Mango, lugar o parte el cual el interprete manipula ambos instrumentos, cumpliendo como función de excitador.
Partes variables
En cuanto a lo variable, su caja de resonancia (las calabazas secas) pueden estar hechas de otros materiales y tamaños como el totumo, la güira, metal, plástico, madera, entre otras, y dependiendo de que material esté hecho su sonido puede ser mas brilloso (madera, plástico, por ej.) o mas opaco (cuero por ej.). En cuanto al mango, pueden tener diferentes longitudes y y también de diferente material, ya sea metal, plástico, madera, etc. Y referido a su interior, su oscilador (las semillas secas) pueden variar en cantidad proporcional, el tipo de relleno y el tamaño del mismo; pueden hasta contener pequeñas piedritas o pedacitos de metal por ejemplo.
Modo de mediación
El uso de este instrumento consiste en movimientos de agitación que el interprete realiza yendo al ritmo de lo que esté sonando. Existen numerales técnicas en las cuales estas pueden variar según el genero en donde esté presente el instrumento, por el rol que cumple en alguna obra compuesta, o en el contexto cultural en el que se encuentre.
Las maracas están presentes en manifestaciones religiosas tanto como laicas de la música folklórico-popular cubana, aunque debe destacarse que su presencia y funciones más importantes son inherentes al conjunto instrumental del son. En el son, las maracas integran todos los conjuntos del complejo instrumental de este género: changüí, melcocha, órgano oriental, son montuno y sucu-sucu, así como las agrupaciones soneras con una tipología instrumental de sexteto, septeto, estudiantina y otras que, siguiendo el tipo de agrupamiento sonero, presentan una integración libre contemporánea.
En este tipo de agrupamiento rítmico-tímbrico tradicional, las maracas efectúan diseños rítmicos complementarios. En el bolero y la guajira, el diseño rítmico de las maracas se asemeja, aunque en la interpretación pueden realizarse trémolos y toques “corridos” con cierta amortiguación de la sonoridad, al hacer el maraquero el agarre de la güira y el mango.
Las maracas también participan cuando los conjuntos de son interpretan el punto cubano y el punto guajiro. Para acompañar el punto, las maracas realizan un ritmo estable en complementación a la línea conductora de las claves, muchos artistas prefieren que ambas maracas sean pequeñas para conseguir un timbre agudo, pero no muy brillante.
Agenciamiento
Este instrumento solo cumplirá su rol cuando esté sea utilizado desde su mango para la ejecución sonora, de lo contrario, no respetaría su forma convencional de uso, incluso pudiendo no cumplir con su capacidad sonora propia del mismo. Si bien cada una de las dos partes que las conforman en su conjunto trabajan y funcionan de maneras separadas e independientes, estas actúan entre si, generando así una sola agrupación sonora.
Para sostener las maracas no se necesita de mucha fuerza debido a su ligereza pero es importante estirar bien las manos y sostenerlas con firmeza por el mango y no por el cuerpo, ya que por esa área es por donde se emitirán los sonidos.
En cuanto a la posición adecuada, se puede estar parado o sentado pero lo recomendable para seguir el ritmo de la música con tu cuerpo es estando de pie, ya que si te encuentras sentado, todo el movimiento ejercido en las maracas provendrán de la fuerza de tu brazo.
El uso de los manos es muy importante ya que algunas personas pueden cometer el error de tocar las maracas con las fuerza de sus brazos y no con la de sus manos; y de éste en realidad proviene la fuente de energía para emitir los sonidos apropiadamente. Los brazos sirven como fuente de apoyo de las manos.
Para emitir el sonido con las maracas, lo más recomendable y adecuado es agitarlas al ritmo de la música que se esté llevando agitando de arriba hacia abajo como técnica básica. Igualmente se encuentran varios patrones rítmicos diferentes que se pueden aplicar. En estos enlaces podemos ver estas técnicas:
https://www.youtube.com/watch?v=v7iwnCPiDw0&t=45s
Interfaz
No tiene interfaz.
Mapa de mediación
Este instrumento fue creado y descubierto en América desde incluso antes de épocas precolombinas, manipulado originalmente por culturas indígenas nativas del continente, funcionando como hoy, símbolo musical cultural de muchas regiones de América, principalmente en regiones de América Central y Sudamericanas.
Se pensaba que su origen se pudo producir en el continente africano, debido a su uso tradicional en la cultura afrocubana, ya sea en ritos espirituales, pero al ser un instrumento universal que ha aparecido en distintas zonas del mundo instrumentos parecidos esto dificulta concretar su origen, el origen más aceptado es que fue en América por las tribus indígenas.
Algunos investigadores consideraron a las maracas de origen guaraní, en la región cono sur de América; otros señalan que los tainos (indios natales de Puerto Rico) fueron los verdaderos creadores. Según algunos investigadores, como Roth, la maraca es para el indio un instrumento invocador de los espíritus, por tanto se puede tener certeza que en esa época se crearon las maracas .
Por otro lado, los nativos del Congo Africano y a los indios que eran conocidos como Hopi, del Sudoeste americano, usaban maracas que eran fabricadas a base de caparazones de las tortugas y cestos. En antiguas épocas, los brujos afrocubanos y los afronatillanos solían utilizar instrumentos muy similares a las maracas en muchas de sus ceremonias y rituales espiritistas.
En conclusión, podríamos establecer que las maracas son un instrumento musical cuyo origen y presencia se pueden confirmar en África y América Latina y participa en diferentes expresiones de la música folklórico-popular.
Teleología
Su principal función es para darle "color" a lo rítmico, dependiendo de otros instrumentos, presenta otra cualidad sonora en forma de patrones a la percusión. Se podría decir que incorporan a los elementos musicales, aspectos texturales; detalles metálicos o mas brillosos con sus sonidos iterados y que a nivel perceptual se oyen como frotados dependiendo el movimiento que se ejecute.
Dentro de lo cabe un instrumento de percusión, esta cumple mas como instrumento de acompañamiento de otros instrumentos de la misma categoría.
En el siguiente enlace se puede ver explicadas las distintas presencias que pueden tener las maracas: https://www.youtube.com/watch?v=fUgj-aL6EXg
La marimba es un instrumento de percusión idiófono de altura determinada, que data de África del SXIII, con historia y formación en las colonias en el SXVI y SXVII, y con final apropiación y utilización formal en las orquestas occidentales a partir del SXX.
Descendiente directo del xilófono, éste instrumento de láminas pasó a tener un rol muy importante en la música popular y académica en la música occidental en el SXX, usándose en el jazz, bossa-nova, la música burlesque, como así también usado por numerosos académicos en sus respectivos movimientos.
Disposición material
Partes necesarias de la marimba
La marimba es un instrumento hecho casi en su mayoría por piezas de madera de distintos árboles, lo que caracteriza su sonido.
Partes necesarias
Placas: Creadas con madera generalmente de palo rosa, u hormiguillo; generalmente se usan estas maderas por su resistencia y la calidad tímbrica que brindan.
Cajas de resonancia: Creadas con madera de cedro o ciprés, afinadas según la respectiva nota de la placa. Con una membrana pegada en el extremo inferior para lograr la amplificación del sonido.
Mesa: Realizada con maderas especiales.
Partes variables
Mazas: Palos de distintos calibres y materiales usados para percutir las placas. Las mazas pueden variar depende el timbre que se le quiera buscar a la marimba.
Ruedas: Usadas para transportar el instrumento.
Clasificación
Según el sistema de clasificación de Hornbostel-Sachs, que clasifica los instrumentos según en dónde se crea la vibración y se produce sonido, la marimba tiene número de clasificación 111.212, correspondiente a los ideófonos directamente percutidos. Esto significa que lo que produce el sonido es el material sólido que vibra. El método para lograr esta vibracion diferencia a los idiófonos. Las marimbas, entonces, son idiófonos de percusión directa, ya que producen sonido cuando se los percute con un aparato externo (las mazas).
Modo de mediación
El ejecutante se encuentra parado y golpea con uno o dos mazas de tipo variable en cada mano, moviendose a los costados para poder llegar a ciertas notas.
Agenciamiento
La técnica de las mazas es la que aplica a la percusión en general, la energía se aplica con los dedos en forma de gatilleo, añadiendo fuerza de la muñeca para distintas intensidades. Para realizar acordes el ejecutante puede tener 2 o 3 mazas en cada mano, en incluso puede ir alternando para realizar trinos con acordes.
De forma no tradicional, uno puede percutir las placas con la yema de los dedos, con las uñas, puede soplar cerca de las placas y vibrarán, o de forma más académica y reciente se puede utilizar un arco de contrabajo y frotar las placas, especialmente las más graves, para obtener mayor sosten de nota.
Interfaz
Rango de las marimbas. Hay varios modelos con distintas notas.
No hay nada en el instrumento mismo que medie entre el ejecutante y el instrumento en sí. Aunque sí el ejecutante puede usar diversas herramientas para accionar el instrumento.
Mapa de mediación
Historia y Desarrollo
Etimología
Marimba viene del idioma Bantu, hablado en Mozambique y Malawi, y consiste de dos palabras unidas que forman un concepto unificador. Rimba significa "percusión con una placa", mientras que Ma es un prefijo que indica un "gran número de objetos". En este sentido, "marimba", significaría "varias placas percutidas".
Procedencia
Las primeras marimbas datan de los SXIII y SXIV en África, en forma de xilofones, en la región de Maui, y luego esparciéndose por ambas costas como así también la región central (Tanzania, Congo).
Usaban un tipo de calabazas especial que son raras y consecuentemente valiosas. El tono de la calabaza tiene que corresponder exactamente con la de la placa percutible. Estas marimbas contienen una forma especial de amplificación, llamada "mirliton". Un hoyo es cavado en cada calabaza y luego es cubierto por un mirliton (de papel o de un nido de arañas). Esta membrana vibra en simpatía cuando la placa correspondiente es percutida y produce un sonido zumbante que tiene el efecto de amplificación.
Desarrollo independiente en América Latina
Debido al tráfico de esclavos de África a las colonias en America Latina durante el SXVI y SXVII, estas personas continuaron creando sus instrumentos allí, en contacto con la población indígena americana. Estas marimbas fueron modificadas en profundidad en especial en México, Guatemala y Brazil. En estos países las calabazas fueron reemplazadas por cámaras resonadoras de madera especialmente afinadas. Los mirlitons seguían formando parte de los resonadores lo que les dio a estas marimbas americanas su carácter definitivo.
Adaptación a las orquestas modernas
El nombre marimba fue eventualmente aplicado al instrumento de concierto y orquesta que habia sido inspirado por el modelo latinoamericano. En 1910, los empresarios Deagan y Leedy comenzaron la producción de marimbas latinoamericanas y las adaptaron para su uso en orquestas sinfónicas europeas y americanas. Tubos metálicos afinados fueron el reemplazo de los resonadores de madera, aquellos con las notas más graves eran moldeadas en forma de U. Los resonadores eran afinados por discos metálicos giratorios, al final de los tubos, los mirlitons fueron abandonados. Estas nuevas marimbas fueron primeramente utilizadas para acompañar el teatro de Vaudeville y shows de comedia.
Aunque la marimba fue una constante usada en bandas de baile y música ligera, tardó un tiempo antes de que se le diera una parte importante en las orquestas. No fue hasta 1947 que la marimba repentinamente se introdujo en la escena como un instrumento "serio" en el Concierto para Marimba y Vibráfono por el compositor Frances Darius Milhaud. Una nueva técnica había sido introducida: el uso de cuatro mazas, que hizo posible tocar acordes, innovación que correspondió una recibida entusiasta. En la segunda mitad del SXX, el rango de tareas en orquestas y ensables de la marimba fue creciendo y expandiéndose cada vez más.
La marimba, al ser un instrumento con rango estándar, análogo al del piano, y teniendo en cuenta las técnicas de 4 o 6 mazas usadas al mismo tiempo, su repertorio es bastante amplio, y sirve así no solo como un instrumento de percusión con predominancia rítmica, sino proporcionar tanto notas agudas, con timbre parecido al del xilófono, como así tambien notas muy graves que superan las de otros instrumentos idiófonos. Aunque también puede aprovecharse su doble cualidad percutiva y melódica para ofrecer percusiones únicas y repetitivas.
Referencias
Adler, S. "El Estudio de la Orquestación" (2006) Idea Books, pp 437-439
La Mbira es un instrumento musical africano, tradicional del pueblo Shona de Zimbabue (allí es considerado un instrumento nacional) . Consiste en una tabla de madera ( a menudo equipada de un resonador) con dientes metálicos escalonados unidos, se toca sosteniendo el instrumento con ambas manos y se va presionando y soltando con los pulgares, el índice derecho y a veces el izquierdo los dientes metalicos. Los musicólogos lo clasifican como lamináfono, parte de la familia de instrumentos musicales idiófonos. En África oriental y meridional, hay muchos tipos de Mbira a menudo acompañados por el hosho, un instrumento de percusión. A menudo es un instrumento importante que se toca en las ceremonias religiosa, bodas y otras reuniones sociales.
Las claves o clavijas de metal son hechas a partir de mineral de hierro esmaltado, que es extraído de colinas y montañas sagradas donde los jefes Shona son enterrados. Según sus interpretes de esta manera las clavijas personifican directamente la presencia de los espíritus ancestrales en el instrumento. La tabla de sonido, hecha de una especial clase de árbol, representa una fuente de abrigo y combustible, necesidades básicas en la vida diaria de los Shona. La calabaza resonadora, que se monta en el mbira, y es apuntalada como un amplificador de segundo nivel, es un tipo especial de calabaza seca, la cual es una fuente de alimentación.
Partes necesarias
En si misma los elementos basicos para una mbira serian una tabla de madera (a menudo equipada con un resonador) con dientes metálicos escalonados unidos.
Partes variables
hay muchos aspectos que pueden variar en este instrumento como la cantidad de teclas, o el tamaño de la caja resonadora y si esta tiene o no un agujero. Pueden serle agregadas al costados tapas de botella o conchas de mar que generan un zumbido.
Modo de mediación
Los lamelófonos son instrumentos que tienen pequeñas púas, o "laminillas", que se tocan pulsando. A diferencia de los instrumentos de cuerda o los instrumentos de columna de aire como las flautas, los matices de una lámina arrancada son inarmónicos , lo que le da a la mbira un sonido característico. Los armónicos inarmónicos son más fuertes en el ataque y se extinguen bastante rápido, dejando un tono casi puro. Cuando se arranca un diente, los dientes adyacentes también crean vibraciones secundarias que aumentan la complejidad armónica de una nota individual.
Ejemplo:
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Agenciamiento
Es un instrumento originalmente ceremonial, su interpretación está ligada a ceremonias específicas, se interpretan canciones especiales, seleccionadas de un vasto repertorio de arreglos espirituales, puede utilizarse por ejemplo, para dar la bienvenida a un espíritu de una persona fallecida que retorna dentro de la familia, además se recitan plegarias, y poesías shonas. El mbira y los intérpretes calificados para tocar en tales ocasiones, toman el centro de la escena como el último vehículo para comunicarse con los espíritus. Se supone que el mbira tiene todos los elementos requeridos para "llamar" a los espíritus ancestrales a participar en la ceremonia. La destreza de sus intérpretes persuade al espíritu a poseer al espíritu viviente, y es durante esta ceremonia que los espíritus ancestrales escuchan las inquietudes de los miembros vivientes de sus familias, como también les imparten la sabiduría, el consejo y las costumbres familiares olvidadas, para asegurar una familia o comunidad saludable y exitosa.
Interfaz
contiene una interfaz similar a la del piano ya que consiste en presionar sus laminillas al igual que las teclas del piano.
Mapa de mediación
mediación En África han existido varios tipos de idiófonos y lamelas desplumados durante miles de años. Los dientes se hicieron originalmente de bambú, pero a lo largo de los años se han desarrollado llaves de metal. La mbira parece haber sido inventada dos veces en África: un instrumento de madera o de bambú apareció en la costa oeste de África hace unos 3.000 años, y lamáfonos de metal en el valle del río Zambezi hace unos 1.300 años. Estos instrumentos metalizados viajaron por todo el continente y se hicieron populares entre los shona de Zimbabwe (de donde proviene la palabra mbira) y otros grupos indígenas en Zimbabwe y Mozambique. [4] La mbira se diferenciaba en su forma física y usos sociales a medida que se extendía. Mbira se popularizó en gran parte debido al éxito de Thomas Mapfumo en la década de 1980, [1] que incluyó mbira en el escenario acompañando instrumentos de rock modernos como guitarra eléctrica y bajo, batería y cuernos.
Teleología
Se toca en ceremonias religiosas, bodas y otras reuniones sociales.
El melófono es un instrumento de viento de la sección de los metales.se toca en clave de Fa
Disposición material
La estructura del instrumento esta hecho latón y acero. compuesta por un tubo en forma
Partes necesarias
Boquilla: Parte de la trompa en la cual se apoyan los labios y se introduce aire para producir sonido.
Campana / Pabellón: Parte donde el sonido es proyectado hacia el exterior. Diámetro 255 mm
Tubo principal: Parte por la que pasa el aire antes de llegar al pabellón.
Tudel: Es la parte de la boquilla que encaja con el receptor del instrumento.
Bomba de afinación: Su Función es afinar el timbre del instrumento
Pistones: Tiene tres pistones
Partes variables
Los pistones y la fuente de afinación podrían ser variadas
Modo de mediación
El funcionamiento del melófono es similar a los demás instrumentos de vientos (metáles) consiste en hacer vibrar las columnas de aire. Las vibraciones hechos por los labios son ingresadas dentro de la tubería del melófono, aquí es donde se produce su timbre característico. Las alturas son niveladas a través de las válvulas ya que estas modifican la direccionalidad del aire y producen diferentes frecuencias, y la intensidad del sonido variará según la presión ejercida por el ejecutante.
Agenciamiento
El agenciamiento más utilizado consta de sujetar el instrumento con la mano izquierda , dejando así a la mano derecha solamente para controlar las tres válvulas.
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Interfaz
Mapa de mediación
El instrumento tradicional está visualmente inspirado en la trompa y tiene una campana mirando hacia atrás. A diferencia de la tompa, tiene los puntos de campana a la izquierda del intérprete en vez de a la derecha. Fue utilizado como una voz de contralto tanto en exteriores como en interiores por las bandas de la comunidad y la escuela en lugar de la trompa. Estos instrumentos todavía se hacen hoy en día, pero en general se carece de calidad, ya que no hay un mercado profesional para ellos. Estos están más estrechamente relacionados con los “alto horns” utilizados comúnmente en bandas de música.
Los Melófonos Cornetas fueron fabricados desde aproximadamente la década de 1950 y en el año 2000 la "Drum Corps International" cambió las reglas para permitir los instrumentos de metal en cualquier clave. Debido a los cambios de reglas en los últimos años, las cornetas han sufrido muchos cambios. En los años 1970 las cornetas tenían una válvula de pistón horizontal (1 tono) y una válvula rotativa (medio tono) operada por los pulgares. Cuando desaparecieron las normas que prohibían pistones verticales, la corneta recibió dos válvulas de pistón vertical. En 1989, las reglas aprobaron incluir un tercer pistón vertical para hacer los cuerpos de los Cornos por primera vez totalmente cromáticos.
Los Melófonos Cornetas introducidos en G se utilizaron principalmente hasta 2000, cuando se permitieron las reglas en cualquier tonalidad.
Los Melófonos modernos de marcha están más directamente relacionados con la Cornos-corneta, como el fliscorno, bombardino y tuba. Su diseño es radicalmente más cónico que el Corno, produciendo un sonido que generalmente se considera más adecuado para la música marcial, un Melófono tiende a ser más fácil de tocar fuertemente como es requerido en la música marcial.
Diferencia con el Corno
El melófono de marcha se utiliza en lugar de la trompa para la marcha, ya que es un instrumento de campana frontal que permite la proyección del sonido en la dirección que el intérprete se enfrenta. Esto es especialmente importante con el tambor y bandas de marcha porque la audiencia está típicamente de pie o sentado a un solo lado de la banda.
Se comienza a utilizar primeramente fuera de la música de concierto y no hay mucha literatura de solos para el melófono más que la usada dentro de los ensambles de tambor y bugle.
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Teleología
El melofón Se utiliza habitualmente en lugar de la trompa en bandas de marcha o en ensambles de tambor y corneta. En algunos casos el melofono es reemplazado por el bombardino o el eufonio.
El oboe se construye con ébano (granadillo negro, madera dura y densa) también usan maderas como cocotero, palisandro, palo rosa o cocobolo, que aportan sensaciones y sonoridades nuevas a los instrumentistas. El oboe moderno cuenta con varios mecanismos nuevos de llaves hechas de alpaca, aleación ternaria compuesta por zinc, cobre y níquel, bañadas en plata u oro.
Partes necesarias
El instrumento se realiza en tres partes o articulaciones. La articulación de la parte superior tiene 10 u 11 agujeros, la mayoría de los cuales son manipulados por la mano izquierda del intérprete. La articulación de la parte inferior también tiene 10 agujeros, para la mayoría de los cuales, el músico utiliza la mano derecha. La sección de la campana tiene dos agujeros cubiertos de llaves, que no se utiliza a menudo por el músico. Los oboes todavía se hacen a mano por expertos artesanos que son muy reservados acerca de las dimensiones, el tamaño de la abertura, utilizados en su construcción. La lengüeta, también llamada caña, está formada por dos palas y un tudel, que se unen con hilo de nailon, para luego ser raspada con una navaja de un filo. El nombre científico de la caña que se emplea para la fabricación de las palas es Arundo donax La elaboración de la lengüeta es un proceso bastante laborioso que requiere paciencia y tiempo. En primer lugar, se procede a la plantación de la caña, que suele brotar hacia la primavera, y se cosecha con la luna menguante de enero. Una vez cortada se le quitan las hojas y se seleccionan las que pueden ser buenas. La caña se almacena en los graneros para su secado, una vez seco, se crean tubos a partir de la caña para ser partidos en tres trozos con la ayuda de un hendidor o difisor de cañas. Le siguiente proceso, el gubiado, requiere que las cañas estén húmedas y una máquina de gubiar cañas para darles una forma ligeramente curva. Luego se emplea una máquina de modelar palas que consta de un molde y una prensa, accionada mediante un resorte apretará la caña con el molde y la cortará de la forma idónea. La configuración cuidadosa de la doble lengüeta es una parte fundamental en la consecución de un buen sonido musical del instrumento.
El oboe en su historia empezó teniendo un par de llaves cerradas para el re3 y una simple para el do3. Luego para el romanticismo la elaboración de las llaves y el torneado ha cambiado mucho. Luego de 1820 aparece el oboe de trece llaves de Joseph Sellner (profesor de orquesta en Viena) que había añadido algunas llaves dobles y así se creo su llamado oboe de llaves, el mas avanzado en su tiempo.
Partes variables
La lengüeta aunque es parte necesaria del instrumento puede ser reemplazada por otra de diferente material, debido a la comodidad del instrumentista y la acústica del instrumento.
Modo de mediación
La calidad del sonido depende de muchos factores. En primer lugar, la caña (o lengüeta). La precisión y calidad del raspado y que sea igualado en ambos lados, que no sea muy dura ni blanda. La posición de la caña sobre los labios va a repercutir en la calidad sonora. La posición del instrumento con respecto al cuerpo debe ser la correcta y se aconseja sujetar el instrumento describiendo un ángulo de unos 40 a 45º aproximadamente con respecto al cuerpo. Esto es debido para tener una adecuada presión diafragmática en todo momento que permita que la calidad de aire en todo momento sea la misma.
El instrumento puede tocarse tanto parado como sentado, exige una buena expansión pulmonar para sostener bien el sonido.
Agenciamiento
El oboe puede estar empleado solo, música concertante, música de cámara, orquesta sinfónica o banda musical. Las obras para oboe proceden del repertorio barroco (Bach) y Clásico (Mozart).
También se usa este instrumento en música tradicional y folclórica, jazz, rock y pop.
Mapa de mediación
El origen del instrumento conocido en la actualidad por el nombre de oboe se remonta a 3000 a. C. Su nacimiento tuvo lugar posiblemente en las civilizaciones de Mesopotamia, Babilonia e Isin. En esta zona geografía apareció gran diversidad de oboes conocidos con el nombre genérico de abud. El hallazgo de embocaduras de lengüeta doble, y las representaciones pictóricas, nos demuestran que unos instrumentos de la familia del oboe eran conocidos en Egipto hacia el año 200 a. C. Los instrumentos de doble lengüeta, denominados majt, alcanzaron un gran protagonismo, relegando a un segundo plano a otros instrumentos.
En la Edad Media fue la chirimía (chalumeau en francés y shawm en inglés) la que destacó entre los instrumentos de lengüeta doble, llegando a la música del Renacimiento con fuerza y con importantes mejoras. A partir de 1730 el taladro del oboe empezó a estrecharse con respecto de los modelos que podemos denominar plenamente barrocos.
El instrumento tuvo un periodo de consolidación hasta el fin del Barroco y durante el clasicismo vio un deseo de mejora técnica, así como los primeros signos de las emergentes características de cada país. En los nuevos instrumentos se redujo la considerable longitud del tubo por debajo de los agujeros de los dedos.
Desde comienzos del siglo XIX la elaboración de llaves y el torneado ah cambiado mucho. Hoy en día se emplean técnicas digitales de pulido de maderas, de taladro de precisión y se sigue todo mediante un proceso informatizado, aunque al final los retoques del instrumento (tornillos, sonido y afinación) los realizan a mano de expertos especializados.
El oboe es un instrumento melódico, es capaz de pasajes muy suaves y expresivos, sin embargo, es un instrumento que para tocar se necesita una gran cantidad de aire.
El sonido del corno inglés es más profundo que el del oboe, la campana del corno inglés tiene más forma de bulbo a diferencia de la del oboe y además el corno inglés es algo más grande que oboe (su sonido corresponde a una quinta inferior). Además, tiene un trozo de metal curvo en la parte superior llamado bocal.
El oboe, se nombra igual que en el italiano, inglés y alemán, (en francés, hautbois) es un instrumento musical de la familia viento madera, de taladro cónico, cuyo sonido se emite mediante la vibración de una lengüeta doble que hace de conducto para el soplo de aire.
El Oboe d'amore (del italiano, significa "oboe de amor" en español, Hautbois d'amour, en francés) es un instrumento que pertenece a la familia de vientos madera, de tubo cónico, campana periforme (forma de bulbo) y lengüeta doble, que vibran al soplar, produciendo sonido. Es un instrumento transpositor en la (es decir, suena una tercera menor a su notación musical). Pertenece a la familia del Oboe, es un poco más largo y su timbre es más sereno, dulce y cálido, el oboe d'amore es considerado mezzosoprano o alto, mientras que el oboe convencional es soprano. También se asemeja a la sonoridad del corno inglés.
Disposición material
Actualmente se utiliza la madera de ébano (dura y densa) para su construcción, pero puede optarse por otros tipos de madera, según la sonoridad que se requiera, como palo rosa y granadillo. Además, se utilizan maderas como palisandro, cocotero y cocobolo. También se fabrican de ebonita, polímero semejante al ébano.
Partes necesarias
El oboe d'amore está construido en tres partes: el cuerpo superior del instrumento posee 10 u 11 orificios donde va colocada la mano izquierda para digitar y en la cabeza se introduce la caña por una pequeña abertura; la parte mediana o cuerpo inferior del instrumento, donde se coloca la mano derecha, posee también 10 orificios para digitar; y el pabellón o campana, que es la prolongación ensanchada de la parte o cuerpo inferior y tiene forma de bulbo, en este aspecto es más similar al corno inglés que al oboe tradicional.
A lo largo del cuerpo se encuentra un mecanismo de llaves, igual al oboe (en el actual, no así en el oboe d'amore barroco) que le permite al oboista ejecutar las distintas notas según la combinación de estas llaves. Las tres partes del instrumento encajan entre sí y en esa sección están recubiertas con corcho, para que el material no se dañe al armarlo y desarmarlo.
La lengüeta -también llamada caña- es doble, se emplean dos palas de caña, un tudel (pieza metálica cilíndrica) rodeado de corcho), hilo de nailon y alambre fino.
Partes variables
La lengüeta es una parte variable del instrumento, ya que puede cambiarse por otra de distinto material, dureza, grosor, según lo requiera el instrumentista.
El sonido depende principalmente de la lengüeta o caña, que debe ser flexible, pero no muy blanda, por eso debe ser de buena calidad. La posición de los labios en la caña debe ser igual en ambos extremos, para que no haya escape el aire y el sonido sea parejo; este es un punto esencial en la calidad y producción del sonido. También influye la posición del cuerpo al sostener el instrumento, este debe estar a 45 grados con respecto al cuerpo, para una correcta respiración, y para poder realizar la presión diafragmática necesaria para que el sonido suene parejo.
Agenciamiento
doble caña de oboe d'amore
El oboe d'amore debe sostenerse a 45 grados del cuerpo, con ambas manos y los dedos preparados para posicionarse en las distintas llaves. Se apoyan los labios en la doble caña, la lengua es la encargada de articular, colocándola sobre la fina abertura de la lengüeta, de tal manera que la tape. A continuación y después de aspirar aire, se quita la lengua de la punta de la lengüeta y se ataca con un golpe de aire. Esta presión del aire sobre la lengüeta la hace vibrar, produciendo el sonido. A esto se le denomina "golpe de lengua" y se consigue colocando y retirando repetidamente la lengua del extremo de la lengüeta, a fin de interrumpir o dejar paso al aire.
Interfaz
Mapa de mediación
Mujer ejecutando un oboe d'amore
El oboe d'amore fue inventado en el siglo XVIII y fue empleado por primera vez por Christoph Graupner en Wie wunderbar ist Gottes Güt.
Los orígenes del oboe tradicional datan de 2500 a 3000 años aC, con una larga evolucion y transformación a lo largo de la historia hasta llegar al período barroco, donde comienza a ser el mas similar al actual.
El oboe d'amore pertenece a la familia de las maderas y posee doble caña (o lengüeta) y deriva del oboe tradicional, a diferencia de este, es un poco mas grande, más grave, dulce, con menos sonoridad y en registro mezzosoprano o alto. Es un instrumento transpositor en La, ya que su sonido suena una tercera menor por debajo de la nota que ejecuta en su partitura.
Es un instrumento que tuvo protagonismo en el barroco, no se encuentra en la orquestación tradicional.
J.S. Bach escribió piezas y un concierto para oboe d'amore, también lo ha incluido en alguna de sus cantatas, como la BWV 147, en la misa en si menor. G.F. Telemann también escribio para este instrumento.
El oboe d'amore entra en un período de latencia, pero renace gracias a compositores como Claude Debussy , Richard Strauss y Maurice Ravel, que lo utilizaron en algunas de sus composiciones.
En el barroco fue utilizado como instrumento solista, se han escrito conciertos y sonatas, tambien tuvo partes de arias y acompañamiento junto a los primeros violines en algunas composiciones o empastado a los otros vientos en otras.
Si bien no forma parte de la orquestación tradicional, puede ser utilizado en conjuntos de cámara, como solista o en orquesta. También en ensambles actuales, como adjunto abajo en un video, donde se lo utiliza para un ensamble que interpreta un tango.
J.S. Bach, Cantata BWV 147 iii. Aria para alto y oboe d'amore "Ich will von Jesu Wundern singen" (minuto 6:51)
x. Coral "Ich will von Jesu Wundern singen" (minuto 28:40)
https://www.youtube.com/watch?v=38TS7EOGo9A
El oboe d'amore puede ser utilizado como instrumento solista de orquesta (sobre todo en repertorio barroco), en grupos de cámara y ensambles.
Es un instrumento melódico, razon por la cual es elegido para solos y para hacer la melodía principal, aunque también puede cumplir la funcion de acompañamiento. Tiene un timbre particular, nasal, pero dulce, con particular expresividad, que requiere mucha presión diafragmática.
Referencias
El Estudio de la Orquestación, Samuel Adler.
Diccionario Enciclopédico de la Música, Alison Latham.
El órgano es uno de los instrumentos más antiguos que todavía se usan en la música clásica europea y se cree que tiene un origen de Grecia. Sus primeros predecesores fueron construidos en la antigua Grecia en el siglo III aC. La palabra órgano se deriva del griego όργανον (organon).
A lo largo de la historia, los órganos han sido portátiles y fijos, según estén o no dispuestos de suyo para ser trasladados hidráulicos o neumáticos, según que el aire se genere por la tensión o presión de agua, o bien por los fuelles del sistema actualmente en uso.
En italia destaca la figura de G. Frescobaldi (1583-1643), donde su obra Fiori musicali (1635) es una de las obras mas importantes en el ámbito teclistico. En los Países Bajos hay otro ilustre ejemplo con P. J. Piertechik, que junto con Frescobaldi son los dos primeros genios de la literaruta barroca del teclado. En Francia el órgano tenia bastante papel en la vida musical, habiendo incluso una escuela, la escuela francesa del órgano, donde el maximo apogeo esta entre 1660 y 1720. F. Couperin (1668-1733) es uno de sus más ilustres exponentes. Despues la escuela, junto con la escuela del clave, pierde prestigio y la musica francesa del instrumento desparace ante la idiferencia de los grandes compositores, como J. P. Rameau (1683-1764). En 1790 la escuela ya está en plena decadencia, habiendo solo compositores menores. En España hay bastantes figuras destacables durante todo el periodo, desde Cabanilles y Correa de Arauxo hasta el P. Antonio Soler (1729-1783), donde su producción organistica es la mas importante del siglo XVIII a nivel nacional. En Inglaterra los dos más ilustres repersentates son H. Purcell (1659-1695), que compuso piezas de tematica libre y G. F. Händel (1685-1759), que compuso conciertos para órgano y orquesta. En Alemania el órgano tuvo una importancia capital en todos los sentidos, donde la calidad y cantidad de las obras y el gran numero de compositores que hubo durante todo el periodo hicieron que tuviera aquí el maximo apogeo que se haya conocido en su epoca y en toda la historia. Como en Francia, el órgano tuvo una escuela nacional alemana, subdividida en 3 grandes escuelas: la del norte, la del sur y la del centro. Esta escuela nacional tuvo su apogeo entre 1650 y 1750, con los 3 compositores mas importantes de la literatura alemana: J. Pachelbel (sur) (1653-1706), D. Buxtehude (norte) (1637-1707) y, sobre todo, J. S. Bach (1685-1750), cuya aportacion fue la más destacable y capital del periodo barroco y de toda la historia.
Disposición material
El órgano es un instrumento musical que produce sonido al conducir aire insuflado por medio de una turbina con un fuelle a través de unos tubos preseleccionados desde un teclado
Un órgano de tubos tiene uno o más teclados (llamados manuales). Cada teclado controla su propia división o grupo de registros. Los teclados, la pedalera y los controles para los registros se encuentran en la consola del órgano.
El suministro continuo de viento del órgano le permite sostener notas mientras se presionan las teclas correspondientes.
El órgano permite hacer acordes juntos y alargar notas para realizar el bajo continuo.
Partes necesarias
Tubos: Los tubos son los elementos que producen el sonido. De ellos depende el sonido del instrumento. La altura o tono del sonido está en relación con la longitud del tubo. La forma del tubo y el sistema que emplee para producir la vibración nos dan el timbre. El conjunto de tubos de diferentes tamaños que tienen un mismo sistema de vibración y la misma forma del tubo se denomina juego. Cada juego se nombra a partir del tubo de mayor longitud, medida en pies.
Teclado: El conjunto de los teclados, ya sean para accionarlos con las manos (manuales) o con los pies (pedalero), y los registros se agrupan en la consola. Los manuales pueden ser de uno a cinco, dependiendo de la importancia del instrumento, y normalmente cada uno tiene de 56 a 61 notas (5 octavas). Por su parte los pedaleros tienen entre 27 y 32 notas (2 1/2 octavas)
Fuelle: el fuelle de alimentación, que suministra el aire y lo introduce en el fuelle de depósito o de presión, que mantiene siempre igual la presión en el aire aunque suenen uno o varios tubos a la vez. Antiguamente se empleaban fuelles, o manchas, activados por ayudantes llamados folladores, manchadores o sopladores. Se accionaban con las manos, con sistemas de palancas, o incluso subiéndose encima de los más grandes para moverlos con el peso del cuerpo. Actualmente se empelan compresores eléctricos para insuflar el aire en el fuelle de presión.
Caja: Guarda y protege el conjunto del instrumento. Suele estar muy decorada, con relieves, esculturas y pinturas. En los órganos pequeños y medianos incluye la consola, aunque en los más modernos ésta se puede situar fuera de la caja. En los órganos grandes, especialmente los situados en una tribuna en alto, el positivo se pone en una caja menor, llamada cadereta, delante de la caja principal, el gran órgano, dejando entre ambas la consola y el organista.
Un generador de aire (compresor de aire de baja presión movido por un motor eléctrico), secretos (distribuyen el aire a cada tubo). En los secretos hay una cámara de aire. Sobre ella va el mecanismo de las correderas, y encima se colocan los tubos, agrupados por juegos, y en cada juego ordenados por la altura del sonido (por el orden de las notas). Las correderas son un mecanismo deslizante y perforado, accionado por los tiradores de los registros; al coincidir las perforaciones con las bocas de los tubos, éstos están dispuestos para sonar.
Registros: Los registros se sitúan a los lados y a veces sobre los manuales. Son tiradores que permiten seleccionar los juegos de tubos que se quiera hacer sonar. En los órganos más modernos de transmisión eléctrica se emplean interruptores en lugar de tiradores.
Partes variables
Pedales
Modo de mediación
Se maneja mediante uno o más teclados para tocar con las manos, los órganos suelen tener una serie de pedales que tocados por los pies. Cada teclado controla su propia división o grupo de registros. Al tocar las teclas el se activan los juegos que son grupos de tubos, cada uno de estos produce una nota. El instrumentista selecciona estos juegos desde la consola con unos tiradores.
Agenciamiento
Interfaz
Teclado
Mapa de mediación
Al ingeniero griego Ctesibio de Alejandría se le atribuye la invención del órgano en el siglo III aC, cuando ideo un instrumento llamado hydraulis, que entregaba un suministro de viento mantenido a través de la presión de agua a un conjunto de tuberías
El órgano, aparte de ser un instrumento solista, ha tenido otras facetas en las obras, como acompañamiento o realización del bajo continuo.
En la edad media y el renacimiento, el órgano, antes de que se compusieran obras a "solo" o como solista, se utilizaba para acompañar o entonar el canto gregoriano, misas, motetes y piezas polifónicas de Leonín y Perotín (de la Escuela de Notre Dame), siendo el único instrumento que se podía tocar en la música religiosa.
https://www.youtube.com/watch?v=rqwgeKOgezg
Teleología
El órgano puede ser tanto un instrumento solista, como un acompañante o también se utilizaba para entonar el canto gregoriano, misas, motetes y piezas polifónicas. Siendo el único instrumento que se podía tocar en la música religiosa.
En la época barroca, con la aparición del bajo continuo, el órgano, adquiere una importancia capital, porque el órgano permitía hacer acordes juntos y alargar notas para realizar el bajo continuo. Entonces, desde 1600 hasta 1750, el órgano esta prácticamente como parte del bajo continuo en todas las obras vocales religiosas, y también, se puede decir la instrumental. Además de la técnica del bajo continuo, al órgano también se le dio un papel de acompañante melódico como ejemplo, algunas árias de cantatas sacras de J. S. Bach o los himnos de H. Purcell (1659-1695).
La pandereta (Tambourine, inglés; Tambour da basque, francés; Tamburo basco, Tamburino, Tamburello, italiano; Tamburin, alemán) es un instrumento de percusión de mano, no posee una tonalidad determinada, es un membranófono perteneciente al grupo de los tambores de marco. Es un instrumento de percusión sinfónico, su sonido es brillante, vivo y festivo.
Disposición material
El instrumento es un tambor de muy poca profundidad, formado por un parche de piel tensado sobre un aro de madera. Alrededor de este aro hay varias ranuras con parejas de pequeños címbalos que tintinean cuando se golpea o sacude la pandereta.
Partes necesarias
Las partes necesarias para la conformación de este instrumento es el aro de madera y los címbalos.
Partes variables
Las partes que pueden variar en este instrumento son, por ejemplo, la ausencia de un parche (hay panderetas sin parche, únicamente con el aro y los címbalos) o los distintos tipos de parche, los hay de piel de oveja sin lana o panza de burro.
Para tocar este instrumento nos encontramos con varias técnicas:
1. la mano izquierda sostiene el instrumento del borde mientras la mano derecha golpea el parche con los nudillos, los dedos, el puño, la palma de la mano o puede ser, contra la rodilla del ejecutante;
2. el instrumento se sacude o agita en el aire, produciendo únicamente el sonido de los címbalos;
3. tocar un redoble con el pulgar, que por lo general se usa para redobles suaves;
4. usar toda clase de baquetas y mazas si el instrumento está sobre un soporte o una silla;
5. colocándolo sobre otros instrumentos de percusión, como los timbales, la caja clara o el bombo, y tocarlo con baquetas.
Agenciamiento
Generalmente se utilizan golpes sobre el parche o sacudiendo el instrumento produciendo el sonido de los címbalos.
Luego están las otras técnicas, ya mencionadas, que varían según la pieza que se toque según indicaciones previas o, ya muy en otro extremo, depende de la creatividad del ejecutante.
No posee interfaz, ya que es un instrumento que reacciona a la excitación producida por el ejecutante, es decir, que no necesita de un medio adicional para poder sonar.
Mapa de mediación
La pandereta se originó en Mesopotamia, Medio Oriente, India, Grecia y Roma. Fue usada especialmente en contextos religiosos.
Wolfgang Amadeus Mozart fue uno de los compositores más tempranos en incluir la pandereta en sus composiciones. Desde finales del siglo XVIII se ha convertido en un elemento más permanente de la sección de percusión orquestal occidental, como se ejemplifica en el 9no movimiento de "El Cascanueces" de Piotr Ilich Chaikovski. https://www.youtube.com/watch?v=-fTlQ0F0KCQ
La suite orquestal Los planetas de Gustav Holst, también cuenta con la pandereta en varias partes de la suite, especialmente en el movimiento "Júpiter". https://www.youtube.com/watch?v=T0Fx24Xzc3U
La pandereta se usa en piezas vivas y festivas, ya que su tono brillante acompaña dichas situaciones. Se utiliza en piezas alegres, como por ejemplo, la Tarantela italiana (https://www.youtube.com/watch?v=JuYMaUdnatA).
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Lion's Roar de piso 
Lion's Roar colgante
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